CHANGE.WORLD: Planetele maimuțelor

La început a fost cartea. Romanul ‘La Planète des singes’ a apărut în 1963, a fost tradus foarte repede în limba engleză și a devenit un bestseller mondial. Autorul său era scriitorul francez Pierre Boulle. De formație inginer, Boulle fusese în timpul celui de Al Doilea Război Mondial agent secret al francezilor liberi în Singapore, unde a fost capturat și trimis la muncă forțată timp de doi ani. Folosise aceste experiențe pentru a scrie și publica în 1952 ‘Podul de pe râul Kwai’, un roman despre faimoasa cale ferată a morții numita și Calea Burma. Cartea fusese și ea un bestseller internațional al anilor ’50. Filmul din 1957, regizat de David Lean, a câștigat șapte premii Oscar, inclusiv acela pentru cel mai bun scenariu adaptat, primit de Boulle, deoarece numele celor doi scenariști reali figurau pe lista neagră a Hollywood-ului anilor ’50. Cartea s-a bucurat de câteva traduceri în limba română, prima fiind cea apărută în 1971 în colecția Meridiane a editurii Univers. Nu a întârziat prea mult să apară și prima ecranizare, în 1968, care a fost capul de serie a nu mai puțin de zece filme, dar și al unor seriale de televiziune, filme de desene animate, cărți de benzi desenate (comics, cum le zic americanii), jocuri video și al multor produse comerciale. În călătoria mea recentă, am văzut și am revăzut ultimele patru filme, care în fapt relansează serialul, inclusiv ultimul episod care a ieșit pe ecrane la începutul acestei veri. Cum a evoluat universul planetelor maimuțelor în cele șase decenii de la apariția cărții?

(sursa imaginii: https://anticariatlogos.ro/product/planeta-maimutelor-colectia-meridiane-pierre-boulle/)

Cartea și primul film reflectau angoasele lumii occidentale în anii ’60 ai secolului trecut. O navă spațială cu exploratori umani ajunge pe o planetă în care maimuțele sunt speciile inteligente și civilizate dominante, în timp ce specia umană este redusă la o stare sălbatică, asemănătoare animalelor. Societatea maimuțelor este împărțită în trei clase: gorilele militariste sunt polițiști și soldați, urangutanii conservatori constituie clasa politică și religioasă, în timp ce cimpanzeii liberali sunt intelectuali, oameni de știință și medici. Scena finală a filmului regizat de Francis J. Schaffner este una dintre cele mai puternice și mai expresive din istoria cinematografiei. Astronautul Taylor – eroul principal al filmului, interpretat de Charlton Heston – împreună cu Nova, femeia pe care o descoperise pe planeta maimuțelor, scapă din prizonierat și călăresc pe țărmul unui ocean. Acolo ei descoperă rămășițele Statuii Libertății, dovada că această planetă presupusă extraterestră este de fapt Pământul, mult după un război nuclear apocaliptic. Scena reflectă evenimente recente. Planeta noastră fusese – la începutul deceniului în care fusese scrisă cartea și realizat filmul – la un pas de o catastrofă nucleară, în timpul crizei declanșate de instalarea rachetelor sovietice în Cuba. Maimuțele în aceasta primă serie erau jucate de actori machiați. Machiorul John Chambers a obținut pentru realizarea sa un premiu Oscar de onoare, deschizând calea spre crearea unei categorii speciale pentru machiaj în anii următori. A fost singurul premiu Oscar primit de un film din seria ‘Planeta Maimuțelor’, cel puțin până acum.

(sursa imaginii: www.newsweek.com/planet-apes-1968-ending-explained-50th-anniversary-870672)

Filmul original a avut patru ‘sequels’, realizate intre 1970 și 1973, câte una în fiecare an. Scenariștii erau americani, iar Pierre Boulle nu a mai fost implicat sau consultat. Romanele publicate după lansarea filmului erau ceea ce americanii numesc ‘nuvelizări’, un fel de antonim al ecranizărilor. Accentul se muta spre genul filmelor de acțiune, dar apărea din ce în ce mai mult și tematica tensiunilor rasiale, o reflectare a faptului că atenția și interesul publicului american se deplasaseră spre relațiile dintre diferitele comunități, în contextul mișcărilor și legislației pentru egalitatea în drepturi cetățenești a tuturor americanilor. O încercare cinematografică și mai interesantă este și filmul ‘remake’ realizat în 2001 în regia lui Tim Burton. Eroul principal este un astronaut care călătorește accidental printr-o gaură spațio-temporală și ajunge pe o planetă îndepărtată, unde maimuțele vorbitoare înrobesc oamenii. El conduce o revoltă umană și răstoarnă civilizația maimuțelor, descoperind că acestea evoluaseră din primatele de pe Pământ, care îi însoțiseră misiunea și sosiseră pe planetă cu ani în urmă. În rolurile principale apar Mark Wahlberg și Helena Bonham Carter. Universul creat de Pierre Boulle se întâlnește cu fantezia regizorului Tim Burton, care creează efecte vizuale apreciate de public. Criticii au fost mai puțin entuziasmați. S-a discutat despre continuări, dar Tim Burton și-a pierdut interesul și producătorii au renunțat.

(sursa imaginii: www.imdb.com/title/tt1318514/mediaviewer/rm2676145920/)

Relansarea francizei sau, mai exact, crearea unui nou serial, cu o tehnologie cinematografică diferită de filmele precedente și având ca erou principal nu un om, ci o maimuță – cimpanzeul Caesar, care apăruse în două filme precedente –, s-a petrecut în 2011. Unii critici au considerat ‘Rise of the Planet of the Apes’ un ‘remake’, alții l-au poziționat ca pe un ‘prequel’ al seriei originale. Angoasele omenirii se deplasaseră spre efectele științei pierdute de sub control, în goana capitalistă după profituri. Caesar dobândește capacități intelectuale întărite printr-un medicament viral creat de cercetătorul în genetica Will Rodman, care îl crește în casa sa. După ce a fost închis într-un sanctuar pentru maimuțe, Caesar își folosește inteligența pentru a-și elibera semenii din detenție și a lansa o revoltă care va distruge o parte din orașul San Francisco. Filmul începe ca o comedie de situații (familia adoptă maimuța inteligentă și o crește în secret într-o casă din suburbii) și se termină ca un film apocaliptic. Substanța care face din maimuțe ființe mai inteligente este transportată de un virus care cauzează o pandemie. Primul episod al noii serii anticipează cu aproape un deceniu ceea ce omenirea a trăit în anii pandemiei declanșate de virusul COVID-11. Regizorul este englezul Ruppert Wyatt. Pentru întruchiparea pe ecrane a maimuțelor este folosită o tehnologie numită ‘motion-capture acting’, folosită deja în filme ca ‘Avatar’, ‘King Kong’ sau ‘Lord of the Rings’. În acest tip de actorie, un actor poartă markere sau senzori pe un costum mulat pe corp sau direct pe piele. Mai multe aparate de filmat aflate în diferite unghiuri înregistrează simultan mișcările actorului, memorând poziția tridimensională a senzorilor. Eșantionarea se face de mai multe ori în fiecare secundă. Baza de date de puncte 3D rezultată permite regizorilor sau programatorilor de jocuri video să creeze personaje digitale și să le plaseze în decoruri complet noi. În rolurile principale apar James Franco (savantul care inventează medicamentul fatidic) și Andy Serkis, care a jucat în acest film, și va continua și în următoarele, rolul lui Caesar.

(sursa imaginii: www.imdb.com/title/tt1318514/mediaviewer/rm2676145920/)

Succesul comercial al filmului i-a determinat pe producători să planifice, să finanțeze, să execute și să lanseze și următoarele două serii care s-au numit ‘Dawn of the Planet of the Apes’ (2014) și ‘War for the Planet of the Apes’ (2017). Regizorul acestor două filme a fost americanul Matt Reeves, specializat în filme și seriale de science-fiction, colaborator al celebrului producător în acest gen J. J. Abrams și regizor al unuia dintre filmele ‘Batman’. Acțiunea este reluată zece ani după finalul primei serii. Gripa simiană, un efect secundar al medicamentului care a îmbunătățit inteligența maimuțelor, a ucis majoritatea populației omenești. Orașele zac în ruină și grupuri izolate de supraviețuitori încearcă să reconstruiască civilizația. Oamenii au însă deja o altă specie inteligentă ca rivali – maimuțele. Caesar se luptă să mențină pacea, în timp ce comunitatea sa de maimuțe este atrasă în ciocniri violente cu supraviețuitorii umani din apropiere. Încetul cu încetul, lumea maimuțelor capătă aceleași trăsături și moștenește tarele care au împins spre distrugere specia umană. Conceptul de conflict între civilizații capătă un nou înțeles în aceste filme. În mare, maimuțele ar simboliza natura, iar oamenii, forța care o distruge, dar relațiile dintre specii sunt mult mai complexe. Printre actorii care apar în roluri importante îi menționez pe Gary Oldman și Woody Harrelson. Ambele filme au fost candidate la Premii Oscar pentru efecte vizuale, dar niciunul dintre ele nu a câștigat statueta.

(sursa imaginii: www.imdb.com/title/tt11389872/mediaviewer/rm2226683137/)

Viața pe ecran a lui Caesar se termină la sfârșitul celei de-a treia serii, dar nu și serialul. Proiectul unei continuări a fost decalat, ca multe alte proiecte cinematografice, de pandemie, dar iată, în această vară, ne bucurăm de al patrulea film din serialul relansat – ‘Kingdom of the Planet of Apes’ – regizat de Wes Ball. Acțiunea se petrece la 300 de ani de la evenimentele din ‘War on the Planet of the Apes’. În timp ce oamenii au regresat spre o stare sălbatică, primitivă, societatea maimuțelor se confruntă cu propriile probleme. În absența scrisului și a păstrării în cărți a memoriei colective, primatele au avut timp să uite învățăturile lui Caesar, cel care întemeiase civilizația lor. Atunci când regele maimuță Proximus Caesar, înarmat cu arme produse de tehnologia umană pierdută, maimuțărește (scuzați expresia!) învățăturile lui Caesar pentru a înrobi alte clanuri, un tânăr cimpanzeu pe nume Noa (Noe) pornește într-o călătorie plină de pericole alături de o femeie umană pe nume Mae. Drumul și aventurile lor vor fi decisive pentru viitorul maimuțelor și al oamenilor deopotrivă. Finalul invită la urmare. Maimuțele se dezbară – cel puțin temporar – de tentația dictaturii, în timp ce oamenii regăsesc o piesă-cheie de tehnologie, care le va permite comunicarea între comunitățile disparate, care supraviețuiesc în diferite puncte ale planetei. Conflictul însă pare, din nou, inevitabil. Cui aparține planeta? Celor ai căror strămoși au distrus-o deja o dată sau speciei create de ei în jocuri tehnologice insuficient controlate și care și-a întrecut creatorii în inteligență și puteri. Orice asemănare cu conflictele și angoasele contemporaneității este neîntâmplătoare.

Anticipații distopice sau metafore ale conflictelor care sfâșie planeta, producții comerciale însă cu un substrat filosofic și politic evident, filmele seriei ‘Planeta maimuțelor’ au stârnit vreme de decenii interesul publicului care a răspuns umplând sălile și făcând profitabile investițiile considerabile ale producătorilor. După zece serii, saga nu pare să fi ajuns la final. Eu aștept cu interes filmele următoare și sunt convins că nu sunt singurul.

(Articolul a apărut iniţial în revista culturală ‘Literatura de Azi’ – http://literaturadeazi.ro/)

Posted in change.world, movies | Tagged , , , | Leave a comment

the rise and the fall of Joker (film: Joker: Folie à Deux – Todd Phillips, 2024)

Scott Silver and Todd Phillips knew what they were risking when they scripted ‘Joker: Folie à Deux‘ the way they did. The film also directed by Phillips 5 years ago enjoyed immense success with the public and critics, received 11 Academy Awards nominations and 2 statuettes. Part of the secret to its success was that it fit well into the Gotham mythology and expanded and enriched the Joker character. The screenwriters of this sequel made two decisions: they made the continuation of the story into a musical and returned the Joker character to the human dimensions of the tormented Arthur Fleck. The first decision was inspired, but the second was a surprise and disappointment to the masses of viewers for whom Gotham is an entire universe in which the Joker is one of the brightest stars. Most fan reactions have been devastating and the IMDB rating reflects their disappointment. But I’m not one of the fans of movies inspired by comics, I liked the original ‘Joker’ for its complexity of the characters, acting and its visual power, so this sequel had no many reasons to disappoint me. Moreover, the musical adaptation and the casting of Lady Gaga as Joker’s partner delighted me. I enjoyed ‘Joker: Folie à Deux‘ almost as much as the first film.

The beginning of the film is delicious: a cartoon that basically recaps what happened in the past and introduces the Joker to the very few who wouldn’t know the character. From Disney-style animation, we move to realism and reality. Arthur Fleck, imprisoned on an island connected to Gotham by a long and winding bridge awaits his judgment among the inmates, overseen by cruel guards – sometimes sadistic, sometimes falsely friendly. A ray of light appears when, as part of a music re-education program, he meets Lee Quinzel, a girl who introduces herself as a childhood neighbor and tells him about a past almost as unhappy as his own. Is there still hope for the death penalty threatened murderer of five (or maybe six) victims? Arthur’s lawyer prepares a defense based on split personality: the evil Joker would take over the peaceful Arthur who is innocent of the crimes he is accused of. But are Arthur and Joker two different personalities? Ultimately, the admiration of the crowds who made of him a vigilante idol and especially the love of Lee are for the Joker and not for Arthur. It will all play out at the trial, but what we’re about to see is very different from any courtroom drama we’ve seen on screen before.

The formidable cinematography is signed by Lawrence Sher, with whom Todd Phillips already collaborated on the first ‘Joker’. The collaboration with the Icelandic composer Hildur Guðnadóttir also continues, and the role of music is amplified by the fact that we are dealing with a musical. In fact, the songs are not only aesthetic interludes, but also play an important role in fleshing out the relationship between Joker and Lee. They are mostly taken from what Americans call their great songbook, hits from the ’50s or ’60s, many taken from other musicals. I’m a big fan of both Lady Gaga (as an actress) and Joaquin Phoenix and their presence together made ‘Joker: Folie à Deux‘ a treat for me. Phoenix went to physical extremes to get into the role. I also noted Brendan Gleeson‘s performance as the security guard who guards and escorts the Joker. The film can be criticized for its length and some repetitions that could have been avoided, but this is an almost universal disease of Hollywood productions nowadays. In the first ‘Joker’ movie we witnessed the transformation of Arthur Fleck into the Joker. In ‘Joker: Folie à Deux‘ he is brought back to his human dimensions. But what the crowds loved about him was the character and not the man, and thus, he loses everything in the process, including the adulation of many of his movie fans. For me, however, this film was not a disappointment.

Posted in movies | Tagged , , , , , , , , , , , | Leave a comment

the inescapable past (film: Tegnap/Yesterday – Bálint Kenyeres, 2018)

‘Tegnap’ / ‘Yesterday’ is the 2018 debut in feature film of Hungarian filmmaker Bálint Kenyeres. A late debut, he being already known as an actor, screenwriter and author of short films, and which has not yet been followed by a second film. It’s a Hungarian film, but it has nothing to do with Hungary, not a word of Hungarian is spoken, the story takes place in Morocco and is spoken in French, English, German, Arabic. Vlad Ivanov, the huge Romanian actor, appears in the lead role. He is also the main reason why I decided to see the film, despite an extremely and undeservedly low rating on IMDB. I was left with a lot of question marks at the end of the viewing, but that was probably exactly the intention of the screenwriters and of the director.

Victor Ganz is a European businessman, the head of a large construction company, who travels to Morocco to fix a project that seems to have some problems. He seems like a confident guy who controls everything that happens in his business and life. The trip is also a return, he had been to Morocco twenty years ago, he has friends and relations here at ministerial level. The evening before returning, unable to sleep, he goes to a bar where he had been many years ago. Here he seems to glimpse the silhouette of a woman he had known and had a love affair with, a woman with whom he was supposed to go back to Europe, but who had disappeared without a trace from a motel on the seashore and the edge of the desert. He goes in pursuit of her, and from here begins a journey in which the present and the past, reality and delusion will mix to the point of total confusion. Morocco is no longer the one he knew, people have changed, communication is difficult or even impossible, the language barrier is amplified by differences in cultures, mentalities and symbols. The man secure and in control of every detail of life gradually turns into an obsessed man, unsure if he is in the present or the past, in conflict with the surrounding people and the desert and the merciless sun.

Where many other filmmakers would use flashbacks, Bálint Kenyeres keeps the narrative all the time in the present. Victor, his hero, has few clues to the past – a few weathered photographs and unreliable memories. The story is told from his perspective, but the hero’s insecurities about the time he is in, the fate of the woman he is looking for, and his own identity are conveyed to the viewer. He may feel confused at many moments, even at the end, when a possible solution to the mystery of the woman’s disappearance is told in a language he does not understand and which the director chose not to subtitle. But the confusion is intentional. The return to the present is only apparent. He who has lived his youth intensely remains in part the prisoner of past – this seems to be the message. Vlad Ivanov is formidable, as we know him. When Ivanov plays a role, we cannot imagine the character otherwise or another actor in his place. He plays the part of the foreigner in three or four languages, and that suits him perfectly, for none of them is his home language. The overwhelming cinematography, signed by Ádám Fillenz, reproduces the atmosphere of ruin in the desert and transmits the merciless climate beyond the screen. ‘Teglap’ / ‘Yesterday’ is a film that will appeal to lovers of cinematic experiments and psychological dramas, a film that will intrigue and puzzle many.

Posted in movies | Tagged , , , , , , | Leave a comment

5 trepte spre apocalipsă (carte: Ken Follett – Never / Niciodată)

Pentru mine, la fel ca pentru mulți dintre cei care călătoresc des cu avioanele, expresia ‘literatură de aeroport’ nu are nimic peiorativ. Găsesc puține utilizări mai bune timpului în care mă găsesc captiv în avioane sau în sălile de așteptare ale aeroporturilor decât lectura. Câteva dintre lecturile mele memorabile s-au petrecut în avioane. Nu am reușit să mă acomodez cu formatele electronice și nici cu Kindle și verișorii săi, prefer cărțile tipărite pe care am și obiceiul prost de a le adnota în timpul lecturilor. Prefer formatele cu coperți moi și mai ales cele de buzunar. Francezii le numesc ‘poche’ și editează cam toate cărțile, inclusiv ‘marea literatură’ și în acest format. Cam pe orice aeroport din lume există librării sau macar magazine de presă sau chioșcuri unde pasagerii pot cumpăra cărți. Una dintre excepțiile notabile este Aeroportul Otopeni unde de câțiva ani nu mai există în zona Plecări niciun chioșc unde pot fi cumpărate ziare și cărți. La polul opus voi menționa acele aeroporturi care au librării excelente. London Heathrow sau San Francisco au librării pe care mi le-aș dori pe strada mea. De curând li s-a alăturat librăria ‘Signs’ din Terminalul A cel renovat al aeroportului Newark Liberty International de lângă New York. De aici am cumpărat pentru cele câteva zeci de ore petrecute pe avioane în luna care a trecut romanul ‘Never’ al lui Ken Follett. Eu am citit ediția britanică publicată în 2023 de Penguin Books. Cartea a fost tradusă în limba română și publicata în 2021 de Editura RAO. Numele traducătorului nu este specificat nici pe copertă și nici pe paginile Web ale editurii.

Mărturisesc că îmi plac cărțile lui Ken Follett și nu simt nevoia să mă scuz. La fel cum nu mă scuz că îmi plac Agatha Christie, Dan Brown sau cărțile cu James Bond. Nu pot citi doar filosofie, istorie sau cibernetică toată viață și mai ales atunci când am de supraviețuit unor zboruri de 6 sau 11 ore. Dar chiar și atunci când sunt acasă, una din 5-6 lecturi este o carte care aparține genului ‘thriller’ sau ‘spionaj’ sau ‘ficțiune istorică’. Ken Follett este unul dintre maeștrii contemporani ai acestor genuri. S-a născut la 5 iunie 1949 la Cardiff. Primul succes al lui Follett a fost thrillerul de spionaj ‘Eye of the Needle’ (1978). După ce a scris mai multe best-selleruri în acest gen în anii ’80, s-a îndreptat spre ficțiunea istorică cu ‘The Pillars of the Earth’ (1989), o epopee a carei acțiune se desfășoară în Anglia medievală, carte care a devenit cea mai cunoscută lucrare a sa și prima publicată în seria ‘Kingsbridge’, din care s-au vândut în toată lumea peste 50 de milioane de exemplare. A continuat să scrie în ambele genuri, inclusiv cărțile de mare succes din ‘Century Trilogy’. ‘Never’, a cărei prima ediție a apărut în 2021 era – dacă am numărat bine – al 30-lea roman publicat sub numele său (alte trei, în tinerețe, apăruseră sub pseudonim).

‘Never’ este o ficțiune politică profund distopică. Ken Follett a studiat evenimentele care au dus la izbucnirea Primului Război Mondial și a ajuns la concluzia că niciuna dintre principalele puteri implicate în primul mare conflict global al secolului 20 nu a intenționat să declanșeze un cataclism de asemenea proporții. Folosind unealta ficțiunii, și-a imaginat situațiile și lanțurile de evenimente care ar putea duce la o conflagrație similară în contextul geopolitic contemporan. Întâmplarea a făcut ca lectura cărții (care a durat câteva săptămâni, cartea având 800 de pagini) să se petreacă în paralel cu evenimente dramatice care au loc în zona în care îmi am domiciliul stabil în ultimele patru decenii. Citeam câteva pagini din carte, apoi treceam – inevitabil – la paginile de știri. Escaladările politice și militare descrise în roman păreau o oglindire în ficțiune a unora dintre evenimentele reale care se petreceau în ‘cartierul meu’. Pot doar spera că sfârșitul va fi diferit.

Cartea a apărut în 2021, deci pot presupune că Follett a scris-o în anii care au precedat-o. Ea reflectă deci angoasele ultimilor ani ai celui de-al doilea deceniu al secolului 21: ascensiunea Chinei ca supraputere, pericolul generat de capacitatea nucleară la care a ajuns un regim izolat și imprevizibil cum este cel din Coreea de Nord, criza climatică și umanitară din centrul Africii și valul de migrație ilegală spre Europa generat de aceasta. Lipsesc pandemia, agresiunea Rusiei asupra Ucrainei, intensificarea conflictelor din Orientul Mijlociu. Le vom găsi probabil în viitoarele romane ale lui Ken Follett.

Trei fire de acțiune și trei grupuri de eroi care nu se întâlnesc niciodată dar comunică permanent constituie axul narativ al romanului. La Casa Albă este instalată o președintă, Pauline Green. Este republicană și moderată, dar ne aflam într-un an pre-electoral și adversarul ei principal este un politician populist, care o critică și o provoacă permanent și care prezintă alternative simpliste și demagogice în scopul de a atrage electoratul. Cercul ei de colaboratori pare mai degrabă a semăna cu cel al unui președinte democrat, printre ei aflându-se un Consilier National de Securitate care i-ar putea deveni și amant, daca președinta n-ar fi măritată și nu ar avea o fiică adolescentă și rebelă, care pune întrebările cele mai incomode. În China, la Beijing, în fruntea serviciilor secrete chineze se află un tânăr politican care aparține ramurii reformiste a Partidului Comunist Chinez. Este căsătorit cu o frumoasă actriță, vedetă de televiziune și fiu al unuia dintre politicienii din vechea gardă are și are și el problemele sale personale. Președintele Chen al Chinei pare a fi mai degrabă neutru, dar este obligat să manevreze intre reprezentanții vechii gărzi – veteranii care l-au adus la putere – și reformiștii care doresc deschiderea spre occident. Ambițiile Chinei, trezită dintr-o istorie pe care o consideră nedreaptă și cerându-și locul intre marile puteri ale lumii se ciocnesc de interesele americane. Unul dintre teatrele de acțiune ale confruntării dintre supraputeri și mișcările care le servesc interesele se află în Ciad. Aici, pe malul unui lac imens pe cale de a seca din cauza catastrofelor climatice, trăiește Kiah, văduva unui pescar ucis de teroriști, care nu are altă soluție de supraviețuire decât a începe drumul lung și periculos spre Europa împreună cu băiețelul ei de doi ani. Transportul de migranți conține însă și o cantitate însemnată de droguri vândute de teroriști pentru a-și finanța activitățile. Un agent american de origine libaneză, o specialistă CIA în informații și un spion francez sunt cu toții pe urmele acestor activități. Inevitabil, o idilă se înfiripă și aici între agenta americană și agentul francez, o alta între migranta africană și agentul american aflat pe urmele teroriștilor.

Capitolele romanului sunt împărțite în cinci secțiuni, ale căror titluri corespund celor cinci grade de alerta (DEFCON) definite pentru armata și serviciile de securitate și de urgență americane – de la nivelul 5 (minim, în timp de pace) la nivelul 1 (în care războiul nuclear este iminent sau au început). Spirala tensiunii este urcată în paralel cu acumularea semnalelor de alertă. Incidente locale și aparent izolate se acumulează și duc la creșterea tensiunii și accentuarea conflictelor. În fiecare dintre cele două tabere principale aflate în conflict există cate un grup care acționează spre moderație și caută compromisuri și soluții negociate și un alt grup care vede în acțiuni de forță singura metodă eficace de a contracara mișcările inamicilor. Ken Follett se dovedește și aici un maestru al imaginarii unor conflicte complexe, cu multe aspecte secundare, cu legături vizibile și invizibile care se clarifica pe măsură ce avansăm în lectură. El reușește să creeze și personaje credibile, cu dimensiuni umane, de care reușim să ne atașam ca cititori. Formula, care combină acțiunea de spionaj, ficțiunea politica și intrigile romantice, este cunoscută tuturor amatorilor genului. Follett nu inventează nimic, dar o folosește cu discreție și cu echilibru. Credibilitatea este accentuată de formidabila muncă de documentare pe care a efectuat-o scriitorul. Urmărim destinele personajelor pe culoarele Casei Albe și în bunkerele Departamentului Apărării, în birourile ambasadelor occidentale din Africa și pe drumul caravanelor de migranți care se deplasează în deșert, în sălile în care au loc dezbaterile conducerii Partidului Comunist Chinez și la frontiera dintre China și Republica Populară Democrată Coreeana. Am sesizat câteva gafe la nivel de detaliu, dar acestea sunt puține: procesul de demitere a unui vicepreședinte al Statelor Unite este mai complicat decât cel descris în carte, demnitarii comuniști chinezi probabil că se adresează unul altuia mai degrabă cu ‘tovarășe’ decât cu ‘domnule’. În general însă stilul este alert, atmosfera foarte bine redata, personajele bine conturate și interesul cititorului este păstrat alert în pofida dimensiunilor romanului. Cititorii care nu se lasă intimidați de romane cu multe sute de pagini vor fi antrenați într-o aventură pasionantă, cu rezonanțe în actualitatea imediată. Poate că atunci când prezentul din jur este tensionat și distopic, una dintre soluțiile de evadare este lectura unor asemenea cărți tensionate și distopice. ‘Never’ / ‘Niciodată’ a lui Ken Follett îl va lăsa pe cititor neliniștit. Acțiunea se petrece în actualitate. Spirala spre apocalipsă descrisă atât de realist în care este credibilă. Putem doar spera că parcurgerea ei până la capăt va fi limitată la lecturile din cărțile de ficțiune

Posted in books | Tagged , , , , , , , | Leave a comment

Orson Welles roads-opening movie (film: The Stranger – Orson Welles, 1946)

The 1946 ‘The Stranger‘ is one of Orson Welles‘ attempts to make films within the Hollywood production system. It was a commercially successful gamble, but one that would remain an exception in Welles‘ directorial career. Many of his subsequent films either ran over budget or production time, to the point of canceling the projects in some cases, or forced him to make so many artistic concessions that Welles later disowned them and even refused the usage of his name in the credits. ‘The Stranger‘, however, produced by Sam Spiegel and John Huston (who was also co-producer and co-writer, but was not credited) manages to bring to the screens a very actual theme in the years after the war – the hunt for Nazi criminals – and does so with an elegance and economy of means that make the film a milestone for many film noir and thriller productions.

The Stranger‘ is one of the first films made after the war in which the main hero is a Nazi hunter. On the trail of a war criminal who has erased all traces of his identity or physiognomy from the archives, Detective Wilson frees another Nazi and pursues him, convinced that he will connect with his former partner in crime. The two arrive in a small American town where the former Nazi, under the false identity of a history teacher, is about to marry Mary, the young daughter of a judge. Trying to cover his tracks, the criminal kills his accomplice. The only person who can make the connection between the assassin and his past is his new wife, but she is both in love and faithful to the vow made at the church to be together with her husband through happiness or sorrow. Will Mary give up her adoration for the man she’s in love with? Or maybe this one will be betrayed by his passion for clocks, the hobby that was also known to be that of the wanted criminal?

Here is a commercial film that is both an art film and a film that contains a treasure trove of references for what was to come in Orson Welles‘ filmography but also in other genres of American and world cinema. It is one of the first films in the Nazi-hunting genre. Many more will follow, until the 80s, when the genre reaches its peak. For the first time in a fiction film, documentary sequences shot at the liberation of the death camps by the Allied troops are used. They will return in Stanley Kramer’s ‘Judgment at Nuremberg’ for example. The cinematography is outstandin as Russell Metty, a favorite collaborator of Welles and other great directors, creates unique frames, daring perspectives, shades, makes extensive use of mirrors and of the studio space created especially for this film. Almost every frame is a lesson in cinematography. I was less than thrilled by the very intrusive musical score by Bronislau Kaper, but eight decades ago the effect was probably very different. Welles also resorts to brilliant counter-casting. He assumes for himself the role of the Nazi murderer and has Edward G. Robinson play the positive role of the detective on the trail of the Nazi murderers. The role of Mary is cast by Loretta Young, a famous actress and positive role model at the time among Hollywood stars. I think time has taken its toll here, the relationship between the young American woman and the husband who gradually reveals himself to be a criminal is played too emphatically to be believable to today’s viewers. Even if not all the details have remained that fresh 78 after, ‘The Stranger‘ remains a viewing that has every chance to please not only those who love the history of the film but also those looking for quality entertainment.

Posted in movies | Tagged , , , , , , , , , , , | Leave a comment

broken dreams (film: Stroszek – Werner Herzog, 1977)

Made in 1977, ‘Stroszek‘ is one of the most special films of Werner Herzog, one of the few very special directors who were part of that unique generation of filmmakers who made German (West German) films into some of the more interesting productions of the 70s and early 80s. When I think about this generation of directors, I cannot ignore the fact that they grew up in the years after the Second World War and were formed in a Germany that had lived through two decades of reconstruction but also of historical amnesia. It fell to them to bridge the lost decades and generations with the artists (including filmmakers) of the formidable decadent and expressionist period of the Weimar Republic, also embodying the war traumas and conflicts that had left many scars and open wounds. ‘Stroszek‘, a film unlike any other, is one of the proofs of the creativity of these artists, but it is also a film born out of pain and suffering, depicting the impossibility of adaptation of the less privileged.

The story begins in Germany. Bruno gets out of prison. We don’t know exactly why he was convicted. He seems like a nice guy, with some mental problems, he takes life as it is, helps those around him as best as he can. He meets and shelters Eva, a prostitute pursued by violent pimps, whom he brings to the home of his older friend, Scheitz. When criminals make their lives impossible, the three decide to try their luck in America, where Scheitz has a nephew. They land in Wisconsin, in deep America, and begin to face the realities there. People are, at least in appearance, less violent, but life has other harsh rules of its own. They are each trying to work, they take out a mortgage for a caravan which they think is great at first, but paying the mortgage payments becomes a problem. Life again overwhelms the three heroes, each in-adapted in his own way there, in America,

It is very difficult to characterize Werner Herzog‘s style. If we were to look for its roots, we would find them in Italian neo-realism rather than in German expressionist cinema. Except for Eva Mattes, all the other actors are non-professionals. Some of them play out their own lives on the screen. Bruno S., the actor who plays Bruno, had been cast by Herzog in a previous film, but the character borrows a lot from his real-life story and personality. ‘Stroszek‘ is a kind of road movie that takes its heroes from Germany to the United States, the locations filmed are authentic and the style is almost documentary. This does not mitigate, but on the contrary, accentuates the drama which sometimes has grotesque overtones, but very rarely we laugh. The ending is powerful and metaphorical. It caused controversy even among members of the film crew, and it is said that Herzog had to hand-hold the camera for the final scene. It is a pessimistic film, with no chance or hope for its heroes. We, the viewers who see the film almost half a century after it was made, enjoy a unique and impressive work.

Posted in movies | Tagged , , , , , , , , , | Leave a comment

the magnificent five (film: I vitelloni – Frederica Fellini, 1953)

I vitelloni‘ is the second feature film directed alone by Federico Fellini, in 1953. It is a combination of neo-realist cinematography, social satire and character comedy, in which Fellini already demonstrates a perfect mastery of the means of expression, of the choice and control of the actors, of combining visual composition with the expressiveness of the music (composed by Nino Rota). It is a film full of humanity and sensitivity, which already predicts many of the major obsessions in the masterpieces that will follow and the evolution of the filmmaker from neo-realism to surrealism and to the magic of performances. In the end, it’s a film that doesn’t show its age and remains quality entertainment more than seven decades after it first hit the screens.

The story takes place in a small provincial Italian town by the sea. World War II has been over for less than a decade, but on the surface, nothing remembers it. Life goes on apparently normally, the ruins have been cleared, the dead buried and forgotten, and no one remembers the years of dictatorship or war. The economic situation is stable enough to allow the group of five men who are the film’s heroes to live, in their mid-thirties, on their parents or sisters backs, to unenthusiastically search or not search for a job, spending their times in cafes or chasing local or visiting women, the young or the not so young ones. The unofficial leader of the group, Fausto, gets Sandra, the sister of Moraldo – another member of the gang, pregnant and is forced to marry her. At the intervention of his father-in-law, he is employed in a shop, works without enthusiasm and is quick to make advances to the boss’s wife. Marriage did not change him into a faithful man, but other events will cause him to reconsider his attitude.

The dominant feeling experienced by the film’s heroes is boredom. Portraying bored heroes on screen is a big challenge for screenwriters and directors, as they risk to pass the sentiment to their audiences, but Fellini was already on the path that would make him a master at tackling such situations. He succeeds perfectly by introducing scenes of the popular dance parties, theater and carnival events that would become an integral part of the thematic and aesthetic of his filmography and emphasizing character development. It’s an example of classic melodramatic cinematography, but it works emotionally because each of the actors understands and lives his or her character perfectly. Among the actors, the audience has the best chance of recognizing Alberto Sordi, who was already quite well known and would become one of the great actors (especially in comedies) of Italian cinema of the 60s and 70s . However, the entire team of actors is formidable, and the characters of the film would become points of reference not only in Fellini‘s filmography but also in the world cinema, from the angry young men of the 50s, passing through the beatniks and the heroes of the French New Wave in the 60s and reaching to the hippies and protestors of the 70s. And thus, the comedy of characters takes on the substance of social satire, more subtle and powerful even than many contemporary neo-realist films. ‘I vitelloni‘ – a film to be searched for, found and enjoyed.

Posted in movies | Tagged , , , , , , , , | Leave a comment

don’t say it for the third time! (film: Beetlejuice Beetlejuice – Tim Burton, 2024)

Tim Burton’s ‘Beetlejuice Beetlejuice‘ (twice) is a sequel to ‘Beetlejuice‘ (once) made in 1988 by the same director. If a different director and an entirely different cast had produced the film, I would have treated it (and probably many others did the same) quite harshly. However, since we are talking about a director who has become famous, who reuses his characters and brings back to the screen the world he created in the film that launched his career and defined his aesthetics and to a large extent the themes, we cannot help but ask the question why Tim Burton wanted so much to make this movie. Corollary – was it worth the effort? How does the double-titled ‘sequel’ compare (comparison is inevitable) to the original? A little research reveals the fact that Burton had long wanted to resume the theme in a sequel, that he refused two other scripts and that he set the uncompromisable condition that Michael Keaton would resume his titular role. Meanwhile the Beetlejuice Universe has expanded with other films, TV series, cartoons and computer games. In the decades of computerized effects and of virtual and intelligent enhancements, a sequel has to bring something very different to be remembered in the future separately from the original. I doubt that would be the case with ‘Beetlejuice Beetlejuice‘.

Re-watching or, for the younger ones, watching for the first time the original movie is not mandatory but it is very useful to understand exactly what is happening in ‘Beetlejuice Beetlejuice‘. Some of the characters return, namely the mother and daughter from the Deetz family, a family that had a secondary (but important) role in ‘Beetlejuice‘. And of course Beetlejuice returns and he hasn’t given up on his plans to spend the rest of his death with Lydia Deetz, now a TV star and an expert on … ghosts and connections between the worlds of the living and the dead. 35 years later, the teenager in the original movie is now at her turn the mother of another teenager, Astrid, equally rebellious and innocent about contact with the world beyond the Styx. Beetlejuice turns out not to be exactly a bachelor either, but rather a divorcee, and Delores, his ex-wife and grave-robbing partner from the plague centuries, comes together (from pieces, literally) to reunite their family. The combination of teen movies, horror (the action also takes place before Halloween) and the constant interaction between the world of the living and the afterlife works. Up to a certain point.

The cinematic world of Tim Burton is always present on the screen: colorful and frightening, grotesque and macabre, full of coarse humor and no curtains, expressive music used in unexpected ways. The problem is that the audio-visual style can no longer surprise and is no longer enough. 1988’s ‘Beetlejuice‘ launched an approach and created a distinct commercial-artistic brand that became famous and hasn’t changed much since, although the technical tools are different. Among the acting creations of this ‘Beetlejuice Beetlejuice‘ (twice) I liked Winona Ryder‘s the most. She manages to create a believable evolution of her eccentric character created three and a half decades ago. The younger generation is represented by actress Jenna Ortega, who presents an alternative to the role of the rebellious, skeptical and inevitably in love teenager. Ryder was 17 years old in 1988 and the role in Tim Burton‘s film launched her career. Ortega, on the other hand, at 22 years old, already has more than 50 roles in her filmography, but she is still fresh, expressive, attractive and scared, as the role demands. Monica Bellucci has a minor role, but one that includes a spectacular, anthology scene. Willem Dafoe and Danny DeVito may also complain about under-casting, but on the other hand, they seem to be having fun, with make-ups beyond recognition, in Tim Burton‘s film. The main problem is the lack of an interesting story. The film has three main narrative threads – a story of coming of age and teenage love, and the two obsessive pursuits of Beetlejuice and Delores. None captures or engages. Gags and transitions between the worlds of the living and the dead are not enough. A lot can happen in the next 36 years, but unless something radically changes, I’d say that Tim Burton has no reason for another sequel. Or, as one can learn in the movie, saying ‘Beetlejuice’ three times is not advisable.

Posted in movies | Tagged , , , , , , , , , , | Leave a comment

O altă distopie semnată de Margaret Atwood (carte: Margaret Atwood – Inima cedează ultima)

Margaret Atwood este probabil cea mai faimoasă scriitoare canadiană în viață și una dintre cele mai celebre autoare ale literaturii contemporane a lumii. Născută în 1939, a publicat 18 cărți de poezie, 18 romane, 11 cărți de non-ficțiune (printre care un studiu introductiv considerat clasic despre literatura canadiană), 9 colecții de ficțiune scurtă, 8 cărți pentru copii, 2 romane grafice și o serie de ediții de poezie și ficțiune în tiraje mici. Margaret Atwood a câștigat numeroase premii pentru scrisul ei, inclusiv două premii Booker, premiul Arthur C. Clarke, premiul Guvernatorului General al Canadei, premiul Franz Kafka, premiile Prințesa Asturiei și premiile naționale pentru critici de carte și PEN Center USA Lifetime Achievement Awards. Doar Premiul Nobel pentru Literatură o ignoră în mod repetat. Faima însă și-a câștigat-o pentru romanul ‘Povestea slujitoarei’ publicat în 1985. Odată cu el a dobândit și titlul neoficial de regină a distopiei.

‘Inima cedează ultima’ (titlul original este ‘The Heart Goes Last’) este tot o distopie. O distopie, dar și o poveste de dragoste. Romanul a apărut în 2015, a fost tradus în limba română (impecabil) de Irina Negrea și publicat în 2019 în seria de autor pe care o dedică scriitoarei canadiene Editura ART. Acțiunea cărții se petrece într-un viitor alternativ, sau poate că este vorba despre un prezent alternativ, sau poate este prezentul nostru așa cum va evolua peste câțiva ani. Crizele economice și financiare succesive au ruinat o mare parte din America de Nord și în special zona de nord-est a continentului. Iată criza descrisă de Ed, unul dintre liderii care explică cele întâmplate:

‘Ştabii finanţelor au ascuns adevăratele statistici pentru a evita panica, spune el, însă un procent şocant de patruzeci la sută din populația acestei regiuni este în şomaj, cu cincizeci la sută din totalul acestei populații având sub douăzeci şi cinci de ani. Cifrele de acest gen nu pot duce decât la o prăbuşire a sistemului, asta însemnând anarhie, haos, distrugerea nesăbuită a bunurilor, o aşa-zisă revoluţie, care ar presupune jafuri, domnia bandelor de răufăcători, despoti, violuri în masă, terorizarea celor slabi şi neajutorați. Iată sumbra perspectivă care se profilează sinistru în faţa fiecărui om din această zonă. Au observat deja cu toții simptomele acestei stări de lucruri, ceea ce – el e convins de asta – i-a făcut să dorească să se înscrie aici.’ (pag. 68)

Eroii cărții sunt Stan și Charmaine, o pereche tânără și fără copii, care până la izbucnirea crizelor păreau să aibă întreaga viață înaintea lor. El lucra în IT, ea era îngrijitoare la o casă de bătrâni. Precum milioane de alți locuitori ai zonei își pierduseră întâi locurile de muncă, apoi casa a căror rate nu mai puteau să le acopere. Tot ceea ce le rămăsese era mașina care le servea drept acoperiș și un trai nomadic, locuri de muncă temporare și prost plătite, pericolul permanent de a fi jefuiți sau uciși de bandele de tâlhari. Precum ei, milioane de alți americani, locuitorii unei țări în care sistemul economic se prăbușise. Atunci când li se oferă perspectiva de a participa într-un experiment, Proiectul Positron, o societate închisă din care a fost eliminată și violența și nesiguranța zilei de mâine, ezitările nu durează prea multă vreme și cei doi acceptă.

‘Acum, ar vrea să le ofere – să împărtășească cu ei – o imagine mai amănunțită din culise. A fost o adevărată luptă pentru a obține nenumăratele aprobări necesare pentru lansarea Proiectului Positron. Statul nu s-a lăsat convins prea ușor; nenumărați experți politici şi-au umflat muşchii (Ed rânjeşte în colțul gurii, încântat de expresia lui îndrăzneață), aşa cum demonstrează vociferările care s-au făcut auzite, atunci când planul a fost anunțat prima oară în presă. Purtătorii de cuvânt, sau mai degrabă persoanele care se ocupă de comunicare – Ed aruncă o privire spre femeie, care zâmbeşte – au înfruntat o sumedenie de urlete de indignare online din partea radicalilor și a nemulțumiților, care pretind că proiectul Consilience/ Positron reprezintă o încălcare a libertăților individuale, o tentativă de a institui un control social total, o insultă la adresa spiritului uman. Nimeni nu este un adept mai devotat al libertăților individuale decât este Ed, însă așa cum știu toți – aici Ed surâde complice – aşa-zisele libertăți individuale nu țin de foame, iar spiritul uman nu plăteşte facturi, iar ceva trebuie făcut pentru a uşura presiunea din interiorul etuvei sociale. Nu-i aşa?’ (pag.67)

Despre ce este vorba? Proiectul Positron este un sistem de orașe închise, în care cei care acceptă participarea își petrec jumătate din timp într-o societate idilică și cealaltă jumătate în închisori. O lună de libertate și trai comfortabil, o lună de închisoare în condiții nu prea aspre. În luna de libertate pot profesa ceea ce se pricep, locuiesc în case bine îngrijite și au o viață culturala controlata și normativa. La închisoare li se impune ceea ce să facă. În casele lor locuiesc în perioada de închisoare Alternanții. Cu ei este interzis orice contact, la fel cum este interzisă orice legătură cu lumea exterioară.

‘Ed desface larg bratele ca un predicator la TV: vocea lui devine mai răsunătoare. Atunci, arhitecții Positronului și-au dat seama, spune el – și asta a fost o idee strălucită – că, dacă închisorile ar fi reduse judicios și administrate raţional, puteau deveni nişte unități economice viabile, în care toţi ar avea de câștigat. Nenumărate joburi puteau fi generate de închisori: în construcții, în mentenanță, în serviciile de curățenie, în serviciile de pază. Locuri de muncă în spitale, confecționarea de uniforme, pantofărie, agricultură, dacă exista vreo fermă ca anexă: un corn al abundenței veşnic plin de joburi. Oraşele de mărime medie cu penitenciare mari ar putea să se întreţină singure, iar oamenii din asemenea orașe ar putea să beneficieze de confortul specific unei clasei de mijloc. Iar, dacă fiecare cetățean era fie gardian, fie puşcăriaș, rezultatul ar fi ocuparea integrală a forţei de muncă: jumătate ar fi deţinuţi, iar cealaltă jumătate s-ar ocupa de aceștia, într-un fel sau altul. Sau s-ar ocupa de cei care se ocupă de deţinuţi.

Şi, întrucât era nerealist să te aștepți la fapte infracționale confirmate din partea unui procent de cincizeci la sută din populație, corect ar fi atunci ca fiecare să facă cu rândul: o lună în puşcărie, o lună afară. Gândiți-vă la economiile care se vor face, în condițiile în care fiecare locuinţă ar fi folosită de două serii de locatari! Era conceptul proprietății în indiviziune alternativă împins până la concluzia lui logică.’ (pag. 70-71)

Modelul distopic imaginat de Margaret Atwood este o extrapolare dusă la extrem a unei situații sociale și a unor realități economice existente în societatea americană, dar și în alte țări din lume. Populația deținuților din penitenciarele americane este cea mai numeroasă printre țările democratice. Privatizarea serviciilor penitenciare a fost încercată în diferite state americane, inclusiv activitățile productive care să susțină economic sistemul. Modelul economic este însă practicat doar de regimurile totalitare, în care munca forțată a deținuților este folosită pentru generarea de profituri în folosul statului dictatorial. Este, în fapt, o formă modernă de sclavie. Ce preț merita să fie plătit pentru siguranța zilei de mâine? Jumătate de viață de sclavie pentru o altă jumătate de viață comfortabilă?

Un model economic neliberal poate fi susținut doar de un regim politic neliberal. Această axiomă socio-economică este excelent ilustrată de felul în care se desfășoară viața la Consilience, unde ajung eroii noștri. Precum majoritatea regimurilor autoritare pe care le cunoaștem, și proiectul Positron mimează forme de democrație, indoctrinându-și cetățenii în ședințe de genul informărilor politice pe care cititorii români le cunosc prea bine din perioada comunistă. Sunt cenzurate și divertismentele, muzica rock este interzisă, filmele sunt cele din perioada anilor ’50. Limbajul amintește ‘Scînteia’:

‘Aceste Întâlniri Municipale pun accentul pe aspectele pozitive. Incidentele violente sunt extrem de rare, li se spune astăzi – un grafic apare pe ecran -, iar producţia de ouă a crescut. Un nou procedeu va fi introdus în curând la ferma avicolă: găini fără cap, hrănite prin tuburi, ceea ce s-a constatat că poate să diminueze anxietatea şi să accelereze creşterea în greutate și, deci, producţia de carne; în plus, se elimină cruzimea faţă de animale, încadrându- se în principiul avantajelor multiple, pe care Positron a ajuns să le întruchipeze! Felicitări și mulțumiri echipei care se ocupă de varza de Bruxelles, unde s-a depășit cota două luni la rând! Să ne propunem să ridicăm ștacheta la producția de iepuri faţă de a doua jumătate a lunii noiembrie, mai ales că urmează să primim în curând câteva noi rețete nemaipomenite pentru carnea de iepure. Mai multă atenție la sortarea pentru programul de reciclare a deşeurilor, vă rugăm; metoda nu va da roade dacă nu ne unim forțele. Şi aşa mai departe, şi aşa mai departe.’ (pag. 133-134)

Stan și Charmaine vor fi foarte mulțumiți pentru o vreme. Totul decurge OK până când curiozitatea îi va împinge să încerce să-i cunoască pe Alternanți, adică pe cei care ocupă aceeași casa în perioada în care ei sunt la închisoare. Încălcarea unora dintre reguli îi pune în pericol într-o societate supravegheată permanent, aflată la intersecția dintre ‘Truman Show’ și ‘1984’:

‘E după-amiază târziu. Soarele a coborât pe cer, strada e pustie. Sau pare pustie: neîndoielnic, există ochi implantati pretutindeni – în stâlpul felinarului, în hidrantul de incendiu. Faptul că tu nu îi poți vedea nu înseamnă că ei nu te pot vedea pe tine.

Stan tunde gardul viu, făcând efortul să pară nu numai ocupat, ci și vesel. Gardul nu are nevoie să fie tuns – este întâi ianuarie, e iarnă, deşi nu a nins încă -, însă lui i se pare o îndeletnicire liniştitoare, din aceleaşi motive pentru care gestul de a-ți roade unghiile este liniştitor: este ceva repetitiv, imită o acţiune semnificativă şi este ceva violent. Aparatul de tuns arbuşti scoate un vaiet ameninţător, ca un cuib de viespi. Sunetul îi dă iluzia puterii, atenuându-i sentimentul de panică. Panica unui şobolan într-o cușcă, cu mâncare şi băutură din belşug, chiar şi cu sex, dar fără vreo posibilitate de a mai ieşi de-acolo, având în schimb bănuiala că totul face dintr-un experiment, care nu poate fi decât dureros.

Are căşti în urechi, conectate la telefonul mobil. Geamătul zumzăitor al aparatului de tuns arbuşti e ca fundal sonor pentru vocea lui Doris Day, ale cărei mari şlagăre sunt melodiile lui de leagăn în timpul zilei. Inițial, se gândea cum ar fi fost să-i poată da brânci lui Doris de pe un acoperiș, însă nu are prea multe opțiuni în materie de muzică -,,ei” cenzurează toate cântecele care li se par prea excitante sau turbulente -, or el preferă să o asculte pe ea, decât potpuriul din Oklahoma sau pe Bing Crosby cântând,,White Christmas”.’ (pag.154-155)

Pedepsele pentru abateri de acest fel sunt extreme. Stan și Charlaine vor fi separați unul de cealaltă și vor fi supuși unor teste care le pun în pericol nu doar libertatea ci și viața. Vor cunoaște detalii secrete legate de structura economică și scopurile reale ale proiectului și vor fi contactați de cei care se opun și încearcă să reziste. Narațiunea avansează în paralel, căci Stan și Charlaine, despărțiți, se caută dar și devin actori într-o intrigă care pune sub semnul întrebării existența întregului sistem. Va rezista dragostea lor presiunilor și tentațiilor? Care le va fi alegerea între libertatea de a decide și siguranța economică?

Margaret Atwood reia și amplifică în ‘Inima cedează ultima’ multe dintre temele cărților sale precedente: libertatea individuală în raport cu interesul colectiv, locul femeii în familie și societate, sexul ca mijloc de control, diversitatea culturală ca motor al progresului social. Totul este ambalat într-o intrigă bine tensionată, cu personaje interesante și credibile. Chiar dacă în final, când totul este explicat și deznodământul este prezentat cititorilor, putem rămâne cu senzația că rezolvarea este puțin prea facilă, interesul pentru eroii cărții și soarta acestora este bine clădit și justificat. Romanul ei a fost pentru mine și o captivantă lectură de vară și un prilej de a reflecta la unele dintre problemele importante ale evoluției societății contemporane. Când distopia domină actualitatea, așa cum pare să se întâmple în ultima vreme, distopiile alternative furnizate de literatură devin un divertisment semnificativ.

Posted in books | Tagged , , , , , | Leave a comment

Imposibilele întoarceri (carte: Yaniv Iczkovits – Nimeni nu părăsește Palo Alto)

Scriitorul israelian Yaniv Iczkovits este foarte ocupat în aceste zile. În primul rând, se află în curs de lansare cel de-al cincilea roman al său – ‘Începutul lucrurilor’. După o amânare de jumătate de an datorată evenimentelor care s-au abătut asupra Israelului începând cu octombrie 2023, începe difuzarea serialului ‘Nimeni nu părăsește Palo Alto’, bazat pe cel de-al patrulea roman al său, ocazie cu care Iczkovits își face debutul ca scenarist. Acestea se adaugă bogatei activități publice care include participare activă la demonstrațiile de protest împotriva politicilor guvernametale și în favoarea unui acord care să ducă la eliberarea ostatecilor israelieni răpiți și deținuți de teroriști în Gaza. Asta la câteva luni numai după ce scriitorul – activist proeminent în mișcările pacifiste dar și rezervist într-o unitate de elită – se reînrolase în armată pentru a participa la acțiunile militare israeliene care au urmat atacurilor teroriste de la 7 octombrie 2023.  

În România, Yaniv Iczkovits are deja un public al său. Familia lui a emigrat din România și scriitorul a declarat în câteva ocazii cât de importanți îi sunt cititorii de aici, poate cei mai importanți pentru el după cei din țara sa. După ce al treilea roman al său, ‘Fiica măcelarului’ – best seller internațional, a devenit și unul dintre succesele popularei serii ‘Raftul Denisei’ a Editurii Humanitas-fiction, la sfârșitul anului trecut a apărut în aceeași colecție traducerea (semnată de Ioana Petridean) a celui de-al patrulea roman al său, ‘Nimeni nu părăsește Palo Alto’. Este vorba despre o carte foarte diferită de toate cele care au precedat-o, care demonstrează nu numai faptul că avem de-a face cu un scriitor de mare talent, dar și cu un autor care nu se repetă și nu încearcă să-și capitalizeze succesele trecute, ci dimpotrivă, explorează noi dimensiuni și modalități de exprimare și încearcă să se reinventeze la fiecare nou volum pe care-l adaugă propriei bibliografii.

‘Nimeni nu părăsește Palo Alto’ are patru părți, fiecare însumând în jur de o sută de pagini, fiecare diferită în felul în care este narată. Această versatilitate stilistică îi permite lui Yaniv Iczkovits expunerea unor puncte diferite de vedere și crează o senzație de mozaic sau de puzzle la a cărui desăvârșire este invitat și cititorul să participe. Se poate spune că avem în mână o culegere a patru nuvele cu legătură și personaje comune între ele, care alcătuiesc imaginea unei secțiuni în timp (20 de ani intre 1998 și 2018) și spațiu (în special orașele Tel Aviv și Haifa, două dintre cele trei metropole ale țării) ale realității israeliene recente. Prima parte este povestită la persoana întâia de detectiva Iris Abramov. Sub forma unei declarații de verificare a abilitații parentale în cadrul procedurii de divorț, polițista relatează un caz misterios cu aură fantastică – apariția unui cadavru suplimentar la laboratorul de disecții al Facultății de Medicină din Haifa. Partea a doua – cea mai interesantă literar în opinia mea – alternează două planuri narative. Din nou este vorba despre disecarea unui cadavru la o morgă, zece ani mai tărziu însă, și la o altă Facultate de Medicină, cea din Tel Aviv. Detaliile tehnico-medicale alternează cu reconstituirea vieții lui Tobias, cel al cărui corp se află pe masa de disecție, un poet arab care își risipise marele talent și dusese o viață de parazit boem înconjurat de femei pe care le salva de pe străzi. A treia secțiune a cărții detaliază ascensiunea socială a lui Noah Kenny, un personaj care ar putea simboliza succesul social în Israelul contemporan, din nou relatat la persoana întâia de eroul care, suspectat de crimă, se pregătește pentru a trece un test cu detectorul de minciuni. În fine, ultima parte încearcă (și reușește parțial) să unească firele narative și să explice unele dintre destinele personajelor întâlnite până atunci prin relatarea călătoriei fictive a lui Yotam, fiul lui Noah, în Himalaia care deghizează o călătorie mai apropiată geografic și mai ales o traiectorie interioară diferită, în încercarea de a-și elibera propriul destin. Personaje din carte se reîntâlnesc după decenii, reapar după generații. De fapt însă, și asta reflectă experiența israeliană, este vorba despre o țară mică, în care multă lume cunoaște multă lume și în care destinele se intersectează și se influențează unele pe altele în modalități de multe ori surprinzătoare.

Ce reprezintă Palo Alto, orașul ideal pe care ‘nimeni nu-l părăsește’ din titlu? Mai multe explicații sunt posibile și cititorul este invitat să o aleagă pe cea care i se potrivește sau să o adauge pe a sa personală. Una dintre ele este legată de orașul Palo Alto însuși, centru hi-tech în Silicon Valley, oraș în care este concentrată o viață academica, științifică și culturală intensă. Unul dintre personajele secundare (și totuși personaj-cheie) din carte trăise mulți ani acolo și devenise expert internațional în medicină legală. Și totuși, într-o bună zi, el decide subit să se întoarcă în Israel. Un episod similar i se întâmplă lui Tobias. De altfel multe dintre personajele din cartea lui Yaniv Iczkovitz par să împărtășească segmente asemănătoare de biografie. Situațiile par un comentariu oblic despre un fenomen social – părăsirea Israelului de către mulți oameni de știință sau de cultură valoroși, aflați în căutarea gloriei, a recunoașterii internaționale sau pur și simplu a unei vieți mai comode și mai liniștite decât cea din agitata Țară Sfânta. Și totuși, mulți dintre ei nu se pot desparți definitiv de trecut, de rădăcini, și se întorc.

‘Câțiva dintre studenții pe care i-am interogat au spus că, în urmă cu puțin timp, dr. Sczupak stătuse alături de ei la cantină şi dărâmase zidul care-l despărțea pe profesor de elevii săi. L-au întrebat cum de hotărâse să părăsească un loc precum Palo Alto. A vorbit despre soarele de acolo, despre mângâierea soarelui californian, un soare care nu-ți atinge capul asemenea soarelui din Israel. Un soare curat. Un soare care, chiar și seara, păstrează parfumul de rouă al dimineții. Un soare politicos, care nu vrea să te doboare sau să te lovească. Un soare aşa cum ar trebui să fie. Consolator.

Nici măcar n-a spus ceea ce-i stătea pe vârful limbii. Nu. N-a îndrăznit s-o spună. N-a zis că acolo inima lui se sufoca, iar sufletul lui era înstrăinat. N-a spus că, de fiecare dată când intra în strălucitoarele magazine din Palo Alto, se simțea că și cum ar fi aterizat pe o planetă diferită. N-a spus că studenții de la Stanford, cei mai buni și cei mai inteligenți din lumea întreagă, nu reușeau să trezească în el emoția pe care i-o trezeau studenții de la Technion.

– Nimeni nu părăsește Palo Alto. Dar eu am făcut-o!’ (pag. 60-62)

O altă explicație, poate nu foarte diferită de prima, este ceea ce se întâmplă câtorva (din nou mai multe) dintre personaje, urmărite de traumele copilăriei. În cazul lui Iris este vorba despre abandonarea timpurie a familiei de către mama sa. Un alt personaj secundar dar important își pierde sora înecată în mare și își va crea un alter-ego imaginar al acesteia care îl va însoți până în adolescență. Talia Alkalai – femeia care-i iubește și care este iubită și de Noah și de Tobias – duce amintirea unui alt episod petrecut la țărmul mării, în care reușise singură să scape de un destin similar, luptându-se cu un vârtej în ape și ieșind din el cu forte proprii. Aceste experiențe marchează destinele eroilor. Nimeni nu părăsește cu totul spațiul copilăriei, mai ales daca acesta este marcat de episoade traumatice. Relațiile cu părinții sau frații lipsă nu dispar niciodată din conștientul sau subconștientul lor.

Există însă și o traumă colectivă, împărtășită nu doar de eroii cărții ci de toți locuitorii evrei ai Israelului. Expunerea ei, prin relatarea detectivei Iris Abramov, reflectă orientarea ideologică a scriitorului, care dorește să pună narațiunea complexă pe care o oferă cititorilor în contextul și mai complex al istoriei recente a Israelului și al conflictului israelo-palestinian. Episodul se petrece într-unul dintre cartierele vechi ale Haifei, oraș mixt cu populație evreiască și arabă, părăsit în perioada Războiului de Independență din 1948-49 de mulți dintre locuitorii săi arabi:

‘Locuiam în casa familiei Jerrar, o familie de arabi care fie fugise, fie fusese alungată în ’48. Nu știam ce versiune a poveștii să credem, iar adevărul este că nici nu întrebaserăm cu adevărat vreodată. Și, chiar dacă am fi întrebat, povestea ar fi diferit, în funcție de persoana întrebată. Ferestrele casei noastre dădeau spre moscheea Istiqlal, aflată între Bet Shean şi treptele pieței Al-Afrani. Zidurile erau căptușite cu nisip și scoici, iar tavanele erau ranforsate cu bârne metalice. Fiecare pas pe care îl făceai pe podelele de pământ zguduia întreaga fundație a clădirii. Lumina pâlpâia în funcție de modul în care fuseseră legate firele instalației electrice, iar țevile se înfundau deseori.

Tata nu muta nimic de la locul lui. Hainele familiei Jerrar erau încă frumos aşezate pe rafturi. Eu dormeam pe salteaua şi în aşternuturile lor. Păturile cu care eram acoperită noaptea păstrau încă parfumul lor. Din cauza asta, mă temeam să invit prieteni la mine acasă. Ca şi cum n-ar fi fost de ajuns faptul că eram grasă şi fără mamă, puteau spune despre mine şi că eram araboaică. Tata păstrase pereţii exact cum îi lăsase familia Jerrar. Cei din salon erau roşii, de culoarea pământului, simbolizând deşertul. Cei din camera tatei erau de un verde strălucitor, simbolizând Grădina Edenului. În camera mea, fuseseră pictați în albastru, pentru a alunga spiritele rele. Familia Jerrar nu s-a întors niciodată, însă eu am avut mereu impresia că nici nu plecaseră vreodată. Prezența lor se simțea în continuare în casă, eram convinsă de asta.’ (pag.47-48)

Mozaicul social pe care îl construiește Yaniv Iczkovits în această carte este divers și semnificativ. Majoritatea personajelor aparțin unor straturi sociale care nu sunt cele mai reușite social sau profesional: polițiști aflați în continuu stress și recurgând uneori la violență, artiști nerealizați, gangsterii locali și vagabonzii străzilor. Singura excepție este Noah Kenny, cel care trăiește o spectaculoasă poveste de ascensiune socială, ridicându-se de la nivelul de copil crescut în internate la rangul de onorabil funcționar la banca, îmbrăcat în costum și dotat cu birou și cărți de vizită, și apoi la cel de ultra-bogătaș, proprietar de blocuri rezidențiale de lux și membru al cercurilor economice și politice care rezolvă orice problema cu un telefon și mai ales cu bani. Momentul tranziției sale este surprins într-un episod bine creionat:

‘M-am apropiat și am văzut mii de peșțișori înotând, în apă, peşțişori despre care ulterior am aflat că se numesc Garra rufa. Ei sunt renumiți pentru apetitul lor pentru pielea uscată. Iar un tip masiv, care părea a fi slav, se tot fâțâia pe platformă, dar în aşa fel încât picioarele să-i fie scufundate în apă. Mii de Garra rufa se întreceau pentru pielea uscată de dintre degetele lui, ciugulindu-i gleznele şi înghesuindu-se să-l atingă. Iar tipul stătea acolo ca Stalin, uitându-se la piscină cu o privire victorioasă. Alți doi oameni s-au aşezat pe platformele de deasupra celorlalte două căzi, iar, în numai câteva minute, s-a format o coadă de clienți care aşteptau să fie serviți de peșți. Tot ce-ți rămâne de făcut e să te distanțezi de o asemenea congregație de idioţi. Dar, dintr-un motiv sau altul, atracția mulţimii faţă de pești mă fascina. Primul meu gând a fost că oamenii care alcătuiau mulțimea aceea semănau mult cu Garra rufa: Migrau în bancuri, erau uşor de distras, înghesuiți într-un hotel, simţindu-se ca stăpânii mării, ciugulind brânzeturi cu gust de piele uscată şi comportându-se ca niște fețe regale. Şi eu, ca un Garra rufa, mă simțeam bine, confortabil şi sătul în timp ce lucram pe post de consilier bancar, în timp ce, în esenţă, nu eram decât un peşțişor care ciugulea pielea uscată de pe picioarele unor conducători precum Konfino, Ratzon şi Benayahu. Deodată, mi-am dat seama că singura mea șansă de a mă simți mulțumit era să stau pe marginea căzii și să-i urmăresc pe peşțişorii precum Konfino şi Benayahu luptându-se pentru pielea uscată de pe tălpile mele. Mi-a devenit limpede că nu puteam schimba lumea şi că eram nevoit să accept idioţenia locuitorilor ei că pe un dat. Eu eram acela care trebuia să decidă dacă voia să rămână în continuare un peșțișor mâncător de piele uscată.’ (pag.255-256)

Este vorba aici și despre cofruntarea dintre Israelul pragmatic și materialist, care a propulsat țara în ultimele decenii la rangul de putere capitalistă, tehnologică și economică și de Israelul idealist, sentimental și boem reprezentat de Talia, de tatăl ei, de Tobias. Victoria sociala a lui Noah Kenny este umbrită de eșecul sau emoțional. Nu este vorba despre un șablon de genul “banii nu aduc fericirea” ci despre o imposibilitate de a-și realiza trăirile în relațiile cu cei care contează pentru el în absența unui sistem de referință moral și de eșecul înțelegerii celor care se află în jur și care nu se supun normelor sociale. Eșecul său este oglindit de un episod care i se întâmplă fiului său, Yotam, cu o generație mai târziu.

‘Se gândește la motivele acestei înfrângeri. Oare pentru că Emil e mai mare cu câţiva ani decât el? Emil e mai frumos? În sufletul lui, știe că toate aceste motive sunt insignifiante. Emil e pur și simplu mai liber. Despre asta e vorba. Emil îşi croieşte drum prin lume fără cămașă, fără slujbă, fără vinovăţie. În timp ce el? El nu-și va scoate niciodată cămașa. Probabil că Emil merge la mare în fiecare zi. În timp ce el? Masteratul în administrarea afacerilor îl aşteaptă cu brațele deschise. Şi deodată se identifică cu tatăl său, care a fost înfrânt de Tobias. Pentru că toată viața lui s-a străduit să-i întoarcă spatele acelui străin care își târşâia picioarele prin casă, iar acum e forţat să îşi dea seama cât de mult îi seamănă. Care erau şansele tatălui său în fața bărbatului bronzat, fără cămașă, din Wadi Nisnas? Şi ce putea face el în competiția cu Emil? Exact ca tatăl lui, şi el ar fi fost părăsit de către mamă, de dragul poetului. Dacă nu s-ar fi îmbolnăvit, oare s-ar fi mutat aici? (,,Nu spune asta, iubirea mea, știi că nu e aşa.”). (pag. 376-377)

Observați și dialogurile mute, cu fraze nespuse, care crează un plan paralel al interacțiunilor dintre personaje. Destinele întrețesute dar care par să împărtășească episoade comune sau asemănătoare, care îi aproprie pe eroi, îi vor captiva pe cititorii cărții. Există în roman și episoade cu atmosferă detectivistă și două sau trei cadavre rezultate din morți suspecte, dar niciunul dintre aceste mistere polițiste nu este clar elucidat. Ultima parte a cărții expune un fals jurnal de călătorie. Yaniv Itzkovits pare a jongla cu genurile literare și a-și purta cititorii pe piste care nu duc nicăieri, tocmai pentru a sublinia în final un mesaj umanist și profund emoțional. Pentru a explicita mesajul folosește cuvântul ebraic biblic ‘hesed’ care are interpretări multiple printre care milostivenie, îngăduință și compasiune. În cuvintele unui alt mare prozator, român: “Daca dragoste nu e, nimic nu e”. În cuvintele eroilor acestei cărți:

‘Mângâie capul acoperit de păr des al bărbatului şi-l îmbrăţişează, simțind mirosul respirației şi al transpirației lui, după care îi şopteşte la ureche. (“Jeremy, ascultă-mă. Locul ăsta nu e pentru tine, nu vezi asta? Uită-te la tine. Nu există nici o hesed aici. Trebuie să pleci.”)

– Ce e aceea hesed, domnule?

– Hesed înseamnă îngăduință, iar îngăduința e ceva complicat.’ (pag.413)

Câteva cuvinte despre traducere. Am apreciat alte versiuni românești ale unor cărți traduse de Ioana Petridean. De data aceasta am avut destule momente de ridicare din sprâncene. Încep de la folosirea – conform paginii de titlu – a unei versiuni în limba engleză a cărții. Este vorba, poate, despre o traducere ‘oficială’ pusă la dispoziție de editori sau distribuitori traducătorilor care nu cunosc limba ebraică. De ce este însă nevoie de a traduce din alte versiuni decât cea originală în ebraica, în condițiile în care există zeci sau sute de mii de vorbitori ai ambelor limbi în lume și câțiva traducători foarte buni între cele două literaturi printre ei? Nu stiu dacă stângăciile de exprimare și inexactitățile în traducerea numelor unor instituții se datoresc traducerii primare sau celei secundare, dar în unele locuri nu am putut să nu observ câțiva ‘falși prieteni’ (‘false friends’) evidenți. Păcat.

Evoluția lui Yaniv Iczkovits continuă. El este astăzi printre vocile clare și cunoscute în lume. Editura Humanitas-fiction, cea care l-a publicat pe Amos Oz într-o colecție dedicată de autor, are șansa să-l fi descoperit pe Iczkovits în primăvara carierei sale literare. O colecție similară ca valoare pare a se construi în timp. ‘Nimeni nu părăsește Palo Alto’ este o carte complexă și interesantă, o imagine mozaic a experienței israeliene. Nu o ratați.

Iar eu, acum, mă pregătesc să vizionez serialul de televiziune bazat pe această carte.

Articolul a apărut inițial in Revista Familia din Oradea.

sursele imaginilor: https://humanitas.ro/humanitas-fiction/carte/nimeni-nu-paraseste-palo-alto; https://www.cfhu.org/news/webinar-the-cfhu-book-club-a-conversation-with-author-yaniv-iczkovits/

Posted in books | Tagged , , | Leave a comment