CHANGE.WORLD: Nikola Tesla – Inventatorul modernității

Deşi au trecut mai puțin de 80 de ani de la moartea sa, numele și personalitatea lui Nikola Tesla sunt învăluite în legendă. Pe de-o parte, Tesla este adoptat de cultura populară (una dintre cele 100 de personalități ale secolului 20 după revista ‘Life’, timbre dedicate de serviciul poștal american, erou național în Serbia, personaj în filme întruchipat intre alții de David Bowie, figură de joc electronic în Dark Void Saga), este recunoscut de comunitatea științifică (unitatea de măsură a intensității câmpului magnetic este ‘tesla’) și desigur de firma și marca de automobile electrice ale lui Elon Musk (acționate de altfel de motoare de curent alternativ, derivate din invențiile sale) care îi poartă numele. Pe de altă parte, viața și activitatea lui Nikola Tesla continuă să fie controversate, discutate și disputate cu aceeași intensitate ca și atunci când era în viață. S-au scris nu puține biografii despre el. Cea mai recentă dintre ele, apărută în 2018 și publicată de W.W. Norton & Company, a fost una dintre primele mele lecturi ale anului 2021. Este un bun prilej pentru a reveni și în rubrica noastră CHANGE.WORLD asupra parcursului vieții și carierei excentricului inventator, unul dintre primii oameni care au visat și au adus la cunoștința semenilor săi multe dintre viziunile pe care se bazează tehnologiile prezentului și ale viitorului.

(sursa imaginii: amazon.com/Tesla-Inventor-Modern-Richard-Munson/dp/0393635449)

Cartea este scrisă de Richard Munson, născut în 1950, scriitor american, promotor al energiilor ‘curate’ și autor de cărți în domeniul politicii energetice, ca și de biografii ale unor personalități din istoria științei, între care cea mai cunoscuta în afară de Tesla este aceea dedicată lui Jacques Cousteau, exploratorul francez al oceanelor. Cele 13 capitole ale cărții urmăresc biografia inventatorului născut la cumpăna nopții dintre 9 și 10 iulie 1856, a cărui viață avea să fie marcată de o permanentă oscilare între azi și mâine, între prezentul cu necesitățile și constrângerile sale și viitorul ale căror viziuni și direcții de evoluție Nikola Tesla le-a imaginat și uneori trasat pentru cei din jurul lui, dar mai ales pentru cei care au urmat și vor urma după el. Locurile nașterii și copilăriei sale aveau să influențeze biografia sa ulterioară și să-i modeleze personalitatea, ele aflându-se în zona sârbă a Croației încorporate în imperiul austro-ungar, imperiu multi-etnic și poliglot pe de-o parte, dar marcat de conflicte naționale și scindări pe linii etnice și religioase. Toată viața sa, Tesla avea să se simță minoritar și va fi un excentric prin idei și prin modul de viață. Va deveni un american mândru, dar vă rămâne și un aprig patriot sârb. Tatăl său, Milutin Tesla, era preot ortodox, un om destul de cultivat și descendent dintr-o familie de luptători ai unei națiuni care trecuse prin secole de opresiune, lipsită de identitate statală și independență culturală. Paradoxal poate, mama sa Djuka, deși neștiutoare de carte, este cea care i-a insuflat și cultivat curiozitatea și dorința de a cerceta lumea din jur, și cea care a încurajat inventivitatea băiatului. Era de altfel o inventatoare nativă din necesitate, într-o lume care era limitată la satele și micile orașe unde familia Tesla își ducea viața. Nikola a fost inspirat în copilărie mai mult de studiul naturii și până la vârsta adolescenței nu văzuse nicio mașinărie industrială, nici măcar o locomotivă cu aburi. Studiile de inginerie, descurajate inițial de tatăl său, au fost acceptate doar ca mod de a evita serviciul militar în armata imperiului. Călătorind, locuind și învățând la Graz, Budapesta și Praga, Tesla a devenit stăpân pe mai multe limbi (moderne și clasice) și s-a dovedit un student dotat, dar a și dobândit sau a manifestat pentru prima dată multe dintre excentricitățile care aveau să-i însoțească viața: pasiunea pentru pariuri și jocuri de noroc, ipohondria extremă datorată contractării în adolescență a holerei, celibatul și singurătatea după singurul episod romantic cunoscut al biografiei sale, cu o tânără din Graz pe nume Anna, care până la urma s-a măritat cu altcineva.

(sursa imaginii: energy.gov/articles/top-11-things-you-didnt-know-about-nikola-tesla)

Cariera europeană a lui Tesla, la începutul anilor 1880, a fost scurtă, dar marcată de câteva evenimente și realizări remarcabile. Angajat de firma fraților Puskas, reprezentanții în Europa ai lui Thomas Edison, Tesla și-a început cariera de inventator contribuind la instalarea iluminării și a transportului electric la Berlin, Strasbourg, în Bavaria, dar mai ales la Paris. A contribuit, alături de alții, la numele și renumele de Oraș al Luminilor, acordat capitalei Franței iluminate de becurile lui Edison. Contribuția sa intelectuală cea mai marcantă în această perioadă a fost însă conceperea motorului electric de curent alternativ multifazic și fără comutatoare. Tradiția plasează declanșarea acestei invenții revoluționare într-o plimbare printr-un parc din Budapesta, împreună cu prietenul sau Anthony Szigeti, în timp ce cei doi recitau din Goethe. Cert este că provocarea fusese mai timpurie, într-o dispută din vremea studenției cu profesorul său din Graz, care îl introdusese în secretele electricității. Aceste activități și invenții aveau să fie biletul său de călătorie spre America. Ajuns în Lumea Nouă, în iunie 1884, după relatările sale cu doar patru cenți în buzunar, Tesla îl întâlnește a doua zi după sosire pe Edison, care îl angajează imediat și pentru care avea să lucreze la început. Colaborarea s-a transformat după nu prea multă vreme în concurență și rivalitate, primul dintre cele câteva mari dueluri științifice și intelectuale care aveau să-i marcheze cariera. Subiectul a rămas în istoria tehnicii sub numele de ‘războiul curentelor’, disputa dintre curentul continuu (DC) promovat de Edison și curentul alternativ (AC) susținut de Tesla ca sursă pentru iluminație publică, pentru acționarea motoarelor, dar mai ales pentru transportul la distanță al energiei. Disputele au avut loc în paginile revistelor științifice și ale presei de mare circulație, în conferințe publice, în evenimente de mare anvergură (cum a fost Expoziția Columbiană de la Chicago, din 1893) și în sălile tribunalelor care au dezbătut uneori vreme de decenii dispute legate de patente și prioritățile acestora.

(sursa imaginii: latimes.com/business/technology/la-fi-tn-tesla-museum-campaign-purchase-lab-20130509-story.html)

Retrospectiv, se poate spune că Tesla a câștigat cam toate aceste dispute, și chiar dacă au mai rămas câteva nedecise sunt șanse ca viitorul să dovedească faptul că tot el a fost vizionarul. Revizionismul istoric nu mai poate schimba cele petrecute în timpul vieții, și Tesla s-a confruntat cu dificultăți materiale și mai ales de finanțare și de implementare a proiectelor sale. Au contribuit la aceasta și inabilitatea de a negocia termeni favorabili pentru multele sale patente și faptul că a renunțat în numeroase cazuri la avantajele comerciale care i-ar fi revenit pe drept. Ultimul deceniu al secolului 19 și începutul secolului 20 au reprezentat în Statele Unite ale Americii și în Europa o perioadă fascinantă în istoria industriei bazate pe tehnologiile nou descoperite (electricitatea, magnetismul, comunicațiile fără fir, radioactivitatea) și pe invențiile bazate pe acestea. Inventau, conferențiau, se concurau unii pe ceilalți alături de Tesla personalități gigantice ca Bell, Edison, Marconi, Ferrari, Herz, Westinghouse, Thompson. Dintre toți aceștia, Nikola Tesla pare să fi fost cel mai puțin priceput sau poate și cel mai puțin interesat în a-și transforma ideile în capital și mijloace financiare, el fiind, se pare, cel mai inadaptat modelului economic capitalist. A contribuit la aceasta și neliniștea sa creatoare care îl făcea să fie în permanență nu cu câțiva pași, ci uneori cu câteva decenii înainte de concurenți și de timpul său. Viziunea sa de viitor a fost întotdeauna din punctul său de vedere mai importantă decât perfecționarea și punerea în aplicare a invențiilor de ieri. Poate că avea și prea multă încredere în oameni. Asociat pentru o perioadă cu George Westinghouse, Tesla l-a ajutat pe acesta și compania sa să câștige ‘războaiele curentului’ și să impună metoda de distribuire a curentului alternativ la o frecventa de 60 Hz (în America de Nord), care a transformat electricitatea dintr-un lux într-o comoditate. Împreună au realizat unul dintre visurile din adolescență ale lui Tesla, construirea unei centrale hidroelectrice la cascada Niagara care alimenta cu electricitate New York-ul. Neglijent în afaceri, Tesla i-a cedat lui Westinghouse comisioanele rezultate din patente, și acesta, după câțiva ani, a sistat stipendiile mensuale care susțineau stilul de viață și lucrările de laborator ale savantului născut în Balcani și devenit cetățean american. Alți finanțatori, cum au fost cei din familia Morgan, l-au dezamăgit în mod similar. Mintea sa însă era deja angajată în alte viziuni și dispute, dintre care cea mai celebră a fost cea legată de transmisiile fără fir la distanță și de tehnologia radio în care marele său adversar a fost inventatorul și inginerul italian Giuglielmo Marconi. Istoria din nou i-a dat dreptate lui Tesla, căci ideile sale sunt cele care stau la baza emisiei și recepției informației radio, a sincronizării și alternării frecvențelor, și a protecției informației personale în comunicațiile fără fir. Și totuși, în timpul vieților lor, Marconi a fost cel care s-a bucurat de un succes de public mai mare și de reușită economică. Tesla s-a mulțumit să continue să joace rolul de descoperitor de principii, lăsându-i pe alții să proiecteze aplicațiile și să culeagă roadele materiale.

(sursa imaginii: engadget.com/2014-01-19-nikola-teslas-remote-control-boat.html)

Poliglot, iubitor de literatură, om de o cultură enciclopedică, Tesla a dus un stil de viață recluziv și excentric. Toată viața sa matură a locuit în hoteluri și a mâncat la restaurante. După ce primele sale invenții au fost puse în aplicare și a dobândit faimă, nu a trăit niciodată strâmtorat, dar a trebuit de multe ori să se adapteze la hoteluri mai puțin luxoase sau la restaurante mai puțin scumpe și exclusiviste. Un incendiu devastator i-a distrus laboratorul din Manhattan într-o vreme în care asigurările nu erau încă o industrie stabilă și, deși l-a reconstruit și mutat de câteva ori, lipsa de fonduri a limitat aparatura pe care a avut-o la dispoziție pentru a-și verifica ipotezele și a-și confirma ideile. Stilul său de lucru era individualist, a avut putini asistenți, concepea în minte și făcea multe experimente virtuale, înainte de a-și pune pe hârtie schițele și a le dezvolta în planuri detaliate. Nu a fost scutit desigur de erori, și multe dintre ele l-au purtat în direcții greșite, care au dus la consum de resurse financiare și mai ales de timp, uneori în cantități enorme. Una dintre marile sale erori a fost, de exemplu, încercarea de a transmite undele radio și energia prin intermediul masei planetare, și nu prin atmosferă, cum o făceau concurenții săi Marconi și Hertz. Încrezător în existența civilizațiilor extraterestre, a interpretat greșit pulsațiile stelare, considerându-le semnale transmise de aceste civilizații. Personalitate publică de prestigiu la mijlocul vieții și considerată excentrică spre final, Tesla își serba ziua de naștere prin conferințe urmate de sesiuni de întrebări și răspunsuri care se întindeau de-a lungul a multe ore. În cadrul acestora, își expunea ideile și viziunile cele mai recente, dar și opiniile despre descoperirile altor oameni de știință și inventatori. Surprinzătoare a fost neînțelegerea și respingerea multor avansuri științifice și tehnologice ale primei jumătăți a secolului 20, inclusiv fizica nucleară și cuantică și teoria relativității. Format în secolul 19 și lipsit de o profundă educație matematică, Tesla a rămas un savant al secolului 19, probabil ultima mare personalitate tehnică a acelui secol.

(sursa imaginii: teslasociety.com/portugal.htm)

Lista invențiilor și ideilor patentate sau doar exprimate în diferite ocazii este extrem de lungă. Ea include, printre altele, motorul cu inducție și motorul polifazic, roboții (pe care îi numea cu două decenii înainte de Karel Capek ‘teleautomate’), telecomanda, dronele, telefoanele mobile, Internetul, armamentul bazat pe laser, radarul, propulsia solara, transmisia energiei fără fire prin aer, captarea energiei solare. Nikola Tesla este un erou al inventatorilor și al antreprenorilor care au început de la zero, dar probabil și ultimul dintre marii inventatori care au înregistrat succese lucrând practic singuri. El încheie din acest punct de vedere o epocă în istoria științei și a ingineriei. Încă din timpul vieții sale, cercetarea științifică și tehnologică s-a reorientat spre centre de cercetare și lucrul în echipă. Tesla și-a putut imagina Internetul, dar nu și lucrul în colaborare, activitățile științifice, sociale și comerciale pe care acesta le deschide. Credința care îl călăuzea în viață, conform căreia tehnologia poate face abstracție de piețele economice, iar invențiile nu ar trebui să fie legate de profit, s-a dovedit la fel de nerealistă ca viziunile lui Don Quijote. În schimb, din punctul de vedere al inventivității și anticipării direcțiilor de dezvoltare ale tehnologiei, Tesla a fost un vizionar, uneori în avans cu câteva decenii sau chiar cu un secol față de timpurile în care a trăit. Dacă există un savant care merită titlul de inventator al modernității, acesta a fost într-adevăr Nikola Tesla.

(Articolul a apărut iniţial in revista culturală ‘Literatura de Azi’ – http://literaturadeazi.ro/)

Posted in change.world | Leave a comment

the power of the mob (film: The Chase – Arthur Penn, 1966)

1966, the year Arthur Penn made ‘The Chase‘, belongs to the period in the second half of the 1960s that transformed American cinema. These are the years in which the French New Wave reached the shores of Hollywood, in which the producers left to the directors the responsibilities of being the lead authors and principal influencers in the making of films, and in which the golden generations of established actors from the 50s or even before began to collaborate with the new generations of young actors, extremely talented but educated in a different style of acting, natural and devoid of rhetoric and theatricality. ‘The Chase‘ captures this transition by combining elements of a classic movie, a contemporary western if you wish (with the lone sheriff fighting for truth and justice in a small Texan town) with a social drama with surprising resonances in reality. The cast brings to screen Marlon Brando, a mega-star who had gained fame in the previous decade together with some of the younger actors who would make, each of them, formidable and lasting careers in the following decades.

‘The Chase‘ begins with an escape that is complicated by a murder, but most of the story takes place in the mid-60s in a small Texan town. Equality in civil rights had been legislated but mentalities had not changed much. Society is stratified. The city is controlled by tycoon Val Rogers, who is the director of the bank, and the owner of oil wells and of most of the region’s farms. The rest of the inhabitants spend their time gossiping and partying on jazz music sprinkled copiously with booze. Sheriff Calder (Marlon Brando) is considered Rogers’ man. The community and the sheriff will be put to the test when news arrives in town that young Bubber (Robert Redford) has escaped from the prison where he landed after being arrested by the sheriff and charged with deeds of which he may not have been guilty. Meanwhile, his wife Anna (Jane Fonda) had found solace in the arms of young Jake Rogers (James Fox). The drunken mob wants to do justice alone, the only one trying to obey in the name of decency and the law is the sheriff. Will he succeed? At what price?

The way the story in ‘The Chase‘ is conceived (based on a novel and a play written by Horton Foote) pays tribute to the style of the big studios. The social context is well described, a whole gallery of well-sketched characters populates the story. But the real surprise appears for us viewers in the final third of the film when we understand that everything we have seen so far builds-up a dramatic confrontation with surprising turns. Under the influence of alcohol, fallen into a collective psychosis, the inhabitants of the small town with its gossip and stereotypes turn into a threatening and violent mob, ready to break the law and face the people who dare to represent it. In this final part, the acting creations also stand out. Marlon Brando manages one of the solid roles of his career here, while Robert Redford, Jane Fonda and Robert Duvall seem to be preparing the significant roles they will play in the coming years. There was need perhaps for a little more depth in defining some of the characters. Fonda‘s Anna is mostly decorative and the reasons of her infidelity is too little explored. About Bubber, we understand that he had been a victim of circumstances, a marginalised young man, who had not had many chances, but this emerges from the stories of other characters, not from the time allotted to Redford on screen. Director Arthur Penn honourably deals with the conventional parts of the film, gradually increasing the tension towards the final confrontations. Looking at his filmography we can see that this ascent continued. The following year he would make ‘Bonnie and Clyde‘.

Posted in movies | Tagged , , , , , , , , , , | Leave a comment

Pasolini’s parabola allegory (film: The Hawks and the Sparrows – Pier Pablo Pasolini, 1966)

Pier Paolo Pasolini‘s ‘The Hawks and the Sparrows‘ (the Italian title is ‘Uccellacci e uccellini‘) is a film that is difficult to decipher. In 1966 the Italian director had not yet produced his most controversial works, but this film already shows him as a radical creator, both in terms of the load of ideas he tries to convey in less than the 90 minutes that the film lasts and by the metaphorical way in which he chooses to do it. We are dealing with a parabola allegory including many interesting and innovative cinematic elements, some of them quite funny, but it is not an entertainment film. The problem with this film as with others of Pasolini is that much of the ideological wars that the Italian director and intellectual waged in his time have since been either won or forgotten by history. The result is that looking at this film today, viewers judge it by its cinematic and entertaining qualities, ie exactly those components that for Pasolini were just tools to transmit ideas from the creator of films to his viewers.

The story takes place on an endless road. The road of life? The path that Charlie Chaplin takes at the end of his films? The two characters could actually be the Vagabond and the kid who accompanies Charlot, as seen many years later. Here they are father and son, and on their way they meet landscapes and people who belong to the immediate reality or to pure fantasy. Neo-realism mixes in the world of Pasolini‘s film with fantasy. People live their lives on the margins of society, women have nothing to put in the pot to feed their families, tenants are threatened with eviction from their homes because they have not paid their rents, prostitutes work in the cornfield. The two heroes, father and son, eternal vagabonds, meet a talking raven who declaims the ideology of the left and travel back in time seven centuries to convert to Catholicism the birds (the hawks and the sparrows in the title) at the urging of St. Francis. Their universe is cruel, an era is coming to an end (symbolised by the funeral of a communist leader), and hawks eat sparrows despite all the efforts of Catholicism. The world is incoherent and ideologies are dying.

The message of the film also translates into an unconventional demonstrative cinematic treatment, rejecting canons, narrative rules, or aesthetics. The film begins with a generic sung to the music of Ennio Morricone. The following scenes seem to be under the influence of neo-realism, even when a group of young people improvise a dance number that would also find its place in the films of Jacques Demy, Pasolini‘s French contemporary. What follows, however, belongs rather to surrealism combined with the absurd. The acting performances are extraordinary. The only professional actor is Totò, a famous comedian and clown, in one of the great roles of his career. The young Ninetto Davoli, a discovery of Pasolini, at his second film, was quite anonymous and uncorrupted by acting schools to fit perfectly into the style of the film. The rest of the cast is made up of non-professionals and they are the ones who give authenticity to this mixture of social and religious criticism imbued with a dreamlike nihilism that only Pasolini was capable of. ‘The Hawks and the Sparrows‘ is an atypical film even for Pasolini‘s creation, unequal, but which offers many moments of cinematic pleasure.

Posted in movies | Tagged , , , , , , | Leave a comment

the dreams of yesterday (film: Gianni Di Gregorio, 2019)

If you are looking for an entertainment with heroes that you can identify with, especially if you have reached retirement age or if you have parents or grandparents at this age, then ‘Lontano Lontano‘, the 2019 film by Italian director Gianni di Gregorio can be exactly what you need. Di Gregorio, who is also the author of the screenplay and plays one of the lead roles, has created a story that seems to belong, like its heroes, to another era – an era in which people were not only more decent, but also able to plan. to travel or even settle in another country, to be, as the English title of the film says – ‘Citizens of the World‘.

The heroes of the film are three Italian retirees who have lived most or perhaps their entire lives in Rome or around this city. All three are lonely, their pensions, if they have them, are close to the minimum, they hardly meet ends and their knowledge about the rest of the world and even about the laws of the country and society in which they live is very limited. Corona is still just a brand of beer that the three have probably not heard of, so Europe and the whole world is open to them, and theoretically they could move to another country, somewhere where their precarious pensions in Italy are worth a lot so that their lives would be much more comfortable. Within a week we will watch the three heroes debating with each other and with themselves the idea of ​​leaving the country they had lived in until then and the familiar environment in which they had lived all their lives to embark on the adventure of relocating to another country at old age. The mirage is strong but venturing into the unknown is not an easy decision.

The film has an indisputable charm due primarily to the warmth with which the director films the environment in which their heroes live their lives. The three retirees live in a world that tells them almost bluntly that they are no longer needed, the laws and the ways the capitalist economy and digital society function are increasingly hard to understand to them, but at least some of the people around have not changed much for the worse and the fabric of social relations added to the familiarity of the landscape with its bars, restaurants, market booths, even their neglected homes function as the best social safety net. The three actors,  Ennio Fantastichini, Giorgio Colangeli, and film director Gianni Di Gregorio play with talent and empathy the roles of the three heroes, with their doubts and hard to take decisions, with their old age and their difficulties, dreams and disappointments. They are in fact the generation of children in the neo-realistic Italian films of the ’50s and’ 60s who have now reached the age of old age and are facing what Italy has become tourist and consumer. Based largely on the charm of the actors and the empathy between the audience, the characters and the world in which they live, the film does not develop, unfortunately more intrigue, and therefore the demonstration seems a bit simplistic and rhetorical and at the end of the week described in the film, we, spectators, risk being a little disappointed. ‘Lontano Lontano‘ is a nice and human film, which could have been a very good one if it had been more daring.

Posted in movies | Tagged , , , | Leave a comment

wildflowers, 45 years after (film: Ilustrate cu flori de camp – Andrei Blaier, 1975)

If the numbers mentioned by wikipedia are accurate then ‘Postcards with wildflowers‘ (the Romanian title is ‘Ilustrate cu flori de câmp’), the 1975 film by director Andrei Blaier, was seen in cinema halls by 2.1 million viewers. Today, I believe that even Hollywood productions in pandemic-free periods fail to reach even one-tenth of that figure in Romania. How can we explain this formidable audience success? The film addresses, discretely and from an official perspective, a very controversial issue – that of clandestine abortions resulting from the demographic policy of the communist regime that forbade and criminalised abortions. From a historical perspective, it can be said that ‘Postcards with wildflowers‘ precedes ‘4 months, 3 weeks and 2 days‘ made in 2007 by Cristian Mungiu, of course from a very different point of view and cinematic style. However, it was not only the theme but also the presence in the cast of several first-rank actors, the contribution of an excellent technical team, and of course, the name of the director Andrei Blaier that contributed to its success. How does the film survive the 45 years after its making?

The story takes place in a town on the shores of the Danube. The opening scene of the film is a frame of everyday life seen through binoculars of a sailor on a ship. The cinematography director Dinu Tãnase creates a ‘limited vision’ effect, as if warning the viewers that what they will see is a constrained and limited version of reality. In one of the following scenes, two young women meet in a train station. Laura (Carmen Galin) comes from Bucharest, Irina (Elena Albu) is waiting for her with a bouquet of flowers. Other flowers come down from the train, it’s a funeral wreath. The film begins with flowers and death. We shall soon find out that Laura came to town to have a clandestine abortion, a deed severely punished by law. Irina’s mother is an accomplice. The word ‘abortion’ is never uttered however, the characters use double-speak, they are afraid, all their actions take place under the pressure of fear. A wedding is taking place in parallel. A wedding with hopeful young brides, with corrupt and ridiculous older participants, with loud and vulgar music. New lives begin, others are cut short.

The story sounds better than it looks on the screen today, more than 45 years after the film was made. In order to overcome the barriers of censorship, screenwriter and director Andrei Blaier was forced to insert in the film a clear ideological message on the line of the official anti-abortion policy of the period, and also to thicken the negative characters to the point of ridicule. And yet, interpretations like those of Draga Olteanu Matei, Eliza Petrachescu or Gheorghe Dinica catch our attention and give human dimensions to their characters who live in an environment and a period of social and political pressure. The solidarity of the two young women played by the beautiful and talented Carmen Galin and Elena Albu predicts the friendship of the two heroines in Mungiu‘s film made three decades later. The conflict between the generations is accentuated by the presentation of the provincial sub-culture, which provides colour and authenticity and partially balances some of the exaggerated melodrama that accompanies the propagandistic message. Dan Nutu and George Mihaita complete the cast with the portraits of two young men belonging to a generation that tries to detach itself from the mediocrity and corruption around it, but whose attempt, at least in the film, fails tragically. Of course, Blaier could not go all the way to point the finger at the responsibility of the system, but the lack of chances and alternatives of the heroes is striking. The film has many cinematic qualities, I have already mentioned the cinematography, I would add the music of Radu Serban, a popular composer of the period, but not everything crosses the screen and the test of time. ‘Postcards with wildflowers‘ is an exemplary product of a period in which the ideological line imposed in Romanian cinema required the creation of films that reflected ‘the present’ but did not give the film-makers the freedom to mirror the truth.

Posted in movies | Tagged , , , , , , , , , , , | Leave a comment

horror on Zoom (film: Host – Rob Savage, 2020)

It was only a matter of time before the first films inspired by the lockdown periods imposed by COVID-19 appeared. ‘Host‘ (2020) by British director Rob Savage is not only one of the first horror films made during the pandemic, but it is a film that uses the collective experience of what we have lived through and are living through in the last year. Zoom teleconferencing software with which at least half of humanity has become familiar is one of the main technical means that define the film both visually and thematically. It can be said that ‘Host‘ has the ambition to become something similar to what was ‘The Blair Witch Project‘ over 20 years ago, only that the role of the video camera is taken over by Zoom teleconferencing. Remarkably, the ambitions of the director and the producers are largely achieved.

Six friends (five women and one man) meet in a Zoom conference, one of those that have become familiar for many people during long and repeated periods of lockdown. Everyone is at home, in the environment in which they feel best. For entertainment, they decide to invite a medium who will organise a spiritualism seance on Zoom. The guest warns them that although it takes place online, the seance can summon the spirits, that there may be signs of the presence of those who have left this world and that the spirits must be respected. The friends don’t really take the warnings or the session in general very seriously. The man leaves the conference after a few minutes, one of the girls allows herself a prank of those that can arouse spirits, the internet connection of the medium moderator is interrupted, and from here things start to get complicated. We slip into the world of internet spiritism, which turns out to be a nightmare. Lockdown can protect against viruses, but not from the actions of spirits.

Rob Savage makes excellent use of Zoom conferencing conventions to build the visual concept of the film and to create the feeling of fantastic. One of the laws of the genre says that the horror effect is amplified when dangers appear unexpectedly in an environment that is familiar and that normally suggests protection. Zoom conferences have become a psychological comfort for us by connecting with the world, family, friends. In the film, they do represent a socialising framework between friends at first, but as things get more complicated the temporary virtual community created by the conference turns into a space gradually invaded by horror. The familiar Zoom grid is used to create the split screen effect in which some of the participants are spectators, only to become actors or even victims. The effect is effective and shocking. The film lasts a little less than an hour, which would be too little for a commercial distribution but works perfectly in screening. I think Rob Savage did very well not to add time, and in addition the duration of the movie falls within a standard duration for many Zoom conferences. The actors’ performances are all excellent and the remote interaction works just as well as in any conference. ‘Host‘ is a minimalist and efficient film, intelligently using convention and transforming the computing environment limitations into qualities and means of expression. I read that director Rob Savage is preparing a new film that could be considered a sequel. I just hope that it will include enough new and independent material. The precedent exists, as the sequel films of ‘The Blair Witch Project‘, although much more generously funded, were far from equaling the success of the original. The expectations created by ‘Host‘ are high.

Posted in movies | Tagged , , , , | Leave a comment

CHANGE.WORLD: Călătorii în lumea cuantică

Despre mecanica cuantică unii dintre noi își amintesc mai mult sau mai puțin vag din ultimele lecții de fizică din liceu. Fiind vorba despre o disciplină relativ nouă, apărută în prima parte a secolului 20 și bazată pe o matematică depășind cu mult ceea ce era predat în scoală, trecerea acesteia în revistă era destul de succintă. În ultimii ani, am început să auzim despre calculul cuantic. Am menționat această tehnologie și în articole precedente ale rubricii CHANGE.WORLD și voi dezvolta subiectul în viitor, pe măsură ce această ramura a tehnicii de calcul va deveni mai ‘fierbinte’. Ne aflăm deocamdată în etapa în care cercetătorii și experții IT concurează cu autorii de literatură și filme de anticipație în ceea ce privește prelucrarea și promovarea noțiunilor legate de cuantică. În articolul de astăzi, voi trece deci pe scurt în revistă stadiul cercetării științifice și proiectele tehnologice cele mai importante din domeniu, și voi discuta unul dintre filmele lansate în ciudatul an 2020, care pleacă de la calculul cuantic pentru a explora universul science-fiction.

(sursa imaginii: theconversation.com/us/topics/quantum-physics-259)

De ce este nevoie de calcul cuantic? Tehnicile de calcul moderne se dezvoltă deja într-un ritm exponențial. Aplicații și probleme ale căror soluții erau posibile acum un deceniu doar utilizând super-calculatoare sunt acum executate de telefoanele noastre ‘inteligente’ sau de calculatoarele personale cele mai performante. Și totuși există probleme care nu vor putea fi rezolvate și aplicații care știm deja că nu vor putea fi executate niciodată prin intermediul tehnologiilor existente. Unde se află limita expansiunii capacităților de calcul, așa cum le cunoaștem astăzi? În primul rând, în logica binară folosită de toate sistemele de calcul concepute până acum. Întreg universul IT al lumii și aplicațiile sale se descompune până la urma în combinații și operații cu 0 și 1. Pentru a descrie un procentaj în întregi avem nevoie de opt astfel de stări. Pentru a cobori la precizii mai avansate trebuie să multiplicam cu ordine de mărime, iar soluția, oricât de multe stări binare am folosi, va fi tot aproximativă, deci incompletă. Exista însă o stare în natură care este și la limita miniaturizării (structura atomică) și are și proprietăți ne-binare. Calculatoarele cuantice folosesc fenomenele suprapunerii și combinărilor din mecanica cuantică pentru a crea stări nebinare care se extind exponențial cu numărul de qubiți sau biți cuantici. Qubitul este unitatea de bază a informațiilor cuantice – versiunea cuantică a bitului binar clasic. Două exemple din mecanica cuantică: rotirea electronului în care cele două niveluri pot fi luate ca rotire în sus și rotire în jos; sau polarizarea unui singur foton în care cele două stări pot fi luate ca polarizare verticală și polarizare orizontală. Într-un sistem clasic binar, realizat fizic cu un dispozitiv cu două stări, un bit ar trebui să fie într-o stare sau alta. Mecanica cuantică permite qubitului să se afle într-o suprapunere coerentă a ambelor stări simultan, o proprietate care este fundamentală pentru mecanica cuantică și calculul cuantic.

(sursa imaginii: theguardian.com/commentisfree/2019/sep/28/google-quantum-computer-internet-security-threat)

Nu toate problemele pot fi rezolvate folosind calculul cuantic, și dacă soluții există, ele nu sunt optimale din punctul de vedere al resurselor de calcul și al memoriei. Unele afirmații făcute prin 2017 de Google privind superioritatea sistemelor cuantice s-au dovedit a fi eronate, bazându-se pe teste (benchmark) concepute greșit. Acolo însă unde calculul cuantic se potrivește, avantajele sunt spectaculoase. Aplicațiile posibile includ chimia cuantică și studiul structurii moleculelor complexe, criptografia (atacuri cibernetice și metode de protecție), predicții legate de interacțiunile dintre medicamente și pacienți în industria farmaceutică, simulări și generare de date pentru mașini cu auto-învățare (machine learning). Puterea de calcul depinde însă de numărul de qubits care poate fi realizat fizic, și aici se poate aprecia că tehnologia se află în faze incipiente, deși sunt deja implicate firme cu renume cum sunt IBM, Intel, Google sau Fujitsu. Trebuie înțeles faptul că implementările qubits folosesc fenomene cuantice diverse și acesta este un domeniu de cercetare activă în care nu există soluții mature. Diferite computere cuantice utilizează diferite implementări qubit. Câteva dintre exemplele sistemelor cele mai complexe aflate în dezvoltare folosesc tehnologii de implementare bazate pe supraconductivitate, capcane de ioni, matrice optice, magneți moleculari. Nu fiți intimidați dacă unii sau toți acești termeni vă sunt străini, este vorba despre domenii de frontieră ale fizicii și a ingineriilor derivate.

(sursa imaginii: imdb.com/title/tt11540272/)

Știința inspiră literatura și cinematografia de anticipație și de multe ori interacțiunea acționează și invers, așa cum se poate observa din istoria unor ramuri ale științei și tehnicii cum este robotica. Începe să se petreacă un fenomen similar și în ceea ce privește domeniul calculului și calculatoarelor cuantice. Desigur, imaginația artiștilor nu este supusă limitelor logicii științifice și ale realizabilității practice a ideilor, așa încât imaginația poate da rezultate diferite de realitățile prezentului sau ale viitorului. Uneori tehnologia este doar un pretext sau un punct de plecare pentru a dezbate alte probleme, unele acute, dar nu neapărat în legătură cu respectiva ramură științifică. Este cazul filmului ‘Lapsis’, scris și regizat de Noah Hutton, unul dintre acele filme ale cărui drum spre spectatori a fost deviat de pandemia COVID-19. Premiera era planificată la un festival programat pentru martie 2020 care a fost amânat în ultimul moment. Ca urmare, prima întâlnire cu publicul a avut loc cu câteva luni mai târziu, la Festivalul de Filme Fantastice de la Bucheon, din Coreea de Sud, urmată de proiecția la festivalul nord-american Fantasia și de distribuirea streaming. Autorul filmului este născut în 1987 și este fiul actorilor Thomas Hutton și Debra Winger. ‘Lapsis’ este al doilea său film de ficțiune de lung metraj, primul se numea ‘Mosaic’ și aparținea tot genului anticipației. Foarte interesant este și un alt film din cinematografia sa care are titlul ‘In Silico’, un documentar de lung metraj la care Hutton a lucrat zece ani, având ca erou un specialist în neurologie care și-a propus simularea creierului omenesc cu ajutorul super-computerelor. Nu am văzut încă acest documentar care a avut premiera doar în noiembrie 2020, dar primele reacții pe care le-am citit sunt și ele entuziaste.

(sursa imaginii: imdb.com/title/tt11540272/)

‘Lapsis’ se petrece într-un viitor apropiat sau poate că este vorba despre un viitor alternativ. În lumea în care se petrece filmul, calculatoarele cuantice au fost introduse pe scară largă, și cine nu are un asemenea calculator sau nu a devenit destul de priceput în manevrarea sa se află cam în aceeași situație cu cei care astăzi nu au telefoane ‘inteligente’ și acces la Internet. De exemplu, mesajele de la primărie ajung la cetățeni doar prin rețeaua cuantică. Este vorba desigur despre o licență pe care scenaristul Noah Hutton și-o permite legată de stadiul real al dezvoltării tehnologiei, căci așa cum am văzut, nu orice aplicație se potrivește calculului cuantic și înlocuirea calculatoarelor binare generice cu calculatoare cuantice nu este realistă, cel puțin în prezentul nostru. Pentru generalizarea rețelei cuantice, în lumea imaginată de Hutton, trebuie instalată o rețea de imense noduri de comunicații, cuburi gigantice, între care trebuie trase cabluri. Am descris într-unul dintre articolele mai vechi ale rubricii topologia ‘mesh’ în care cât mai multe noduri de comunicații sunt legate cu toate celelalte – în film, avem de-a face cu un ‘mesh’ uriaș, realizat peste mediul natural, inclusiv păduri. Realizarea acestor cablaje este făcută în film de lucrători temporari, angajați ai marilor companii de cablaj (opt la număr în lumea lui ‘Lapsis’) care sunt plătiți generos după numărul de trasee executate. Eroul filmului, Ray (jucat de actorul Dean Imperial), are motivele sale personale pentru a se angaja în aceasta activitate – un frate bolnav de o boală cronică, pentru tratamentul căreia într-o clinică particulară trebuie plătite sume exorbitante. Concurența este acerbă, nu numai între cablatori, dar și între aceștia și roboții care în principiu ar trebui să-i ajute în zonele dificile, dar care în realitate preiau uneori activitățile operatorilor umani și le anulează efortul și remunerațiile condiționate de finalizarea traseelor. Ceea ce începe ca o activitate de sfârșit de săptămână, care combină drumețiile în natură cu un profit material aparent ușor de realizat, devine pe măsură ce povestea se dezvoltă o competiție acerbă și fără menajamente între lucrători și propriile lor capacități fizice, și mai ales între lucrători și roboti.

(sursa imaginii: imdb.com/title/tt11540272/)

Scenariul inteligent scris de Noah Hutton abordează câteva subiecte critice ale dezvoltării tehnologice. Oricât de abstracte și de sofisticate ar fi aplicațiile unei noi ramuri științifice, ele au totdeauna la bază o infrastructură fizică, reprezentată în ‘Lapsis’ de imensele cuburi și de cablajul care le interconectează. Alta temă: noile stadii de dezvoltare a tehnologiilor de comunicații vor lăsa întotdeauna în urmă un procentaj din populație, este ceea ce i se întâmplă lui Ray, eroul filmului. În fine, metoda folosită de corporațiile cablajului este similară cu cea a ramurilor economice care fac parte din așa numita ‘gig economy’, în care locurile de muncă temporare și flexibile sunt norma și companiile tind să angajeze antreprenori independenți și freelanceri, în loc de angajați cu normă întreagă. Este ceea ce se întâmplă în viața reala cu șoferii lui Uber sau cu tinerii care transportă comenzi la domiciliu, dar și cu alte activități mai speciale sau mai sofisticate, de la gătit până la consultanțe de tot felul. Câștigurile sunt rapide, programele sunt flexibile, dar asigurările și programele de pensii rămân în responsabilitatea salariatului și nu există rețeaua de protecție socială. În ‘Lapsis’ avem desigur de-a face cu o formă extremă și competitivă, dar metafora este clară. Și mai evidentă este tema concurenței roboților care îl va determina pe eroul filmului să recurgă la acțiuni care amintesc revoltele contra mașinilor ale mișcării luddiste din a doua jumătate a secolului 18 și din prima jumătate a secolului 19.

‘Lapsis’, una dintre primele experiențe cinematografice ale anului 2021 pentru mine, pleacă de la o temă clasică de science-fiction și reușește să lărgească cercul de probleme abordând câteva aspecte critice ale confruntării cu explozia de tehnologie pe care o trăim. Este un film bun, un film neliniștitor, care își merită vizionarea și discuțiile pe care aceasta o generează.

(Articolul a apărut iniţial in revista culturală ‘Literatura de Azi’ – http://literaturadeazi.ro/)

Posted in change.world | 1 Comment

what kind of movie have I just seen? (film: Come True – Anthony Scott Burns, 2020)

‘Come True‘ (2020) based on a story by Daniel Weissenberger and written, directed and filmed by Anthony Scott Burns is one of those films about which at the end of watching you wonder ‘what did I actually see?’. It is, of course, a horror film, following many of the rules of the genre, at least until a certain point. Above all, however, it is an oneiric film, a dream on several levels: because at the objective level the script tells a story about sleep, dreams and especially nightmares, because of the way it is made and filmed, and because the final explanation that provides a kind of key to what we have seen, a key that we can accept or not. Of course, I will say nothing about the end, so as not to commit the sin of revealing anything that would rob the viewers of the pleasure of surprise. I will only say that this film has good chances to please both the horror genre lovers and those who look for smart movies without minding if they are strange.

The film debuts as a psychological thriller about coping with sleep disorders, chronic fatigue, and the nightmares caused by them. Sarah ( Julia Sarah Stone) is a college student who spends her nights in parks or at her friend’s house, in restless sleep, haunted by nightmares. The proposal to participate in a scientific study of sleep disorders, which provides her with a comfortable bed at night, seems to answer exactly the problems she faces. But what exactly is this clinic, with its immaculate white walls and slightly retro-technical monitoring devices? What is the purpose of the research? The nightmares return, they amplify, the worlds of dream and seemingly objective reality begin to multiply, to mix. The nightmares do not stop with the awakenings.

Why does ‘Come True‘ attract and captivate? First I would mention the cinematography. The representation of dreams, including nightmares, has a rich tradition in the history of the film from Buñuel and Hitchcock to mention two illustrious predecessors. The solution to visualising the dreams proposed by Anthony Scott Burns is not looking for the spectacular but for the psychological impact – his dreams are dark and cloudy, just as we feel when we have a bad dream. The lead actress,  Julia Sarah Stone, creates a fantastic role. I rarely throw superlatives, but here I can’t help but notice that she is also perfectly distributed physically, and that her expressiveness is at the Academy Awards level. At the age of 23, she proves that she has a ton of talent but also experience, with 38 films in her filmography already listed by IMDB. Compared to her, the other interpretations fade, including that of  Landon Liboiron, in the role of the researcher in the sleep study clinic who provides support to the heroine in critical moments. I also liked the ending, although I read it being criticised by other commentators. I think it has the great quality of not trying to explain everything we saw, leaving us to keep thinking and asking questions. Just as intense dreams continue to accompany us after waking up. Recommended viewing.

Posted in movies | Tagged , , , , , | Leave a comment

adrift in space (film: Aniara – Pella Kagerman, Hugo Lilja, 2018)

‘Aniara‘, the film made in 2018 by the Swedes  Pella Kagerman and Hugo Lilja has the ambition of being a cosmic saga of proportions, a film in which a lot of talent, energy and hopes have been invested. The action takes place entirely on a spaceship, but not the exploration of space concerned the two authors (screenwriters and directors) of the film. Even though quite a lot has been invested in building a spaceship model that competes with similar ones in American movies, and even if the sets and props manage to create an interesting imaginary world, it is clear that the authors’ attention has focused on the fate of some of the heroes and on the way they face an extreme situation, in which plans for the future are canceled or at best postponed, and the present becomes an infinite journey through a deserted space. ‘Aniara‘ is at the same time a saga but also a story about people’s reactions and the evolution of their relationships in extreme conditions.

The story of the film takes place in the near and foreseeable future in which the Earth has become either too small or uninhabitable for mankind, and a part of the population colonizes the planet Mars. Space ship Aniara is a kind of a Titanic of those times, a huge luxury space carrier, with all the comfort necessary for the three months of travel. The main heroine of the film, Mimaroben (or MR –  Emelie Garbers) is the operator of a cyber salon (I am looking for a suitable term) called MIMA that combines virtual reality with artificial intelligence to offer passengers personalised experiences reminiscent of the natural ambience of the lost earthly paradise. The journey is suddenly disrupted by an incident caused by ‘cosmic garbage’ in which the huge space shuttle loses its ability to control the trajectory. Passengers are told that instead of three months the journey will take two years, but in fact this information is also inaccurate, because in reality the spacecraft is simply drifting in the infinite cosmic ocean. Thousands of passengers and crew members only gradually find out the truth and realize that their journey may take an eternity. The social environment that combines tourist efficiency with Scandinavian civilisation is gradually falling apart. MIMA transforms from escapist entertainment into a hallucinatory drug and object of worship. How long will the machines last? How long will people last? What happens to our civilisation when it is removed forever from the environment in which we were born?

What I liked. The film raises many interesting issues and opens up discussions worth undertaking. Emelie Garbers assumes excellently the lead role, with twists and turns of destiny that combine the collective experience with the personal one. The narrative construction is solid, even if the outcome is somewhat predictable. The sets of the impressing ‘cosmic mall’ traveling through space and degrading as hopes are shattered, civilisation disintegrates and violence, despair and superstition take over the survivors are presented gradually and interestingly. What I liked less. With the exception of MR, the rest of the characters are either schematically constructed (the captain of the expedition played by Arvin Kananian) or insufficiently psychologically justified (the heroine’s partner –  Bianca Cruzeiro). There is also a poetic thread (the film is based on a poem by a famous Swedish poet) that is lost, and the metaphor of the MIMA system (perhaps inspired by Stanislaw Lem and Tarkovsky‘s ‘Solaris‘) fails to convince.

‘Aniara‘ is an ambitious project that offers a space saga different from action movies, with less special effects and more ideas and directions for thougt and discussion. The heroes of the film are not space explorers but passengers, ordinary people like us, suddenly faced with the problems of existence and survival. Even if the execution is not perfect, even if many of the action threads are suddenly interrupted or lead nowhere, it is an interesting film for science fiction fans and not only for them.

Posted in movies | Tagged , , , , , | Leave a comment

un thriller românesc de calitate (carte: George Arion – Umbrele din Ada Kaleh)

Nu există genuri literare ‘serioase’ spre deosebire de altele ‘minore’. Există literatură bună și literatură proastă și multe mediocritate între ele. Tragediile antice sunt telenovele melodramatice și sângeroase de familie, Hamlet este un roman detectiv și o vendetta în stil medieval, iar romanele lui John Le Carre care tocmai și-a pus condeiul la odihnă conțin mai multă calitate și adevăr artistic decât zeci de volume premiate cu cele mai prestigioase distincții academice sau editoriale. Nu caut deci nicio scuză pentru a declara că sunt pasionat de romanele polițiste, pasiune moștenită în familie de la mama și de la bunica mea, ambele devoratoare de literatură de acest gen. Lecturile romanelor din colecțiile Masque și Serie Noire (familia mea avea ‘surse’ de cărți în limba franceză) se intercalau în mod firesc în adolescența mea cu ‘Cireșarii’, romanele lui Jules Verne sau clasicii și modernii publicați în România în acea vreme. Citeam și romane polițiste (sau milițiste cum le-am găsit numite într-un interviu) românești, desi pe cele mai multe dintre ele le găseam schematice în comparație cu cele străine și nerealiste fata de ceea ce vedeam și trăiam în jur. Regăsirea acestui gen în literatura română contemporană îmi face reală plăcere, mai ales că ‘Umbrele din Ada Kaleh’, apărută în 2019 în colecția și editura ‘Crime Scene Press’ este nu numai un thriller interesant și pasionant la lectură ci și, pur și simplu, o carte bună. Ceea ce nu este puțin.

sursa imaginii https://www.elefant.ro/umbrele-din-ada-kaleh_f97c9567-46a5-4c67-a508-bf3968b1e2d3

Numele autorului îmi este cunoscut și încă de multă vreme, dar nu în acest gen. Biografia sa de altfel include genuri literare diferite ca și o bogată activitate de editor, director de reviste, proprietar și promotor al cărților și jurnalisticii. L-am întâlnit prima data prin 1974 ca autor al unei remarcabile serii de interviuri în revista ‘Flacăra’. Preluase de la Adrian Păunescu, care probabil începuse să fie ocupat cu cenaclul și cu poetica de partid, postul de autor de interviuri, și o făcea cu talent și acuitate. Păunescu exersase genul în România Literara, seria nouă, în care era adjunctul primului redactor-sef, Geo Dumitrescu, și George Arion îi continua activitatea cu pricepere și consecvență. Jurnalistica, reportajele și interviurile din Flacăra anilor ’70 erau cam cele mai bune care puteau fi găsite în presa românească de atunci, din ce în ce mai ideologizată și aservită cultului personalității. George Arion era deja cunoscut și ca poet, dar debutul său în genul polițist în 1983 l-am pierdut, data fiind apropiată de plecarea mea din România și începutul unei perioade în care contactele mele cu literatura scrisă și publicată în Romania a fost sporadică. Dacă număr bine titlurile enumerate pe coperta a treia, ‘Umbrele din Ada Kaleh’ este al optulea roman din ciclul început în 1983 care îl are ca erou principal pe Andrei Mladin, jurnalist de investigație și detectiv amator și ocazional. După cate înțeleg Mladin este un fel de alter ego al autorului. Tânărul ziarist care începuse prin a activa în România ultimului deceniu de socialism se află acum la vârsta bilanțurilor. Devenit scriitor consacrat se întâlnește cu cititorii, fie ei un club al pensionarilor amatori de romane polițiste, și îi avertizează pe aceștia și pe noi, cititorii, prin intermediul lor, despre pericolele confuziei dintre planurile vieții reale și a ficțiunii literare:

‘Încerc să nu le amestec planurile. Dacă întră în coluziune, ambele au de suferit. Este ca la ciocnirea dintre materie și antimaterie. Nu mai rămâne nimic din ce știam. Da, în scrierile mele sunt elemente din lumea înconjurătoare, dar ordonate după alte reguli, dictate de imaginație. Să luăm cazul unui accident de circulație. Procesul verbal întocmit de agentul venit la fața locului oglindește fidel ce s-a petrecut. Într-un roman, relatarea întâmplării e transfigurată, plasată într-un context mai larg, cerut de derularea acțiunii, emoțiile celor implicați modificând percepția asupra faptelor.’ (pag. 37)

Într-un fel mă bucur pentru faptul că realitatea și fantezia sunt separatate și că ceea ce se petrece cu eroul cărții nu este vreo reflectare a unor experiențe personale ale autorului. Andrei Mladin este martor în carte al unor întâmplări care în viața reală ar fi traumatizat orice om de rând. Faptul că în jurul său se petrec crime sau că vecinii sau prietenii săi dispar sau mor în împrejurări suspecte sau violente pe care el este sau nu chemat să le elucideze ar fi oarecum firesc pentru eroul oricărui thriller sau roman polițist. Din momentul în care însă eroul cărții împreună cu mult mai tânăra (și atrăgătoarea) sa colegă Ava Noureanu încep să investigheze o poveste veche de cel puțin jumătate de secol legată de posibila dispariție a patru tineri acuzați de delicte politice deținuți în secret la Ada Kaleh în zilele cele din urmă ale insulei și orașului scufundate sub apele lacului de acumulare de la Porțile de Fier, viața și siguranța lor par a se afla tot timpul în pericol. Cei doi sunt drogați și răpiți, interogați și amenințați, șantajați și sechestrați, supuși unor presiuni psihologice și fizice demne de romanele de aventuri și de spionaj cele mai fanteziste. Martorii de la care încearcă să obțină informații par și ei să fie foarte reținuți în a împărtăși din misterele trecutului, și unii dintre ei dispar în mod subit. Trecutul sumbru al României cu represiunea politica și metodele specifice activității serviciilor secrete pare departe de a se fi terminat în 1990. Urmașii acestora continua să-și protejeze supraviețuitorii și renumele:

‘Cu asta mă ocup împreună cu oamenii mei. Ștergem urmele. Dăm cu spray-uri unde miroase neplăcut. Ascundem sau distrugem dovezi. Îi compromitem pe cei care ne arată cu degetul. Da, au fost și greșeli, dar s-au construit hidrocentrale, fabrici și uzine, s-a electrificat țara, s-au ridicat mii de blocuri, sisteme de irigații, metrou în București … În peste douăzeci de ani, ăștia din ziua de azi n-au fost în stare să dea în folosință nici macar o autostradă. Iar de furat fură mai rău ca pe vremea turcilor.’ (pag. 175)

George Arion stăpânește perfect tehnicile narative ale genului. ‘Umbrele din Ada Kaleh’ are cam 250 de pagini, lungimea optimă a romanelor polițiste clasice. Este scris frumos și modern și se citește cu ușurință. În carte sunt combinate trei planuri narative: timpul real narat la persoana întâi de Mladin, amintiri din copilăria acestuia folosind pretextul unui jurnal prescris de psihanalist eroului, și două schițe gen Hitchcock aparținând în principiu tot autorului care conțin însă cheile unor evenimente legate de narațiune. Nu lipsesc în partea a doua a cărții câteva pasaje sau capitole care includ repetiții care puteau fi poate evitate sau care dau impresia de ‘umplutură’ dar acestea sunt puține. Finalul este neașteptat pentru un roman de gen, dar este cât se poate de logic în raport cu psihologia personajelor și conține un comentariu social acut și elocvent. Nu orice mister se cere dezvăluit până la ultimul detaliu și nu cu orice preț.

sursa imaginii https://alchetron.com/George-Arion

În aceeași întâlnire cu cititorii, eroul romanului lui George Arion rapunde întrebărilor din public:

‘- Ați pomenit de valul nordic. E posibil să apară și unul sudic?

– Acesta există deja. Spaniolii, italienii, portughezii, grecii au mulți autori care și-au câștigat o notorietate europeană.

– Noi nu facem parte din el?

– Din păcate – nu.

– De ce?

Oftez și încep să explic.’

(pag.39)

Este adevărat că romanul polițist românesc încă nu a creat un ‘val’ al sau. Cărțile unor autori ca George Arion sau Stelian Turlea demonstrează însă că genul nu numai că există ci și că el se încadrează în mod firesc în proza românească de bună calitate care se scrie astăzi. Cititori au existat, există și vor exista pentru acest gen. Realitatea românească de astăzi, confruntarea cu sechelele trecutului, deschiderea către lume cu toate avantajele dar și cu problemele importate și exportate datorita frontierelor deschise reprezintă un teren fertil pentru o literatură polițistă actuală și interesantă. ‘Umbrele din Ada Kaleh’ demonstrează că se poate. Eu voi caută celelalte cărți deja apărute din seria care îl are ca erou pe Andrei Mladin și le aștept cu interes și pe cele care sper că vor urma. 

Posted in books | Tagged , , , | Leave a comment