Lectură de vacanță (carte: Susana Fortes – Septembrie poate aștepta)

Sincer să fiu, nu stiu exact ce înseamnă ‘literatură de vacanță’ (sau ‘literatură de plajă’ cum le place unora să spună, uitând că vacanțele nu se petrec neapărat la malurile marilor). Eu când plec în vacanță îmi adun câteva dintre cărțile cărora le-a venit rândul la lectură, având grija să las loc în bagaj și pentru ceea ce voi cumpără pe drum. Amestecul de genuri, stiluri, scriitori este la mine identic cu ceea ce citesc în restul timpului. Singurul criteriu care este poate diferit este evitarea edițiilor voluminoase și cartonate, căci, ați ghicit, am rămas unul dintre acei cititori care se încăpățânează să citească ediții tipărite pe hârtie (și, oroare, să le mai și adnoteze!).

sursa imaginii https://humanitas.ro/humanitas-fiction/carte/septembrie-poate-a%C8%99tepta

Să admitem însă că genul există și să adoptăm definiția multora. Ar fi deci vorba despre cărți mai ‘ușoare’ la lectură, gen romane de aventuri sau povestiri romantice, intrigi detective sau introspecții în istorie cu lecții pentru prezent, bine scrise, reușind să stârnească interesul de la primele pagini și să-l păstreze până la ultimele. Cu alte cuvinte literatură beletristică bună, fără a evita genurile ‘lejere’ și fără a ne complica vacanțele cu viziuni pesimiste sau cu exerciții de imaginație macabre. Dacă acest gen există și dacă ar trebui să recomand o carte pentru cele și cei care abia acum pleacă în concedii sau pentru cei care s-au întors dar vor să rămână în atmosfera și starea de spirit a vacanțelor, atunci romanul scriitoarei spaniole Susana Fortes (născută în 1959) ‘Septembrie poate aștepta’, apărut în 2019 în colecția Raftul Denisei a ‘Editurii Humanitas fiction’ în traducerea Corneliei Rădulescu este un candidat excelent. La fel ca și romanul precedent al scriitoarei publicat în aceeași colecție (‘Iubirea nu e un vers liber’) este vorba despre o combinație câștigătoare de roman istoric, enigmă polițistă și poveste romantică scris de o romancieră care stăpânește bine uneltele meseriei și le utilizează fară ostentație, spre delectarea cititorilor.

Cartea este dedicată nominal unui triplet de femei pe care autoarea le numește ‘căpitănese’ – femei care au curajul și forță morală de a-și lua soarta în mâini și de a-și crea un drum în viață în locuri și în perioade de timp (incluzând contemporaneitatea) în care egalitatea în drepturi și în oportunități a femeilor cu bărbații nu este încă o cauză totalmente victorioasă. Autoarea cărții este o tânără literată spaniolă pe nume Rebeca Aldan, beneficiară a unei burse de doctorat care îi va permite să petreacă șase luni la Londra pentru a investiga viață și opera unei misterioase scriitoare engleze pe nume Emily J. Parker. După ce se lansase cu un volum de povestiri despre perioada războiului în Londra bombardată, și după ce publicase un prim roman inedit și de calitate, apreciat de critică dar fară mare succes de public, Emily J. Parker dispăruse pur și simplu la 8 mai 1955, în ziua când în Londra și în întreaga Europă se aniversa un deceniu de la sfârșitul celui de-al doilea război mondial. Ultima dată fusese văzută în centrul capitalei engleze, în mulțimea care ieșise să sărbătorească evenimentul.

‘Nimic nu se întâmplă pur și simplu. Și nu mă refer la marile enigme ale naturii pe care nimeni nu a reușit să le dezlege până în ziua de azi, ci la lucruri mărunte, de pilda a umbla prin casă, a te îndrăgosti, a-ți fi frica de întuneric sau a scrie un roman. Lucruri care au o motivație, răspund la ceva. Ceva ce se aplică și altor fapte aparent inexplicabile. De exemplu, nimeni nu poate dispărea de pe fata pământului ziua în amiaza mare fară să lase nici o urmă.

Acesta era misterul care mă preocupa. Un mister cu nume și prenume. Emily J. Parker. O scriitoare engleză de după război, necunoscută marelui public, dar considerată una dintre romancierele cele mai enigmatice și promițătoare din epoca sa, care în primăvara anului 1955 a dispărut din plin centru al Londrei, unde se întretaie Charring Cross cu Trafalgar Square, fără că nimeni să mai știe ceva de ea. Ăsta nu putea fi mersul vieții. Trebuia să fie ceva mult mai complicat.’ (pag. 10-11)

Se poate observa măiestria cu care Susana Fortes stabilește contextul și trezește interesul cititorilor. Care este explicația dispariției lui Emily J. Parker? Era legată poate de activitatea ei în celebrul Bletchley Park unde în timpul războiului o echipă de matematicieni (printre care și Alan Turing) și militari lucrau pentru descifrarea mesajelor codificate ale inamicului? Sau poate este dispariția ei consecința relațiilor complicate cu doi dintre bărbații care participau la proiect, dintre care unul îi devenise soț? Are legătură intriga polițistă și de spionaj cu creația artistică a scriitoarei și poate fi găsită cheia în literatura ei? De fapt, atracția povestitoarei față de destinul scriitoarei engleze plecase de la literatură, dar în timp deviase în alte direcții:

‘A pătrunde în lumea lui Emily J. Parker era pentru mine un fel de a bate la ușa casei în care m-am născut. Căci asta cred însemna să-i citesc scrierile: să revin undeva. Cuvintele scoteau scântei, aveau electricitate, precum rugurile, stâlpii de lumină sau anumite animale noaptea. Nu numai că-mi aprindeau imaginația, dar îmi trezeau un mecanism obsesiv de a căuta indicii, de a găsi cărarea presărată cu firimituri de pâine pe care autoarea o marca în textele ei cu urmele pe care le lasă dragostea adevărată sau altă catastrofa de același soi. Câteodată, destul de rar, lectura iți oferă o astfel de recunoaștere. E vorba de ceva aproape invizibil, irațional și instinctiv. De o săgetare de care nu scapi ușor.’ (pag. 39-40)

Literatura feminină și feministă? Desigur, în măsura în care scriitoarea și eroinele sale sunt femei și în care destinul femeilor în perioade diferite ale istoriei și în prezent reprezintă una dintre temele principale. Literatura inteligenta, aș adaugă eu, lipsita de ostentația sau retorica menite să creeze o reacție de respingere din partea celor cărora aceste teme nu le sunt neapărat dintre cele mai importante. Exista destule alte motive care să-i satisfacă pe lectorii amatori de genuri literare. Plasarea acțiunii în Anglia din timpul Blitz-ului și din deceniul de după cel de-al doilea război mondial și faptul că eroii cărții sunt implicați în activitățile serviciilor secrete plasează romanul Susanei Fortes într-o categorie vecina bunei literaturi engleze cu eroi angrenați în războaiele din umbră, punându-și în pericol nu numai viețile ci și conștiințele.

‘Cu cât mai apropiam mai mult de personaj cu atât mai mult se modificau punctele mele de interes. Și nu era vorba doar de o chestiune de fascinație literară. Opera ei trecuse de-acum în planul al doilea. Era vorba de ceva mult mai imperios. Aveam nevoie să înțeleg. Era o chestiune personală, căci nimeni în afară de mine nu poate satura monstrul curiozității mele odată ce el s-a trezit. Trebuia să aflu ce se întâmplase. Ei, lui Emily J. Parker. Orice-ar fi fost.’ (pag. 114)

Rebeca Aldan, eroina cărții se identifică pe măsură ce avansează în cercetare (și cititorii cărții în lectură) cu Emily, eroina sa. Putem trasa o paralelă și între autoarea cărții și eroinele sale? Orice răspuns implică o doză de speculație. Cert este că regăsim în carte elemente care ar putea suna ca auto-biografice și, desi acțiunea este plasata în Anglia, răsună în roman și ecourile istoriei spaniole paralele, tema principală a celorlalte cărți ale Susanei Fortes. Există și o intrigă secundară legată de viață personala a povestitoarei, care nu are o pondere importanta în rezolvarea enigmei dar care furnizează context și contrapunct narativ, evitând ca relatarea anchetei literar-istorice să devină prea seacă.

Transpare din carte și dragostea autoarei (transferată eroinei sale) pentru Londra. Cunosc și eu destul de bine orașul acesta, pe care l-am întâlnit tot ca vizitator. Am recunoscut în descrieri nu numai locuri ci și atmosfera și oamenii. Aș putea spune că Susana Fortes reușește să schițeze portrete care capătă viață, fie că este vorba despre bătrânul profesor Whelan, îndrumătorul proiectului ei și martor cheie la o parte din evenimente, despre menajera acestuia, doamna Griffith, despre doamna Bartholomew, gazda eroinei, sau chiar despre Timothy Gordon, motanul acesteia (felinele engleze de casă au nume proprii și de familie, aflu cu această ocazie). În caracterizările lor descifrăm elemente ale tipologiei engleze care sunt suprapuse pe amintiri ale biografiei personale, personaje din familie sau din trecutul povestitoarei. Anglia și Spania natala nu încetează în niciun moment să acționeze ca un tandem de referință culturală și istorica.

GIE4939004 Portrait of Susana Fortes, Spanish writer. Photography May 2008.; (add.info.: Portrait of Susana Fortes, Spanish writer. Photography May 2008.); Photo © Effigie. sursa imaginii https://www.bridgemanimages.com/en-US/noartistknown/portrait-of-susana-fortes-spanish-writer-photography-may-2008/photograph/asset/4939004

O observație interesanta legat de stilul narativ. Eroinele cărții aparțin lumii literare și m-aș fi așteptat, ca cititor, să abunde referințele literare. Ele sunt prezente într-adevăr dar nu și dominante. În schimb sunt presărate peste tot referințele cinematografice. Pentru a-și caracteriza personajele sau a descrie situații, Susana Fortes îi cheamă în ajutor printre alții pe Natalie Portman, John Wayne, Greta Garbo, Ingrid Bergman, Matthew McConaughey, Susan Sarandon, Geena Davis, Anthony Hopkins. Este vorba poate despre o reverență adresată culturii populare căreia îi aparține, în definitiv, și această carte. Întrebarea este dacă autoarea însăși respecta întotdeauna un principiu literar pe care îl enunță unul dintre eroii cărții: ‘ … un scriitor bun se salvează mai curând prin ceea ce trece sub tăcere decât prin ceea ce scrie.’

Periplul londonez al eroinei începe într-un februarie înghețat, în care eroina venită din Spania se confruntă cu iarna londoneză și chiar cu o ninsoare atipică. Ar fi un bun contrapunct meteorologic dacă ați decis să începeți să citiți această carte pe o plajă sau în alt loc de vacanță în această vară fierbinte. Oricum și oricând veți începe ‘Septembrie poate aștepta’, sunt toate șansele să aveți plăcerea unei lecturi antrenante, cu mister și istorie amestecate cu romantism și nostalgie. Literatură de vacanță? Poate. Literatură de calitate? Desigur.

Posted in books | Tagged , , , , | Leave a comment

CHANGE.WORLD: Telegrame

Internetul nu este prima rețea globală de comunicații din istoria omenirii. Telegrafia a furnizat, începând de la mijlocul secolului al XIX-lea, ceea ce azi numim servicii de mesagerie textuală prin legături punct-cu-punct (unicast), extinzându-se treptat până la a asigura o acoperire globală. Sistemul a fost folosit vreme de mai bine de o sută de ani, aducând mici revoluții în domenii diverse cum erau cele ale difuzării internaționale a știrilor, tranzacțiilor comerciale și financiare și comunicațiilor personale. Efectele telegrafiei și oamenii care au făcut-o posibilă au constituit și o temă literară, reflectată și în marea literatură de la Dickens la Caragiale, dar dând naștere și unui gen minor și aproape uitat astăzi – literatura de telegraf. În răspândirea acestui mod de comunicare și în literatura generată de el găsim multe elemente care prezic cu mai bine de un secol în avans ceea ce se va întâmpla pe Internet. De fapt, nimic nou sub soare?

(sursa imaginii: smithsonianmag.com/arts-culture/how-the-telegraph-went-from-semaphore-to-communication-game-changer-1403433/)

Principiul transmiterii informației prin cabluri conducătoare de electricitate era cunoscut din secolul al XVIII-lea. Telegrafia lega această descoperire științifică cu vechea metodă, cunoscută din antichitate, de transmitere a știrilor (despre fenomene naturale sau despre dușmani invadatori) prin stații de retransmisie (relee) succesive. 1837 poate fi considerat anul de naștere oficial al telegrafiei, acesta fiind anul în care, în paralel și independent, au fost înregistrate primele patente în acest domeniu în Marea Britanie și în Statele Unite. Inventatorii britanici William Fothergill Cooke și Charles Wheatstone au obținut un brevet pentru un sistem de telegraf care folosea șase fire și acționa cinci indicatori cu ace, atașați la cinci galvanoscoape la receptor. Când curenții treceau prin firele potrivite, acele indicau litere și numere pe panoul de recepție. În Statele Unite, încă din 1832, Samuel F.B. Morse, profesor de pictură și sculptură la Universitatea din New York, studiase posibilitatea telegrafiei electrice și făcuse schițele unui astfel de sistem. În 1835, el a inventat sistemul de puncte și liniuțe pentru reprezentarea literelor și cifrelor care avea să devină ‘codul Morse’. În 1837, i s-a acordat un brevet pentru un telegraf electromagnetic. Sistemul său era mai economic decât cel britanic, deoarece folosea mai puține fire, și mai practic, pentru că imprima rezultatele recepției pe o bandă de hârtie. Prima demonstrație a sistemului de către Morse a fost efectuată pentru prietenii săi la locul său de muncă, în 1837. În 1843, Morse a obținut sprijin financiar de la guvernul SUA pentru a construi un sistem telegrafic demonstrativ de 60 km (35 mile) între Washington, D.C., și Baltimore. După ce sistemul telegrafic continental a fost desfășurat cu succes în America, de la Atlantic la Pacific, primul cablu de telegrafie intercontinentală a fost instalat în anii 1865-1866, în Oceanul Atlantic, între Statele Unite și Anglia (și, în continuare, spre Europa). Organizația International Telegraph Union (ITU) a elaborat și primele standarde în domeniu, care acopereau atât detaliile tehnice ale transmisiei și recepției electromagnetice, cât și extinderea codului Morse în direcția internaționalizării. Au apărut și primele publicații tehnice de specialitate în acest domeniu care purtau titluri ca ‘Telegrapher’, ‘Journal of the Telegraph’, ‘Operator’ și ‘Electrical World’.

(sursa imaginii: maritimeprofessional.com/blogs/post/ss-great-eastern-13337)

Instalarea primului cablu transatlantic a fost făcută în mare parte de nava SS Great Eastern, considerată una dintre minunile tehnologice ale celei de-a doua jumătăți a secolului al XIX-lea. Asamblată la șantierele navale Millwall Iron Works de pe râul Tamisa, lângă Londra, a fost cea mai mare navă construită vreodată la momentul lansării sale din 1858 și avea capacitatea de a transporta 4 000 de pasageri din Anglia și Australia fără realimentare. Ca dimensiuni, a dominat tot restul secolului, o navă mai lungă fiind lansată la apă abia în 1899, și tonajul fiind depășit abia la începutul secolului XX. În 1865, devenise proprietatea antreprenorului american Cyrus West Field (1819 – 1892), întemeietorul firmei American Telegraph Company. Voiajele lui SS Great Eastern din anii 1865 și 1866 combinau sarcinile tehnice de plasare a cablului submarin pe fundul oceanului cu voiaje de plăcere la preturi pe care și le permiteau doar cei înstăriți. Turismul maritim a anticipat deci turismul cosmic. Printre alte facilități de lux, la bordul navei exista o tipografie și se tipărea un ziar, care îi ținea la curent pe pasageri cu știrile internaționale la zi, primite prin telegrafie prin cablu. După instalarea cablurilor intercontinentale, transmisia știrilor pe cablu avea să devină ceva obișnuit, dar navele în mișcare pe rute de lungă distanță vor trebui să mai aștepte decenii invenția transmisiilor radio (broadcast), pentru a beneficia de servicii similare celor oferite în 1865-66 pasagerilor de pe SS Great Eastern.

(sursa imaginii: https://ethw.org/File:Telegraph_operating_room_0634.jpg)

Apariția și răspândirea telegrafiei a dat naștere și unei noi meserii – operator de telegraf sau, mai simplu, telegrafist. În America de Nord și, mai ales, în centrele urbane, această meserie a fost îmbrățișată în majoritate de femei. Se poate specula în legătură cu motivele, dar este vizibil că acestea sunt legate de criza de forță de muncă succesivă Războiului Civil american (fenomene similare vor apărea și după marile conflagrații ale secolului XX) și faptului că este vorba despre o profesie care nu cere forță fizică, dar solicită atenție, reziliență, precizie și… discreție. În scurtă vreme, telegrafistele (‘telegraph girls’) vor deveni și eroine ale culturii populare și se va naște un gen literar numit literatura telegrafică (‘telegraphic literature’). Termenul îi este atribuit lui William John Johnston, un fost telegrafist la Western Union, care devenise editor al jurnalelor ‘Operator’ și ‘Electrical World’. În cadrul acestora începuse să publice literatură scrisa de operatorii de telegrafie, care în majoritatea lor erau operatoare. Printre titlurile și autoarele populare în epocă: romanul ‘Wired Love’ de Ella Cheever Thayer și colecțiile de povestiri ‘Playing with Fire’ de Lida Churchill și ‘Wooing by Wire’ de Josie Schofield. Publicul a fost atras de această combinație de subiecte care aduceau împreună progresele științifice și pericolele acestora, emanciparea economică și socială a femeilor și, mai ales, melodrame sentimentale. Operatoarele anonime din camerele telegrafelor deveniseră și ele eroine ale acestei literaturi. Problemele legate de anonimat par a anticipa povești pe care le savurăm în secolul XXI despre neînțelegerile și capcanele legăturilor înfiripate prin comunicările sub pseudonim, nu rareori complicate de falsurile identitare legate de gen sau vârstă.

(sursa imaginii: https://fritzfreiheit.com/wiki/Wired_Love)

Cine erau autoarele de succes ale acestui gen literar? Lida Churchill a fost una dintre personalitățile cele mai interesante, ca scriitoare și ca activistă socială. Printre experimentele sale literare, se află capitole scrise în cod Morse și folosirea de cuvinte trunchiate pentru transmisia telegrafică a noțiunilor și sentimentelor (o anticipare a stilului internetic care a generat expresii precum ‘lol’, ‘imo’ sau ‘me2’). După ce a părăsit meseria de telegrafistă, a devenit ziaristă și scriitoare de succes la New York și adeptă a curentului social-religios al spiritualismului, publicând câteva cărți de ‘self-improvement’. A refuzat să devină proprietară, locuind toată viață în apartamente închiriate. Nici Lida Churchill și nici Ela Cheeve Trayer nu s-au măritat, deși eroinele cărților lor trăiau povești imaginare de dragoste, pline de pasiune. Mai tragică este povestea vieții și morții lui Josie Schofield. Canadiană la origine, se transferase la New York în 1877. La scurt timp după aceea, s-a sinucis, aruncându-se în vâltoarea cascadei Niagara, nu înainte de a-i trimite logodnicului care o aștepta la Toronto o ultimă telegramă cu următorul conținut: ‘Trenurile nu se conectează. Nu pot ajunge acasă în seara asta. Înnebunesc.’ O simplă legătură de tren pierdută care declanșase sau accelerase o criză personală? Sau ceva mai important și mai simbolic, legat de statutul social câștigat prin muncă grea de aceste femei singure, de multe ori în detrimentul vieții personale, cu prețul izolării și al singurătății?

(sursa imaginii: https://www.caravanafilm.ro/telegrame.aspx)

Prima linie telegrafică pe teritoriul actual al României a fost instalată în 1852, când Timișoara, devenită cu scurt timp înainte capitala provinciei imperiale austro-ungare Banatul Timişan şi Voivodina Sârbească, a fost legată de Viena. Au urmat extinderea pe traseul Viena-Timişoara-Sibiu-Alba Iulia-Cluj, finalizată în anul 1853, și linia telegrafică interurbană din Muntenia, Bucureşti – Giurgiu – Rusciuc, construită în perioada 1854-1855 și inaugurată la 10/22 martie 1855. Legătură telegrafică internațională a Principatelor cu restul Europei a fost realizată la sfârșitul anului 1855, prin inaugurarea liniei dintre Iași și Cernăuți (oraș aflat atunci sub stăpânire austro-ungară și legat deja telegrafic de Viena). Dacă literatura română nu a avut (din câte știu) o literatură telegrafică scrisa de telegrafiste, ea se poate mândri însă cu o capodoperă – schița ‘Telegrame’ a lui Ion Luca Caragiale, compusă dintr-o succesiune de mesaje telegrafice. Avem aici o perfectă stăpânire și utilizare creativă a stilului telegrafic, intrigi politice și amoroase cu savoare balcanică și expresii geniale care au intrat în tezaurul umorului românesc precum ‘se duce dracului giudețul’ sau ‘pupat toți piața endependenți’. Mai puțină melodramă și mai multa farsă. “Que voulez-vous, nous sommes ici aux portes de l’Orient, où tout est pris à la légère… „ cum zice citatul lui Raymond Poincaré, folosit ca motto de celălalt Caragiale.

(Articolul a apărut iniţial în revista culturală ‘Literatura de Azi’ – http://literaturadeazi.ro/)

Posted in change.world | Leave a comment

De la arheologie la arta viitorului

Două evenimente culturale ale lungii și fierbinții vere israeliene au prilejuit o legătură interesantă între arheologia românească și șantierele și descoperirile arheologice din ultima sută de ani și tendințele cele mai recente din artele plastice, cele care trasează direcțiile artei viitorului. Liantul comun al celor două manifestări este arta digitală.

Primul eveniment a avut loc joi, 4 august, la sediul din Tel Aviv al Institutului Cultural Român. Este vorba despre o seară culturală care face parte dintr-o serie intitulată „Pagini de istorie”, dedicată școlii românești de arheologie. Evenimentul, intitulat „Misterioasa lume a arheologiei – conexiuni româno-israeliene”, a debutat prin conferința „Arheologia și școala de arheologie din România” a reputatului profesor universitar Silviu Sanie, istoric și arheolog român.

Pe parcursul prezentării, Silviu Sanie a vorbit despre evoluția arheologiei și importanța acesteia în cercetarea istorică din România, subliniind rolul deosebit al unor personalități precum Alexandru Odobescu, Grigore Tocilescu și Vasile Pârvan. După cum a prezentat profesorul Sanie, Academia Română și Muzeul Național de Antichități (fondat în 1864) au susținut săpăturile arheologice și valorificarea corespunzătoare a rezultatelor. Un moment de vârf l-a constituit fondarea Școlii Române de la Roma, acțiune prin care Vasile Pârvan a înlesnit afirmarea arheologiei și arheologilor români pe plan european.

„Accademia di Romania a fost și este o instituție ce a dat țării personalități care, prin contribuția lor, au făcut ca atât activitățile de pe șantiere, cât și revistele de specialitate și învățământ să fie la cel mai înalt nivel” – a afirmat Silviu Sanie, menționând nume precum Constantin Daicoviciu, Emil Condurache, Dionisie M. Pippidi, Vladimir Dumitrescu, Ioan I. Rusu, Dumitru Tudor, Mihail Macrea, Dinu Adameșteanu, Grigore Florescu, Paul Nicorescu, G. G. Mateescu, Hortensia Dumitrescu și Ecaterina Vulpe. Mulți dintre aceștia au format generații de specialiști de renume în domeniile arheologiei și istoriei. Revistele și Muzeele Naționale, ca și unele muzee județene, stau mărturie a deosebitei calități a dezvoltării școlii de istorie și arheologie românești.

În ceea ce privește conexiunile româno-israeliene, Silviu Sanie a subliniat schimburile inter-academice și universitare, cât și activitatea în Israel desfășurată de Ivan Ordentlich și Nicolae Ghidioșan (doi specialiști în Epoca Bronzului) și de regretatul clasicist Moshe Fischer. S-a menționat și succesul deosebit la Iași al unui alt clasicist, Asher Ovadiah – cu conferința ‘Mozaicurile din Tara Sfânta’. Materialele video prezentate au ilustrat conferința într-o manieră dinamică.

Manifestarea a continuat cu vernisajul expoziției de mixed media „Origini – replică fanteziei antice”, a artistului israelian de origine română, Andy Ceaușu, care a făcut o prezentare interactivă a lucrărilor expuse. Am avut plăcerea și onoarea de a modera acest dialog la invitația prietenului meu Andy. Dialogul a plecat de la interesul artistului pentru istorie, în general, și arheologie, în special, a continuat cu informații despre felul în care s-au născut unele dintre lucrările din expoziție, și cu aprecieri despre legătura dintre obiectele create de vechile civilizații, aduse la lumină de săpăturile arheologice și arta modernă.

Senica Țurcanu, șef al Muzeului de Istorie a Moldovei din Iași, a transmis un mesaj de apreciere a expoziției: „Autorul reinterpretează într-o manieră originală, uneori plină de umor, alteori mai serioasă – dar întotdeauna utilizându-și din plin imaginația – motivele decorative geometrice sau abstracte ale culturii Cucuteni, într-o cheie modernă, personală. Dar imaginația artistului nu se limitează doar la temele ornamentale ale culturii Cucuteni, ci se îndreaptă și spre aurul dacilor. Spiralele și meandrele, ceramica și statuetele, piesele de prestigiu din aur sunt filtrate și transformate de fantezia artistului Andy Ceaușu. (…) Parcurgând și savurând pe îndelete expoziția, suntem imersați în misterioasa lume a arheologiei, dar rămânem conectați la timpul prezent dintr-o perspectivă plină de umor și în contextul vremurilor ciudate pe care le trăim.”

Expoziția ar fi trebuit să fie inaugurată la Iași în mai 2020, dar planurile au fost stricate de pandemie, ca multe altele din anii precedenți. Să speram că va ajunge în România în anii următori, la Iași și poate și la Piatra Neamț, care găzduiește frumosul Muzeu de Artă Eneolitica Cucuteni. Fiecare lucrare este, de fapt, un diptic, în care sunt suprapuse două panouri: unul realizat prin tehnicile clasice ale desenului și celălalt o prelucrare digitală a reprezentării acelorași obiecte provenind din descoperiri arheologice de pe teritoriul României, acoperind perioade istorice de la neolitic, trecând prin culturile scitice și getice, perioada elenistică, până la tezaurele populațiilor migratoare vizigote sau ostrogote. Refolosirea motivelor geometrice vechi este o recurență în istoria artelor plastice. Andy Ceaușu pleacă de la o linie sau o formă veche și îi găsește utilizări echivalente în prezent. Artistic și ideatic este vorba despre un dialog permanent, fiecare lucrare fiind o punte între trecut și prezent, între utilizarea antică a formelor și semnificațiile lor moderne. Tehnica digitală amplifică puterea de expresie a desenelor născocite de imaginația artistului.

În ziua următoare am vizitat împreună cu un grup de prieteni expoziția TOMORROW, deschisă în spațiile Muzeului de Artă Israeliană din Ramat Gan. Acest muzeu, situat într-unul dintre orașele satelit ale Tel Aviv-ului, a fost înființat în 1987 și a trecut în ultimii câțiva ani printr-o renovare semnificativă. S-a redeschis în iarna trecută, cu o expoziție care a produs un imens scandal, din cauza unei lucrări considerate provocatoare care avea ca subiect Ierusalimul. Primăria a intervenit, cerând scoaterea lucrării din expoziție, alți artiști s-au solidarizat cerând și scoaterea lucrărilor lor, și expoziția s-a închis înainte de termen. Are loc acum o reconsiderare a profilului instituției și, până atunci, primăria din Ramat Gan a împrumutat spațiul muzeului expoziției TOMORROW, o expoziție mai comercială, dar care prezintă câteva tendințe foarte interesante ale artei moderne și pune întrebări legate de însuși conceptul de muzeu și despre interacțiunea în prezent și în viitor a artiștilor (mai ales a celor care creează artă digitală) cu publicul.

Una dintre direcțiile prezentate este cea a expozițiilor imersante, în care vizitatorul intră într-un spațiu în care sunt proiectate lucrări ale unor artiști cunoscuți, însoțite de muzică și efecte de lumini. Două astfel de spatii sunt dedicate în muzeu artei ‘De la Monet la Kandinsky’ (impresionism, post-impresionism, cubism, arta abstractă) și lui ‘Gustav Klimt și perioadei Art Nouveau. Mărturisesc că nu sunt un mare suporter al acestui gen de vizite imersive, dar dacă ele reușesc ca poartă de intrare și material de introducere să contribuie la lărgirea publicului amator de artă, cred că sunt pozitive contribuțiile lor. Mă sperie însă ideea că acesta va deveni cândva modul prioritar de receptare al artelor plastice.

În continuare, am vizionat un experiment Virtual Reality (VR) vizibil cu ochelari speciali, opera artistului Julius Horsthuis, născut la Amsterdam în 1980 – un artist digital care a început să iubească filmul și videol la vârsta de 12 ani. De-a lungul anilor, a dezvoltat un interes pentru grafica computerizată, participând la realizarea unor filme precum „Manchester By the Sea”, câștigător a doua premii Oscar în 2017. În 2013, Julius Horsthaus a început să experimenteze medii fractale, creând o combinație unică între animația abstractă și cinematografică. Lucrările sale – dintre care una este prezentă acum la Ramat Gan – au câștigat rapid recunoaștere la nivel mondial.

Un alt spațiu este dedicat lucrărilor NFT-Non Fungible Token, prezentate pentru prima dată în Israel. Este vorba despre o colaborare internațională între Israel și Dubai, când în același spațiu, pe de o parte, vor fi prezentate lucrări alese și unice create de 20 de artiști internaționali care sunt expuși permanent la Teatrul de Artă Digitală – TODA – din Dubai și care au câștigat recent o mare popularitate pe piețele NFT, printre care: Baron Lantine, Artem Takach, Sergey Maslov, F3.Studio, Oleg Shomp, Dmitri Zaharov, Viktor Abramovski, David Arie și alții. De cealaltă parte a spațiului, la „Desperate ApeWives”, va fi prezentată o colecție de artă israeliană, digitală, populară, constând din 10 000 de lucrări NFT de box office concepute cu grijă, pentru a reprezenta femei și stiluri influente și emblematice din istorie și din cultura pop. Lucrările inspirate de Paris Hilton, Chiara Fargani, regina Angliei, Kylie Jenner, Wonder Woman, Marilyn Monroe, Cleopatra și altele sunt cele mai rare din colecție. Fiecare lucrare este unică, generată algoritmic din peste 218 caracteristici desenate manual și clasată, în ceea ce privește raritatea colecției, de la 1 la 10 000. De exemplu, Mona Lisa, a cincea cea mai rară piesă, s-a vândut cu 87 Ethereum, aproximativ 400 000 de dolari la momentul vânzării.

Curentele digitale prezentate în expoziție sunt dintre cele mai populare în prezent. Vizionările imersive, experiențele VR, și produsele NFT sunt acum ‘pe val’ într-o piață a artei digitale aflată în plină expansiune. Câte dintre ele se vor dovedi a avea o perenitate dincolo de capriciile modei și de permanenta reînnoire a versiunilor de software? Vom urmări și vom relata.

(sursa imaginilor – colectia autorului)

(Articolul a apărut iniţial în revista culturală ‘Literatura de Azi’ – http://literaturadeazi.ro/)

Posted in art | Tagged | Leave a comment

history in a court of law (film: Denial – Mick Jackson, 2016)

Most of British director Mick Jackson‘s films are TV productions. However, those who look at his filmography will find that among his few films for the big screen are two big Hollywood blockbusters: ‘The Bodyguard‘ (1992) and ‘Volcano‘ (1997). But these are exceptions. When he made ‘Denial‘ in 2016, Mick Jackson returned to a format more suited to television, although the film was intended for the big screen and ran in theaters. The BBC is also a co-producer. It’s a courtroom drama that tackles a topic that ostensibly belongs to history – the Holocaust and its deniers – but which is actually extremely current. We could even say that it became even more relevant after the release of the film, in a period of offensive of conspiracy theories and alternative truths. The film is based on a real case, one in which David Irving, the British author of several books about Hitler and Nazi Germany and a Holocaust denier, sued in the year 2000 the American historian Deborah Lipstadt for libel, because she had criticized his statements in a book, questioning his qualifications as a historian. Based on another book written by Lipstadt after the trial, and using the records and documents of the trial, ‘Denial‘ gained authenticity but at the same time had to face the risks of docudramas.

The film is divided into two parts: the preparation for the trial and the trial itself. Irving chose to sue in England because here, unlike in the United States and other parts of the world, the party accused of defamation must prove not only that its critical statements are accurate, but that there was an intention on the part of the criticized author to write untruths. Knowing the British judicial system well, the team of lawyers chosen by the publishing house Penguin who had published the book decided to adopt a surprising tactic. First, they accepted that the case should be tried before a single judge and not a jury. Second, they decided, unlike other similar trials, that Holocaust survivors should not be called to testify. Holocaust deniers would gain credibility that they did not deserve if they were allowed to question the facts related by the witnesses and further torment them in public, they argued. This tactic presented a dilemma for the heroine. It could be interpreted as an avoidance of confrontation and seemed to deny the victims their right to express themselves. In hindsight, legally, it proved to be the right tactic, but it also deprived the cinematic spectacle of some of the courtroom confrontations and the impact of direct testimony. To emotionally compensate in the story, the scriptwriters inserted a scene where the legal team visits the Auschwitz death camp. A professional visit for some of them (‘at the scene of the crime’), a dramatic confrontation with the past for others.

The film benefits from some exceptional acting performances. Rachel Weisz is sensitive and passionate in the title role, balancing personal involvement with a determination to bring the truth to light and a refusal to compromise. Tom Wilkinson gives substance and color to the role of the lead lawyer. The most outstanding acting performance, however, belongs to
Timothy Spall as David Irving. Negative roles are always difficult, even more so when it comes to a charismatic and intelligent individual who puts his qualities in the service of harmful ideologies. Spall manages to bring the character to life, to explain the fascination it generates for some, but also the reasons why any decent person must refuse to legitimize the actions of such characters. As one of the film’s characters says, when it comes to obvious, scientific or historical truths, there is no room for compromise and alternative opinions. Precisely in order to defend freedom of expression, truth must be separated from lies. Mick Jackson‘s ‘Denial‘ successfully pleads this case, to also borrow from legal vocabulary. A film for the big screen or for television? It is less important, as the important message reaches viewers in both distribution formats.

Posted in Holocaust, movies | Tagged , , , , , , , , | Leave a comment

the revenge of an ordinary man (film: Le vieux fusil – Robert Enrico, 1975)

Le vieux fusil‘, Robert Enrico‘s 1975 film has a glorious history, at least from the point of view of the Cesar awards that reward the best French films. It won the award for the best film of the year it was released, and ten years later it also won a Cesar of the Cesars, a kind of award for the ‘best of the best’ award-winning films. In perspective, the appreciation seems slightly exaggerated. The film fits well with a time when France looked nostalgically at the heroism of the Resistance and wanted to forget the collaborationism that had dominated the country politically for most of the war years. From an artistic point of view, the film has many qualities but also some aspects that have somewhat degraded with the passage of time.

It is an heroic story based on real events (even if they did not happen exactly as described in the film) from the summer of 1944. The Allies had landed in Normandy, the collaborationist regime was beginning to fall apart, the German occupiers were retreating. The doctor Julien Dandieu lived a quiet life with his beautiful wife Clara and their teenage daughter. When the situation in the town of Montauban where Julien practiced his profession became threatening, he sent his family to the family castle in a mountain village. Just there, however, a German platoon killed the entire population of the hamlet, including Julien’s family, in horrific circumstances. The moment he realized the horror of what happened, the peaceful doctor turned into a fierce avenger.

It can be speculated that Robert Enrico was influenced by the very fashionable revenge films of the time, with Clint Eastwood or Charles Bronson as protagonists. The theme is not alien to classic westerns either. Melodramatic and kind of sketchy? Maybe. The quality of the film derives from the fact that it manages to truthfully describe the traumatic psychological transformation that the hero goes through, from a peaceful citizen into a revenge machine, up to the extent of the horror that destroyed his family and his life. Constant flashbacks build the history of Julien and Clara’s relationship. The fact that it wasn’t a perfect marriage adds to the authenticity. Ordinary people can become vengeful killing machines under extreme conditions. The moral dilemma is not deepened but only suggested. Philippe Noiret and Romy Schneider deliver two of the solid performances of their careers. Narration is flawless. The filming location – a labyrinthine castle, the details of which are much better known to the owner than to the German occupiers – is excellently constructed as a set. The music, extremely discreet and expressive, belongs to Francois de Roubaix, a very talented film composer, who had managed to compose the music for over a hundred films by then, even though he was only 35 years old. It was his last film, as de Roubaix died in a scuba diving (his life’s hobby) accident in Tenerife shortly afterwards. One more reason to watch or re-watch ‘Le vieux fusil‘, a film that, even if it has lost some of its original brilliance, is very interesting in many ways.

Posted in movies | Tagged , , , , , , , | Leave a comment

best film about the life of Jesus? (film: Il vangelo secondo Matteo – Pier Paolo Pasolini, 1964)

Movies inspired by the life, trial, death (and sometimes resurrection) of Jesus Christ are a difficult cinematic genre. The events that took place in Judea in the year 30 (or 33 according to other historians) are described by the most famous book in human history, but the historical accuracy of the account in the Gospels is itself controversial. Each of the major directors who have tackled the subject in recent decades have seen their films enjoy success with audiences, but also criticized, sometimes by the church, sometimes by various interest groups, and in extreme cases even boycotted. Jesus continues to fascinate and generate passion when it comes to his reflection in art. A few hundred years ago, the great Renaissance master painters were confronted with its representation in images. In the last century, cinematographers took their place. Among them was Pier Paolo Pasolini, whose ‘The Gospel According to St. Matthew‘ (‘Il vangelo secondo Matteo‘) from 1964 I saw yesterday evening in a Pasolini retrospective at the local cinematheque. Paradoxically, it was this controversial director, for whom almost every other film was a scandal, who made a version of the life of Jesus that is considered almost canonical, being accepted by the majority of Christian believers, and even receiving several awards at film festivals including some awarded by Christian institutions. Viewers will notice that the film is made by an atheist Marxist, but also by a great filmmaker, who imposed his artistic and political vision and was at the same time respectful of the material from which he started – the Gospel according to Matthew.

Imagine that a documentary film crew had accompanied the earthly trajectory of Jesus from the moment of the Annunciation of his arrival until after the Resurrection. This is the style that Pasolini created to reproduce the events. The main source is the Gospel of Matthew and Pasolini can be said to be faithful both to its letter by using the text for sermons, dialogues and off-line comments and to its spirit by rendering the facts through the prism of Matthew’s vision, including problematic aspects today in historical perspective such as the role Jews in the condemnation and death of Jesus. Was Pasolini ideologically associated with the biblical message? Probably not, his subsequent films and positions prove that he remained true to his Marxist and atheistic principles. His talent, however, was put at the service of the biblical vision. The image has extraordinary expressiveness. Shots that can be considered to be inspired by Renaissance paintings alternate with table scenes and long shots shot with the mobile camera in the style of the French New Wave. As a setting for the drama taking place in Jerusalem, Galilee and the Judean desert, Pasolini chose to use the poor southern Italy of the time, in the province of Calibria. The mountain villages of this region naturally and unobtrusively represent Jerusalem and the other cities where the drama of the New Testament takes place. His actors are amateurs and the imagery using local residents gives extra authenticity. Only the costumes strike a somewhat dissonant note, but that effect is probably intentional as well (especially in the opera-like costumes of the Temple priests). A special section is dedicated to the sermons, which are filmed in the style of a 20th century election campaign. Political vision, since the interpretation of Jesus as a Marxist forerunner was one of the elements that Pasolini wanted clearly promoted.

Pasolini chose for the lead role Enrique Irazoqui, a young amateur actor with a Mediterranean physiognomy, breaking the Northern and Central European canon that dominates representations of Jesus in the visual arts. Very interesting and appropriate are the two actresses who play the Holy Virgin. The young Margherita Caruso has the physiognomy and attitudes of the Renaissance Madonnas while in the role of the elderly Holy Mary Pasolini cast his mother, Susanna Pasolini (Maia Morgenstern played this role decades later in Mel Gibson‘s film). The combination works great, telling a lot about both the biblical story and Pasolini’s contemporary Calibria. This approach has inspired many directors who have followed him, including Milo Rau in his 2020 film ‘The New Gospel‘ in which a large part of the secondary roles and figures are performed by migrants. Pasolini was undoubtedly a path-opener. The life of Jesus continues to be alive as a subject in the attention of artists, including filmmakers. ‘The Gospel According to St. Matthew‘ eschews superficial controversies, including, for example, much less graphic violence than the films that followed it. However, the contradictions exist and are even deeper.

Posted in movies | Tagged , , , , , , | Leave a comment

another kind of love (film: Nelly & Monsieur Arnaud – Claude Sautet, 1995)

Nelly & Mr. Arnaud‘ released in 1995 is the last film directed by Claude Sautet. Reading about it I found it many times compared to his previous film, ‘Un Coeur en Hiver‘ from 1992 and the result of the comparison is in almost all cases favorable to the older film. I personally found them to be at about the same level, and with many common points between them. One of them is of course the presence in the female lead role of Emmanuelle Béart, an actress who combines physical with inner beauty, radiating optimism, kindness, but also fragility through her fascinating eyes. At the time these films were made, she was young but already quite experienced, having grown as an actress under the guidance of directors such as Sautet but also Claude Berri or Ettore Scola. But ‘Nelly & Mr. Arnaud’ has a quality in addition to other films by Sautet. Love triangles are no longer the main concern (although they are not completely absent), but another theme is addressed, always delicate and always interesting – that of the possibility of love relationships between elderly men and women much younger than them. The understated, sensitive and intelligent approach of this film makes it survive well 27 years since its release, years in which so much has happened both on the screens and in the entertainment industry.

The story takes place in the bourgeois-intellectual Parisian environment of the last decade of the 20th century. Everyone seems to frequent the same restaurants, cafes and parties, but not everyone is wealthy, the economic differences are actually quite stiff. Nelly is a young woman mired in debt and in a marriage that is failing because of a husband who prefers to stay at home and do nothing. Mr. Arnaud is an old man, handsome and aging beautifully, a former diplomat and businessman, for whom money seems not to be a problem. They meet through a common acquaintance and Arnaud offers her a loan repayable “when and if you can” that can relieve her of material worries and give her the opportunity for a new start, which begins with the divorce. Nelly will work (‘without obligation’) as typist, critic and editor of Mr. Arnaud’s memoirs. A relationship develops between the two in which the initial generosity turns into friendship which in turn turns into attraction – an attraction that is never consumed in more than looks, but looks that say it all. Age difference, social background, mutual respect combine in the story of a relationship that avoids turning into love in the sense we know.

Most French films set in intellectual settings are very verbose, and ‘Nelly & Mr. Arnaud‘ is no exception. The dialogues, however, are subtle and discreet, but at the same time expressive, building the relationships between the heroes and gradually revealing their characters. Such a delicate subject also demands a good text and an adequate interpretation. The actors chosen and directed by Claude Sautet seemed perfect to me. Emmanuelle Béart uses her beauty to build a complex character whose decisions we understand, even when we know or feel they are not in her best interest. Michel Serrault achieves here one of the best roles of his career, bringing to the fore dignity in the face of irremediable advancing age. Also in the cast is Michael Lonsdale, an actor I really like, in a mysterious supporting role inserted to bridge the (apparently) venerable aristocrat Arnaud had become with his shady past.

I don’t know if Claude Sautet knew that this would be his last film. It seemed to me a synthesis of the evolution of a filmmaker who understood the relationships between people and brought to the screen discreet and rarely happy stories of seldom shared love. Stylistically we can observe the combination of traditional French cinema, with its permanent concern for the intellectual and bourgeois classes, and the techniques introduced by the New Wave. A good quarter of the film takes place in cafes and restaurants, there are also quite a few scenes shot on the streets of Paris. All beautiful, well constructed, expressive. With ‘Nelly & Mr. ArnaudClaude Sautet concludes his career with one of his best films.

Posted in movies | Tagged , , , , , | Leave a comment

CHANGE.WORLD: Secretul cifrului post-cuantic

Câți dintre cititorii rubricii CHANGE.WORLD au auzit sau poate chiar își mai amintesc de filmul ‘Secretul cifrului’? Realizat în 1960, a fost unul dintre marile succese ale cinematografiei românești din perioada comunistă, înregistrând un număr de 5 milioane și 500 de mii de bilete vândute, o cifră la care nu visează astăzi în România nici măcar super-producțiile marilor studiouri americane. Succesul filmului de debut al regizorului Lucian Bratu se datora prezenței pe afiș a unor actori îndrăgiți (Dem Rădulescu aflat la primul sau rol pe ecrane, Emanoil Petruț, Ernest Maftei), dar și unei intrigi de spionaj bine construite, plasată în lunile finale ale celui de Al Doilea Război Mondial. Pentru a dejuca planurile naziștilor în retragere, ofițerii de contrainformații români trebuiau să găsească secretul cifrului sau, cum am numi-o astăzi, metoda criptografică folosită de inamic în comunicațiile sale.

(sursa imaginii: imdb.com/title/tt0136524/mediaviewer/rm3747788545/)

Conflagrațiile mondiale au pus în evidență importanța păstrării secretelor mesajelor schimbate de unitățile militare și de conducerile politice ale părților în conflict și – invers – a elaborării unor metode care să poată deschide anvelopele criptografice ale inamicului. Unii experți estimează că echipa de la Bletchley Park din care făcea parte Alan Turing a contribuit cu un an la scurtarea duratei celui de Al Doilea Război Mondial. Matematica și tehnologia criptografiei au evoluat spectaculos de atunci încoace. Două invenții au propulsat criptografia în viețile tuturor locuitorilor planetei: calculatoarele digitale, ale căror capacități și viteze în permanentă creștere fac posibile rezolvarea celor mai dificile probleme, inclusiv dezvăluirea cifrurilor, și Internetul, care a făcut ca aproape toți locuitorii planetei să poată comunica și accesa servicii comerciale și financiare din orice loc și în orice moment. Astăzi, oricare dintre noi poate intra în legătură cu familia, prietenii sau colegii de lucru, poate cumpăra produse și efectua viramente de bani prin intermediul calculatorului personal sau al telefonului inteligent. Pentru a proteja însă aceste sesiuni și tranzacții este nevoie de protecția criptografică a mesajelor. Metoda standard cea mai populară folosită în ultimele decenii se numește RSA (după inițialele inventatorilor ei: Ron Rivest, Adi Shamir și Leonard Adleman). Publicat în 1977, acest algoritm se bazează pe principiul unei perechi de chei (cifru) din care una este publică (cea de cifrare) și cealaltă particulară (cea de descifrare). Dificultatea descifrării este derivată din lungimea cheii. Dacă aceasta are 2048 de biți, un calculator tipic astăzi ar avea nevoie de trilioane de ani pentru a sparge cifrul.

(sursa imaginii: https://tutorials.retopall.com/index.php/2019/02/16/modern-cryptography-rsa/)

Cu asemenea cifre impresionante, secretele noastre vehiculate pe Internet (date personale sau tranzacții) par a fi bine protejate. Așa să fie? Am scris intenționat ‘calculator tipic’, având în gând puterea de calcul, dar și arhitectura calculatoarelor digitale de astăzi, care a rămas, în liniile ei esențiale, neschimbată în ultimele șapte decenii. Dar dacă vor apare ‘calculatoare atipice’? Este exact ceea ce se întâmplă astăzi, odată cu apariția și dezvoltarea accelerată a calculatoarelor cuantice. Am scris deja despre acestea în trecut în rubrica noastră. Bazate pe principiul prezenței probabilistice a unor stări simultane paralele (similar particulelor cuantice sub-atomice), aceste calculatoare sunt capabile să rezolve un număr redus de probleme, însă o fac cu o eficiență uimitoare. Problema este că printre aceste probleme cu care calculul cuantic se descurcă de minune găsim două dintre provocările matematice care fac criptografia dificilă calculatoarelor din generația de astăzi: descompunerea numerelor mari în factori primi și determinarea caracteristicilor punctelor de pe formele geometrice descrise de curbele eliptice. Profesorul de matematică Peter Shor de la Massachusetts Institute of Technology (MIT) a publicat în 1995 un algoritm cuantic pentru factorizare exponențială mai rapid decât cel mai puternic algoritm care rulează pe un calculator clasic. Folosind aceasta metodă sau alta asemănătoare, calculatoarele cuantice vor fi capabile să rezolve mult mai repede descifrările. Ce înseamnă asta? Un atacator cu un calculator cuantic destul de puternic va putea căpăta acces la datele personale și medicale sau la planurile militare și politice secrete, la tranzacțiile financiare și la convorbirile particulare sau de afaceri pe care le considerăm astăzi foarte sigure. Întregul sistem de protecție criptografică funcțional în prezent se va prăbuși.

(sursa imaginii: https://tutorials.retopall.com/index.php/2019/02/16/modern-cryptography-rsa/)

Când se va întâmplă asta? Nu mâine și nu peste un an, dar poate peste un deceniu. Estimările experților arată că, folosind calculatoare cuantice, cel mai probabil în jur de 2036, documente sau sesiuni de comunicații protejate cu o cheie RSA-2048 vor fi descifrate în decurs de o zi, în loc de trilioane de ani. Pericolul este real, chiar dacă momentul exact este incert. Poate să se întâmple cu ani mai târziu, dar și cu ani mai devreme, dacă ajută șansa și avansurile tehnologice. Există deja start-up-uri care lucrează în acest sens, s-au angrenat în competiție și marile firme de aplicații Internet și putem specula fără mare risc că și laboratoare secrete guvernamentale lucrează intens pentru a fi primii care vor soluționa problemele. Soluțiile însă vor implica schimbări în infrastructura de calcul a întregului sistem de comunicații și tranzacții pe Internet.

Omenirea a mai fost confruntată cu o asemenea problemă în trecut. Vă mai amintiți panica datorată problemei ‘bugului Y2K’ (bugul anului 2000)? Pe 1 ianuarie 2000, multe sisteme de calcul urmau să se oprească din funcționare din cauza faptului că programele scrise neglijent cu decenii în urmă nu luaseră în considerare faptul că după anul ’99 urmează anul ’00. Astăzi, retrospectiv, panica de atunci este considerată exagerată, dar dacă niciun sistem critic nu a cedat în noaptea de Revelion a mileniului asta se datorează și faptului că, timp de câțiva ani înainte, au fost revizuite toate programele scrise începând cam din anii ’70. Și acum vor trebui revizuite toate standardele, protocoale, și pachetele de programe care folosesc criptografia pentru protecția datelor și pentru tranzacții pe rețea. Numărul și complexitatea lor este cu ordine de mărime mai mare decât ale celor care existau în anii ’90. Mai mult, nici termenul de revizuire nu este cunoscut.

(sursa imaginii: https://www.economist.com/science-and-technology/2022/07/13/how-to-preserve-secrets-in-a-quantum-age)

A venit vremea să învățam niste inițiale noi. Informaticienii din acest domeniu au inventat protocoale de „criptografie post-cuantică” (în engleză post-quantic criptography – PQC): o nouă matematică de criptare care depășește chiar și capacitățile mașinilor cuantice. Niciunul nu a devenit încă un standard, dar este implicat deja National Institute of Standards and Technolgy (NIST) – cea mai reputată organizație americană din domeniul standardelor de securitate. Aceasta a prezentat planul de adoptare grupului de cercetare criptografică al organizației Internet Engineering Task Force (IETF), care s-a întâlnit la Philadelphia între 24 și 29 iulie. Este bine că cele mai reputate forumuri de standardizare fac parte din proces. În final, noile standarde vor trebui să fie instalate în fiecare dispozitiv și serviciu care transmite date criptate – de la pagini de Web la instalații nucleare, de la dispozitive de plată la aparatură militară. NIST a organizat deja un concurs de algoritmi și o primă selecție a acestora. S-au primit 85 de propuneri din 25 de țări. Au fost declarați patru învingători și s-au păstrat încă patru soluții de rezervă. Câștigătorii provin din echipe de cercetători universitari și comerciali și toți folosesc matematică avansată. Unul numit Kyber, creația unui grup numit CRYSTALS (Cryptographic Suite for Algebraic Lattices – numele se referă la grupări complicate în teoria numerelor) este pentru criptarea generală. Celelalte trei propun semnături digitale, care vor permite expeditorilor să-și verifice identitatea în mod fiabil. Primele două folosesc, de asemenea, rețele lattice: CRYSTALS-Dilithium și FALCON (Fast Fourier Lattice-based Compact Signatures over NTRU, un acronim care se presupune că înseamnă Number Theorists „R” Us). Al patrulea câștigător a fost SPHINCS+. A câștigat, în parte, tocmai pentru că nu folosește rețele algebrice și, prin urmare, este prețios pentru situația în care această abordare ar eșua în practică. Modul său de criptare se bazează pe funcții hash, o tehnică matematică mai cunoscută, adesea folosită în comprimarea datelor.

(sursa imaginii: https://scitechdaily.com/beyond-qubits-key-components-for-a-qutrit-based-quantum-computer-demonstrated/)

Elementul disruptiv al acestei evoluții accelerate este apariția noii arhitecturi de calculatoare, care constituie o provocare competitivă pentru tehnica de calcul așa cum o cunoșteam până acum. Competiția dintre cei care doresc să-și protejeze ‘secretele cifrului’ și cei care doresc să le decripteze este permanentă. Timp de decenii, experții în securitate au considerat suficientă protecția protocoalelor criptografice, care erau cea mai bună apărare în cadrul arhitecturii de computer existente. Acum, acea arhitectură are un rival. Majoritatea celor care implementează PQC nu vor vedea nicio diferență și vor primi noile mijloace de protecție peste câțiva ani sau decenii, sub forma unor actualizări de programe. Pentru asta însă munca experților a început și va continua în ritm susținut multă vreme.

(Articolul a apărut iniţial în revista culturală ‘Literatura de Azi’ – http://literaturadeazi.ro/)

Posted in Uncategorized | 1 Comment

crime and friendship (film: Thunderbolt and Lightfoot – Michael Cimino, 1974)

I’m not a big fan of either Clint Eastwood (as an actor) or Jeff Bridges. I decided to see ‘Thunderbolt and Lightfoot’ because it is the debut film in 1974 by director Michael Cimino, whose next film would be ‘Deer Hunter’. Cimino is a director who, although he made only seven feature films in his career, left an indisputable mark in the history of American cinema. My surprise was pleasant, because I saw a quality entertainment film, well written (also by Cimino) and directed with a sure hand, like by a director with a lot of experience.

In ‘Thunderbolt and Lightfoot’ we are dealing with a story of friendship grafted onto a road movie and a heist movie. Thunderbolt is a bank robber whose method uses his military experience and who hides both from the lawmen and from his accomplices who suspect him (wrongly) of embezzling the money of the last hit. Lightfoot is a young man (handsome like Apollo) on his way to becoming a villain himself, who finds in Thunderbolt a role model and wants to befriend him. Circumstances bring the two together on a journey that will take them to spectacular locations in the American Midwest and give them the opportunity for a new heist. As in any other film in this category, things get wrong.

The film works well for a few reasons. Eastwood and Bridges are well cast and a credible chemistry establishes between them. Also appearing is George Kennedy, a supporting actor who I really like and who does not disappoint. The picturesque atmosphere of small American towns lost in the immensity of nature is excellently rendered. Even if the robbery part is somewhat standard, the ending returns to the theme of friendship and elevates the film. If you will recognize the influence of ‘Easy Rider’ you will agree with me. 48 years after its making, ‘Thunderbolt and Lightfoot’ is worth watching or rewatching.

Posted in movies | Tagged , , , , , , , , , , | Leave a comment

Singurătatea peștișorului de aur (carte: Etgar Keret – Și, deodată cineva bate la ușă)

‘The New York Times’ l-a caracterizat drept ‘geniu’, iar Salman Rushdie a scris despre el că este ‘un scriitor nemaipomenit … cum nu e altul printre cei pe care-i știu’. Acestea sunt doar două dintre aprecierile extrem de entuziaste pe care le-a adunat scriitorul israelian Etgar Keret. Născut în 1967 la Ramat Gan într-o familie de evrei polonezi supraviețuitori ai Holocaustului, Keret a debutat la 25 de ani. A doua sa carte – ‘Dor de Kissinger’ -, publicată cu doi ani mai tărziu, l-a consacrat în Israel și peste hotare ca pe unul dintre cei mai interesanți autori de povestiri scurte ai generației sale. Creator multi-disciplinar, căutând permanent noi modalități de exprimare, Etgar Keret s-a remarcat și ca scenarist și regizor de film, având în palmares, printre altele, și un premiu Caméra d’Or la Cannes (în 2007). Multe dintre realizările sale cinematografice și pentru televiziune sunt rezultatul colaborării cu soția sa, Shira Gefen, fiica poetului, umoristului și publicistului Jonathan Gefen și sora lui Aviv Gefen, unul dintre cei mai populari cântăreți israelieni. Miniserialul în patru episoade ‘L’agent imobilier’ (titlul englez este ‘The Middleman’) realizat de cei doi în Franța s-a bucurat de un remarcabil succes, fiind unul dintre hit-urile perioadei de pandemie. Volumele sale de proză au fost traduse în 42 de limbi, iar în 2019 una dintre culegerile sale de povestiri a primit Premiul Sapir, echivalentul israelian al premiilor Goncourt sau Pullitzer.

Prima ediție a colecției de povestiri ‘Și, deodată cineva bate la ușă’ a fost publicată în 2010. Era un fel de ‘come-back’ al scriitorului în genul prozei scurte, după câțiva ani buni în care se concentrase pe alte genuri și pe cinematografie, dând naștere unor îndoieli în legătură cu continuarea carierei sale literare. Fanii nu au fost dezamăgiți, și criticii au remarcat revenirea în forță a prozatorului, care folosise pauza de creație pentru a continua să-și surprindă cititorii și a evita să se pastișeze pe el însuși. Cartea a apărut în 2018 în versiune românească, în colecția Raftul Denisei a Editurii Humanitas-fiction, în traducerea foarte bună a lui Gheorghe Miletineanu.  

Sunt 39 de povestiri în acest volum. Primele trei sunt atât de bune, atât de speciale, încât ștacheta așteptărilor cititorilor este ridicată extrem de sus din start. Povestirea care dă titlul volumului poate fi privită ca un fel de răspuns adresat de prozator criticilor și cititorilor în acel moment al evoluției sale. Una dintre temele artei moderne – fie că este vorba despre literatură, despre arte plastice, sau despre muzică -, este lupta cu materialul artistic, în acest caz cuvintele. În povestire, scriitorul este somat să scrie și resimte această situație la modul propriu, ca pe o amenințare fizică, cu arme reale. Confruntarea adevărată este însă cea a artistului aflat în căutarea izvorului creației:

‘Eu încep din nou. “Un om stă singur într-o odaie. E singuratic. E scriitor. Vrea să scrie o povestire. A trecut mult timp de când a scris ultima lui povestire, și îi e dor. Îi e dor de sentimentul ăsta că el creează din ce există. Da, din ce există. Fiindcă să creezi ceva din ce nu există înseamnă să născocești ceva de la un capăt la altul. Nu merită osteneala și nici măcar nu e mare scofală. Dar să creezi din ce există se întâmplă atunci când descoperi ceva care a existat dintotdeauna înlăuntrul tău, și descoperi acel ceva într-o întâmplare care nu s-a petrecut niciodată. Omul decide să scrie o poveste despre această situație. Nu despre situația politică din țară și nici despre situația socială. El se hotărăște să scrie o poveste despre condiția umană. Condiția umană așa cum o trăiește în clipa asta. Dar nu-i vine nici o poveste. Fiindcă, așa cum o trăiește el în clipa asta condiția umană, precum se vede, nu merită o poveste.’ (pag. 11-12)

Și dacă realitatea este prea seacă sau prea periculoasă pentru a fi o bună sursă de inspirație, atunci scriitorul poate propune un tărâm imaginar dintr-o realitate onirică alternativă, așa cum o face în povestirea ‘Lieland’, în care inventează un tărâm în care minciunile noastre de zi cu zi se materializează și ne bântuie nopțile. Sau poate – ca în ‘Cheesus Christ-, el adună ultimele momente ale vieții și ultimele cuvinte pe care fiecare dintre noi le rostim înainte de a porni în călătoria infinită și le folosește ca structură de rezistență pentru o ilustrare filosofică a ‘efectului fluturelui’ conform căruia fiecare gest pe care îl facem și fiecare cuvânt pe care îl rostim – fie el și ultimul -, are efect asupra întregului Univers. Sunt vizibile încă din aceste trei prime povestiri extraordinara capacitate a lui Etgar Keret de a aduce în același plan cotidianul și eternitatea, realitatea și visul (inclusiv coșmarurile) și de a descrie moartea ca pe un eveniment firesc al existenței. Totul într-un stil minimalist și cu o detașare care îl face pe cititor să fie părtaș scriitorului care îi deschide porțile studioului sau de creație. Sfidându-și criticii, dar și pe acei dintre cititori care făcuseră greșeala să se alăture scepticilor, autorul începe o altă schiță în felul următor:

‘Povestirea asta e povestirea cea mai buna din carte. Mai mult decât atât. Este povestirea cea mai bună din lume. Și asta nu noi am stabilit, au stabilit-o în unanimitate zeci de specialiști independenți care au comparat-o în condiții de laborator cu un eșantion reprezentativ din literatura lumii. Povestirea asta reprezintă un aport israelian unic la literatura universală. Dumneavoastră întrebați cum de tocmai noi am scris-o, și nu americanii? Ei bine, și americanii întreabă același lucru. Și nu puțini dintre cei mai importanți editori americani sunt pe punctul să-și piardă slujba pentru că n-au găsit răspunsul.’ (pag. 128)

Realitatea israeliană în care s-a născut și trăiește Keret și din care se inspiră în scrierile sale nu este ușoară. Umorul este una dintre armele necesare supraviețuirii. În textul de mai sus (fragment din ‘O povestire care le întrece pe toate’) este vizibila descendență din Ephraim Kishon, maestrul ironiei detașate și al auto-persiflării naționale israeliene. În altele, cum ar fi ‘Un hemoroid’ grotescul se combina cu comicul de caracter și cu satira sociala, rezonând mai degrabă cu Gogol.

Nu întotdeauna însă umorul este un bun ultim refugiu. În ‘Joseph’ de pildă, relatarea își schimbă ritmul și perspectiva din mers. Ceea ce pare la început o schiță de moravuri cu tente ușor filosofice se transformă într-o reflecție care este poate făcută de dincolo de viață, sau în cazul cel bun de pe patul unui spital. Totul cu un minimalism neprogramatic, căci scriitorul bun are nevoie nu de multe cuvinte ci de cuvintele potrivite:

‘Joseph cere nota și se încăpățânează să plătească. “Ce spui dumneata de chelnerița noastră?” întreabă el în timp ce așteptam să i se treacă prin automat cardul de credit. “Nu ți se pare că și ea fuge de ceva? De sine însăși adică?” Dau din umeri. “Și ăla care a intrat în clipa asta, în palton. Uite-l cum transpiră. Precis că fuge de ceva. Poate să facem din asta un start-up. În loc de film – un program care identifică oameni care fug de ei înșiși. Care se tem de ce-o să descopere. Poate să devina un hit.” Îl privesc pe cel care transpiră în palton. E pentru prima oara în viață mea că văd un terorist sinucigaș. Pe urmă, la spital, corespondenții unor posturi străine o să-mi ceară să-l descriu, iar eu o să spun că nu țin minte.’ (pag. 174)

Majoritatea povestirilor pleacă de la cotidian, dar acest cotidian al scriitorului include și banalul și excepționalul, și tandrețe și trădări, și jocuri de-a viața și accidente sau atacuri teroriste care-și duc eroii brusc în moarte. În ‘Guava’ de exemplu, un înger apare în ultimele 40 de secunde ale vieții eroului prins în capcana unui avion care se prăbușește și-i promite împlinirea ultimei dorințe. Aceasta este măreață pentru omenire dar nesemnificativă pentru fructul de guava care va reprezenta viitoarea să incarnare:

“Sufletul cel nou nu avea gânduri. Guava n-are gânduri. Dar ea simțea. Simțea o teamă îngrozitoare, înspăimântătoare. Se temea să nu cadă din pom. N-avea cuvinte să descrie teama asta. Dar dacă le-ar fi avut, atunci precis ar fi fost ceva în genul “văleu, mămucă, numai să nu cad”. Și în timp ce era agățată de pom, cuprinsă de panică, în lume a început să domnească pacea mondială. Oamenii și-au fărâmat săbiile și le-au prefăcut în lopeți, iar centralele nucleare au fost reciclate rapid și cu înțelepciune în scopuri pașnice. Dar toate astea n-au liniștit-o pe guavă chiar de loc. Fiindcă pomul era înalt, și pământul părea departe și dur. Numai să nu cad, se temea fără cuvinte guava, numai să nu cad.’ (pag. 196)

Etgar Keret face parte dintr-o generație de scriitori israelieni pentru care nu există subiecte tabu. Rutina cotidianului se amestecă în viețile eroilor săi cu extremele, visul copleșește realitatea și aceasta are destule elemente de coșmar. Câteva dintre povestiri au ca temă relațiile de familie și de cuplu, conflictele între parteneri sau între generații. Situațiile ar putea fi tragice sau patetice dacă nu ar exista un permanent recurs la absurd amestecat cu fantastic. Poate fi identificată aici o filieră care descinde din Kafka, cu deosebirea că eroii lui Keret se confruntă nu cu sistemul și labirinturile sale birocratice ci cu viața însăși. Absurdul devine o prelungire firească a cotidianului.

O altă temă recurentă a povestirilor lui Keret este cea a singurătății. Uneori este vorba despre singurătatea creatorului, alteori cea a celui despărțit de iubită sau care a părăsit lumea aceasta. În ‘Nu cu desăvârșire singură’ două singurătăți se alătură într-o relație neîmplinită. O altă frumoasă abordare apare în povestirea intitulata ‘Un peștișor de aur’. Peștișorul de aur vorbitor care, precum în basmul rusesc pe care l-a făcut faimos Pușkin, poate juca rolul îngerului care îndeplinește dorințele celor care au șansa să-i iasă în cale este un motiv care apare în multe dintre cărțile sau filmele lui Etgar Keret. Aici el însă joacă un rol inedit:

‘La Tira Ionathan l-a găsit în sfârșit pe arabul care să dorească pace, îl chema Munir, și era gras și purta o mustață albă uriașă și era foarte fotogenic. Era emoționant felul în care își formulase dorința. Încă din timpul filmării Ionathan a stiu că asta o să devina reclama serialului documentar. Asta, sau rusul cu tatuaje pe care l-a întâlnit la Jaffa, cel care privea direct în aparatul de filmat și a spus că daca ar găsi un peștișor de aur care vorbește nu i-ar cere nimic, l-ar pune numai pe raft într-un vas mare de sticlă și ar sta de vorbă cu el toată ziua, n-are importanță despre ce. Despre sport, despre politică, despre orice poate un peștișor să vorbească. Orice. Numai să nu fie singur.’ (pag. 150)

Combinația dintre realitate și magic nu a fost parcă niciodată mai elegantă și mai firească decât la Etgar Keret. Este vorba oare despre lumi paralele? Sau poate că ceea ce noi numim ‘realitate’ este doar una dintre fațetele unui univers care este mult mai complex și mai interesant și care are mai multe dimensiuni chiar decât cel imaginat de Albert Einstein? Cititorii povestirilor acestui scriitor israelian modern și spiritual, expresiv și sensibil, sunt invitați să intre și să cerceteze acest univers.

Articolul a apărut inițial în Revista Familia din Oradea, numărul 5/2022.

Posted in books | Tagged , , , , | Leave a comment