Vremea profeților (Carte: Ioana Pârvulescu – Prevestirea)

Romanul ‘Prevestirea’ al Ioanei Pârvulescu apărut la Editura Humanitas este una dintre primele cărți care este lansată după perioada cu tentă apocaliptică a pandemiei cauzate de virusul COVID-19. Este o carte deosebită care se bucură de o lansare deosebită, una dintre primele în care publicul larg a fost invitat să asiste direct prin intermediul Internetului, după ridicarea restricțiilor care au ținut închise vreme de peste două luni librăriile. Rămâne să vedem dacă acest mod de participare la lansări va câștiga popularitate, căci desigur, există argumente pro și contra. Personal mă bucur de ocazie, căci altfel, trăind la vreo două mii de kilometri de București, nu aș putea asista mai niciodată la asemenea evenimente. Mai ales că în acest caz este vorba despre o carte specială din multe puncte de vedere. 

Romanul Ioanei Pârvulescu se încadrează într-un curent foarte vizibil în proza românească a ultimelor decenii – literatura inspirată de Biblie. În literatura universală exemplele sunt multiple – Henryk Sienkiewicz, Thomas Mann, Nikos Kazantzakis fiind primele nume care îmi vin în minte. În literatura română influența Bibliei a fost vizibilă în secolul trecut însă în special în poezie. Situația pare să se schimbe după 1990, proza recuperând în forță. În ultimii ani am avut ocazia să citesc câteva romane care îi aduc la viață pe eroii Vechiului și Noului Testament, fie reconstituind lumea lor, fie prezentându-i în raport cu modernitatea. Gheorghe Săsărman în ‘Adevărata cronică a morții lui Yesua Ha-Nozri’ îl aduce pe Iisus în Munchenul zilelor noastre și-l confruntă cu lumea de azi, sau pe noi cu El. Dan Stanca în ‘Getsimani ’51’ și Walther A. Prager în ‘Pelerinul’ trasează biografii paralele între eroii și pildele Bibliei și contemporanii noștri și lumea în care trăim. Florina Ilis în ‘Cartea numerilor’ emuleaza structura uneia dintre Cărțile Vechiului Testament pentru a trasa istoria unui secol de existență a unui sat românesc la marginea de vest a României întregite. În fine, Petru Popescu în ‘Fata din Nazaret’ (scrisă în engleza pe care autorul lui ‘Prins’ și ‘Dulce ca mierea e glonțul patriei’ o folosește de peste trei decenii) trasează portretul Maicii Domnului și dă formă și culoare minunii Imaculatei Concepții. Ioana Pârvulescu îl alege ca erou pe Iona, unul dintre profeții ‘minori’ ai Vechiului Testament, a cărui poveste pe cât de simplă în aparență și de atractivă ca evenimente, este deschisă unor interpretări multiple în doctrinele monoteiste și în diversele lor curente.

Cine a fost Iona?  ‘Cartea lui Iona’ din Vechiul Testament creștin sau Tanah-ul iudaic ne povestește despre locuitorul satului Gat Hefer din Galileea căruia Domnul i se arată pentru a-l îndemna să călătorească spre marele oraș Ninive din Mesopotamia și să-i avertizeze pe locuitorii săi de o mânie divină iminentă. În loc s-o ia spre Ninive, Iona se îmbarcă pe o navă spre Tarsis, localitate aflată la celălalt capăt al Mediteranei. Prins într-o furtună, el se sacrifică cerând să fie aruncat peste bord pentru a salva corabia, după care este înghițit de un pește uriaș. În burta peștelui are loc o nouă interacție între Iona și Divinitate, în urmă căreia peștele îl vomită pe mal. Abia atunci Iona începe adevărata călătorie spre Mesopotamia, unde ajuns convinge populația întregului oraș Ninive să se pocăiască, dar așteaptă în afara orașului să fie martor distrugerii prevestite. Dumnezeu îl protejează pe Iona de soare cu o plantă, dar cruță și orașul de distrugere.  

Interpretările sunt diferite în iudaism și în creștinism. Pentru evrei, conceptul esențial al pildei biblice este cel de ‘teshuva’ care s-ar traduce prin credință, pocăință și îndreptare a căilor pământești ale credincioșilor. Cartea lui Iona este citită în sinagogi în ziua de Yom Kippur, una dintre cele mai importante sărbători ale calendarului religios evreiesc, ziua în care păcatele sunt șterse din Cartea Vieții celor care își recunosc greșelile și își cer iertare semenilor lor față de care au greșit. Precum populației cruțate de distrugere din Ninive, Dumnezeu iartă celor care își recunosc greșelile și se căiesc în mod sincer.  Această interpretare este bine conturată și descrisă în cartea Ioanei Pârvulescu. Mai există însă o dimensiune care nu a fost în aceeași măsură abordată, în orice caz nu explicit. Ezitarea lui Iona, care poate fi considerată chiar o răzvrătire (unii comentatori îl numesc profetul rebel) are ca baza istorică rivalitatea dintre micul regat al Israelului din secolul 8 î.e.n. și supra-puterea vremii simbolizată de orașul Ninive. Iona ezită să-i prevină pe dușmanii neamului său de pericolul iminent, și încercarea călătoriei pe mare este o încleștare cu voința divină in care muritorul este convins prin forță. Salvarea pe care o acordă Dumnezeu este o manifestare a naturii multi-etnice a monoteismului abrahamic. Iona poate fi surprins de căile alese de Dumnezeu și de faptul că prevestirea pe care fusese mandatat să o aducă locuitorilor din Ninive nu se împlinește, dar intenția divină nu este distrugerea orașului ci aducerea locuitorilor acestuia pe calea cea dreaptă.

‘”Ți-a fost milă de tine și de niște frunze care te umbreau și pe care nu tu le-ai făcut să înverzească, ci eu, precum odinioară toiagul lui Aaron. Au apărut când dormeai și au dispărut când dormeai. Nu ți-ai bătut capul cu ele și nici nu ai avut răgaz să te obișnuiești cu ele, abia dacă le-ai zărit. Și vrei ca mie să nu-mi fie milă de cetatea cea mai mare din lume, cu 123 000 de oameni ca tine în ea și încă cinci născuți azi – Dumnezeu cunoștea exact numărul lor, cum și numărul stelelor de pe cer -, bieți neștiutori, care nici măcar nu-și deosebesc dreapta de stânga, darămi-te binele de rău.”‘ (pag. 309-310)

Iona face parte din categoria aleșilor, a profeților prin vocea cărora Dumnezeu le vorbește oamenilor. În cartea Ioanei Pârvulescu el are însă dimensiuni umane, este supus îndoielilor și greșelilor, pasiunilor carnale și durerilor despărțirilor de cei dragi. În jurul său scriitoarea crează o întreagă lume de personaje, imaginare în majoritate, excelent creionate și judicios motivate din punct de vedere psihologic. Iacob tămăduitorul, călătorul venit din Tarsis, poate unchi, poate tată, sintetizează înțelepciunea și cunoașterea bazată pe întâlnirea dintre tradiție și știință care îi caracterizează pe marii gânditori enciclopediști din toate timpurile. Iacob este un bărbat în putere, o iubește pe Hannah, văduva frumoasă și singura femeie cu ochi albaștri din Gat Hefer, dar este atras și de Sargina, frumoasa și exotica soție a sfetnicului regelui din Ninive. În Ioppe (Iaffo de azi), portul de la Mediterana de unde își încep călătoria pe mare, Iona și Iacob îi vor cunoaște pe tânărul ager Eli și pe orbul Abiel care li se vor alătură în călătorie. Echipajul corabiei cu care pornesc pe mare este un colectiv cosmopolit, amestec al popoarelor care populau Mediterana secolului 8 î.e.n., fiecare cu credința și superstițiile sale, într-o atmosferă poate nu prea diferită de cea a echipajelor internaționale de pe vapoarele lumii de astăzi.

Documentarea minuțioasă și verificarea riguroasă a detaliilor este evidentă, și acordă un plus de credibilitate descrierilor locurilor și orașelor perioadei istorice în care are loc acțiunea. Ioana Pârvulescu are un talent special de a aduce în fața cititorilor tablouri vii ale locurilor în care se petrece acțiunea. Iată de pildă descrierea orașului port Ioppe:

‘Ca o îngrămădeală fără noimă de case mici se arată Ioppe, așezat pe o colină joasă, deasupra locului în care țărmul, în majoritate nisipos, făcuse un mic golf natural din stânci. La fel ca în Akko sau Dor, totul era construit alandala, unele locuințe din piatră, altele din chirpici cu miros iute și cu fire de paie ale căror țevi înguste ieșeau ici-colo din perete. Unele case stăteau spate-n spate, altele bot în bot sau într-o rână, unele întregi, altele gata să se prăbușească, și toate cu ochii goi ai ferestrelor acoperiți cu zăbrele. Cei care zăboveau în port și porneau apoi spre mare erau aproape la fel de numeroși ca locuitorii permanenți. Mulți trăiau din pescuit, sau se ocupau cu micul negoț, sau ajutau la incarcatul sau descărcatul vaselor, și, de altminteri, cândva plecau și ei în lume în căutarea norocului. Se trăia bine în Ioppe, sau Iaffa cum îi mai ziceau unii, pentru că fiecare corabie oferea mărfuri de tot soiul, măsline și boabe, băuturi și grâne, lemn de cedru și de pin din Liban, de stejar de Bașan și de cherestea, și giuvaieruri, și țesături.’ (pag. 32)

Cei care cunosc Iaffo de astăzi își pot imagina cu ușurință peisajul de acum 28 de secole suprapus peste geografia locului. Iată și descrierea peisajului uman al maretei cetăți Ninive, cea mai mare metropolă cosmopolită a acelor vremuri:

‘Era acum tot atât de tăcută și solemnă pe cât fusese înainte de zgomotoasă și neastâmpărată, cu viermuială multă, cu străzi pline de voci, rostind cuvinte în toate limbile imperiului și în cele de dincolo de marginile lui, se certau și se chemau în asiriană, își ghiceau viitorul în babiloneană, se invoiau la negoț în aramaică, șopteau în ebraică și își luau rămas-bun în feniciană, complotau în persană, povesteau despre călătorii peste mari și țări în greacă, și făceau vrăji în egipteană. Oamenii nu erau mulțumiți niciodată de nimeni și de nimic, cei săraci blestemau, cei bogați bombăneau, cei răi băteau și ucideau și cei slabi se îmbătau, cei mai mulți trăncăneau fără rost și, chiar atunci când aduceau jertfe zeilor, o făceau doar cu gândul la un câștig imediat de avere, de dragoste, de putere. E adevărat că se învață mult în Ninive, din cei peste o sută de mii de locuitori permanenți, destui cunoșteau stelele de pe cer și tot soiul de lucruri uimitoare de pe pământ și din ape, lucruri pe care și le spuneau la ureche și cu glas tare, și aproape o cincime știa să scrie, să citească, și să folosească un dicționar.’ (pag. 284-285)

Foarte interesantă este și structura narativă concepută de Ioana Pârvulescu. Povestea avansează liniar, încadrându-se în intervalul de timp acoperit de Cartea lui Iona. Sursa povestirii nu este însă litera  scrisă a Bibliei ci tradiția orală, și aici scriitoarea folosește cu îndemânare distincția dintre tradiția scrisă și tradiția orală. 92 de generații ale familiei lui Iona, începând cu fiica acestuia și până la tineri mânuitori de telefoane inteligente din zilele noastre își transmit istoria familiei. Nucleul faptic este același, dar în gura povestitoarelor (mai ales femei) istoria este în permanență vie. Textul care pentru toate celelalte neamuri ale Pământului este carte sfânta și busolă morală, este pentru evrei o poveste vie de familie, cu oameni în carne și oase, care au trăit cu secole și milenii înainte, dar care sunt mereu prezenți în gând și amintiri, contemporani prin înțelepciunea, faptele și iubirile lor. Frumoasă ideea după care tradiția se transmite din generație în generație mai ales pe linie feminină (exceptând cazurile când în vreo generație nu există moștenitoare femei), exact la fel cum identitatea evreiască se transmite pe linie feminină, de la bunică la fiică, de la fiică la nepoată, într-un șir fără capăt. Prologul cărții are loc în contemporaneitate, și putem observă că firul poveștii a ajuns, într-un fel sau altul și la alte neamuri care au populat și populează Pământul.

Acțiunea romanului se oprește acolo unde se oprește și Cartea lui Iona, deschisă că interpretare și mută în ceea ce privește soarta pământească a profetului după ce își îndeplinise menirea. Ce s-a întâmplat cu Iona după aceea? A rămas în Ninive, cinstit de locuitorii recunoscători pentru prevestirea care i-a dus la pocăință și la salvarea orașului? Poate a împărtășit anii rămași din viață cu fascinanta Sargina? Sau poate s-a întors acasă, în Galileea, unde îl așteptau fiica sa Esther și iubita sa Hannah care dăduse naștere unui fiu? Astăzi nu se mai știe unde este înmormântat Iona. Cel puțin trei locuri din Orientul Mijlociu își revendică această onoare. Unul se afla în ruinele vechiului oraș Ninive, lângă orașul Moșul de astăzi, unde o moschee adăpostea până acum câțiva ani un monument care conform tradiției marca locul mormântului lui Nabi Yunus cum este cunoscut profetul în scrierile sfinte ale Islamului. Moscheea a fost dinamitată și distrusă de barbarii așa-zisului Stat Islamic, împreună cu alte monumente prețioase ale antichității, în perioada în care aceștia au ocupat Mosul. Dar și în satul arab Mashad din Israelul de astăzi, aflat în locul în care se afla cu 28 de secole în urmă satul Gat Hefer poate fi găsit într-o moschee un mormânt al lui Nabi Yunus. Structura și mormântul sunt evident mai noi, dar locul, după tradiție, ar fi cel în care a fost înmormântat profetul, întors in Galileea, cel puțin așa susțin localnicii. Probabil că nu vom ști niciodată sigur. Rămâne povestea profetului care s-a răzvrătit, care a îndrăznit să pună întrebări divinității și care a primit că răspuns o lecție de umanitate tocmai de la forța supremă. Din multe puncte de vedere este o poveste asemănătoare celor din mitologia greacă și tragediile antice. Povestea lui Iona este înscrisă in cărțile sfinte ale celor trei religii monoteiste abrahamice și transmisă mai departe de tradițiile orale ale descendenților neamurilor antichității. Acum, acestor cărți și tradiții li s-a adăugat ‘Prevestirea’, romanul pasionant, plin de substanță și de culoare, al Ioanei Pârvulescu.

Posted in books | Tagged , , | Leave a comment

CHANGE.WORLD: Între Pământ și stele

Știrile săptămânii ne poartă spre stele, dar nu ne lasă nici să ne despărțim de actualitățile care ne invadează viețile pe Pământ. Rubrica CHANGE.WORLD se va ocupa, firesc, în această săptămână, de misiunea spațială Crew Dragon Demo-2, care reprezintă o realizare semnificativă în evoluția explorării spațiale. Vom reveni apoi pe planeta noastră, pentru a încerca să înțelegem cum sunt generate și interpretate cifrele legate de pandemia COVID-19 cu care suntem bombardați în ultimele luni, și ce rol joacă sau poate juca software-ul ‘open source’ în această privință. După cum vom vedea, cele două subiecte sunt interconectate mai mult decât ar părea la prima vedere.

(sursa imaginii: wired.com/story/spacex-launched-two-astronauts-changing-spaceflight-forever/)

La sfârșitul săptămânii trecute, am retrăit senzații și sentimente pe care nu le mai simțisem de vreo jumătate de secol. Să recunoaștem, cu toții aveam nevoie de vești bune. Pe planeta noastră bolnavă, într-un sfârșit de săptămână marcat de proteste violente în Statele Unite, o mare parte dintre cetățenii lumii au urmărit, prin intermediul ecranelor televizoarelor, calculatoarelor sau ale telefoanelor mobile, lansarea misiunii care aduce schimbări semnificative în felul în care explorarea spațială se va desfășura în viitoarele decenii. Este vorba, desigur, despre primii astronauți care își încep călătoria de pe teritoriul american de un deceniu încoace, deci despre revenirea lansărilor americane cu echipaj, după scoaterea din operație a navetelor spațiale la începutul deceniului trecut. Lansarea a avut loc – simbolic – din complexul 39A, de la Cape Canaveral, acolo de unde au plecat o parte dintre misiunile Apollo, între care Apollo 11, și ale navetei spațiale. Din punctul de vedere al modelului economic, este vorba despre prima colaborare majoră dintre SpaceX, firma specializată în explorare spațială, întemeiată de Elon Musk, și agenția guvernamentală NASA, deci de primul program spațial privat care lansează astronauți în spațiu. Dar și din punct de vedere tehnologic este vorba despre câteva premiere științifice semnificative. 

(sursa imaginii: spacex.com/launches/index.html)

Cei care au urmărit pregătirile știu că lansarea din ziua de sâmbătă, 30 mai 2020, a fost a doua încercare, după ce prima lansare, prevăzută să aibă loc cu trei zile mai devreme, a fost anulată la mai puțin de 17 minute înainte de ora prevăzută. Problemele meteorologice de miercuri, 27 mai, nu au fost observate atât în zona lansării, cât pe traiectoria prevăzută a primelor zece minute de zbor, unde ar fi trebuit să aibă loc recuperarea astronauților în caz de incident. Între alte inovații aduse de programul Crew Dragon se află posibilitatea reducerii riscurilor pentru astronauți, prin proiectarea unor secvențe de recuperare posibile până la acționarea propulsoarelor celei de-a treia trepte a vehiculului spațial. De asemenea, toată manevra de apropiere dintre Crew Dragon și stația spațială internațională și de conectare a celor două vehicule spațiale a fost complet automatizată (cu supraveghere și posibilitate de preluare a comenzilor manuale în caz de necesitate), după ce fusese deja verificată în zborul precedent (fără cosmonauți) Crew Dragon Demo-1. La întoarcere, după șase săptămâni petrecute la bordul stației internaționale, Crew Dragon va fi decuplată de stație și se va întoarce pe Terra, după o reintrare în atmosferă care va dura mai puțin de 12 minute, amerizând în Oceanul Atlantic, aproape de coasta Floridei. Vehiculul va fi recuperat. Posibilitatea refolosirii unora dintre componentele esențiale și dintre cele mai costisitoare, cum este racheta propulsoare principală Falcon 9 folosită la lansare, va reduce deja, în această misiune, costul trimiterii in spațiu a unui astronaut la jumătate din cele 80 de milioane de dolari, cât plăteau americanii rușilor pentru serviciile de transport în spațiu cu ajutorul rachetelor Soyuz. În viitor, aceste costuri vor continua să fie reduse cu un procentaj estimat de până la 90% din costurile actuale.

(sursa imaginii: twitter.com/Space_Station/status/1267094772705099778/photo/1)

Și Corona? Cu pandemia bântuind pe Terra, au fost luate precauții suplimentare pentru ca virusul să nu fie exportat în spațiu, prin intermediul pasagerilor misiunii, vehiculelor spațiale, instrumentației și obiectelor pe care aceștia le iau cu ei în călătorie. Astronauții Robert Behnken și Douglas Hurley s-au aflat într-o strictă izolare în săptămânile premergătoare lansării, având contact cu o echipă redusă numeric la minimul necesar,  care și ea a fost izolată și distanțată fizic. Echipamentele folosite au fost riguros igienizate. Cei doi astronauți au șanse practic nule să se alăture statisticilor contaminărilor în timpul misiunii pe care o îndeplinesc acum. Iar dacă precauțiile vi se par cumva exagerate, vă invit să citiți sau să recitiți pasionantul roman de science-fiction ‘Germenul Andromeda’ al lui Michael Chrichton. Dintre nenumăratele necunoscute legate de virusuri, trebuie luat în considerare felul în care condițiile călătoriilor spațiale influențează dezvoltarea, reproducerea și efectele acestora. Echipajele de astronauți care pleacă în misiune vor petrece perioade îndelungate împreună în spații închise și posibilitatea unei epidemii în condițiile zborului trebuie evitată pe cât posibil. Pe de altă parte, trebuie să existe planuri de acțiune și medicația necesară confruntării cu asemenea situații.

(sursa imaginii: economist.com/science-and-technology/2020/05/14/the-pandemic-has-spawned-a-new-way-to-study-medical-records)

Dacă tot am atins subiectul statisticilor legate de pandemie, cred că informațiile cu care suntem bombardați în ultimele luni, și concluziile care sunt uneori trase, ca să nu mai vorbim despre recomandări pentru publicul larg, au carențe vizibile. În special comparațiile dintre numere sau procentaje din țări diferite nu au prea multă valoare în opinia mea. Este ca și cum ai compara viteze sau distanțe în numere, dar fără a ține cont că în unele locuri măsurătorile sunt făcute în kilometri, în altele în mile, în altele în leghe nautice. Între multe alte lucruri pe care Organizația Mondială a Sănătății (OMS) ar fi trebuit să le pregătească, dar nu a făcut-o, se află standardizarea parametrilor în epidemiologie. Concluziile oarecum certe care se pot trage sunt, deocamdată, doar comparative în cadrul unor populații date: bărbații se îmbolnăvesc mai mult decât femeile. Cei în vârstă mai mult decât tinerii. Cei care suferă de anumite boli (diabet, astm sever) decât cei sănătoși. Aceste date trebuie însă colectate cu grijă, înregistrate sistematic și anonimizate, pentru a preveni încălcarea legislației de confidențialitate. O inițiativă în acest sens este cea inițiată de serviciul național de sănătate (NHS) britanic și ea se numește OpenSAFELY. Interesant este faptul că unul dintre principiile de bază ale proiectării acestui sistem este inspirat de acțiunile agenților medicali într-un mediu atins de o epidemie. Este vorba despre o izolare, dar nu socială, ci digitală. Datele colectate de la abonații NHS (cam toată populația Marii Britanii) sunt păstrate în centre de date. Numele pacienților sunt eliminate și înlocuite cu cifruri digitale. Codul care le prelucrează este trimis în centrul de date, separat de cei care l-au scris și de cei care îl interpretează. Algoritmii care prelucrează informația sunt publicați în depozite exterioare publice de cod, conform sistemului de sursă deschisă (open source). Nu numai că există o separare fizică între cei trei factori care participă la sistem (sursa de informație, programatorii algoritmilor, beneficiarii informațiilor), dar algoritmii sunt accesibili public, transparenți verificărilor și pot fi utilizați de alte sisteme de sănătate.

(sursa imaginii: bgosoftware.com/blog/top-5-open-source-software-books/)

Deși aparent contra-intuitivă, metoda ‘open source’ devine din ce în ce mai populară și se dovedește a aduce beneficii economice, tehnice și de eficacitate. Codul (adică algoritmii și programele) este accesibil la liber, oricine poate citi, copia, folosi, comenta, îmbunătăți. Nu există licențe și folosirea este gratuită. Sistemul mobil de operare Android este un asemenea exemplu, fiind instalat pe 80% din telefoanele mobile din lume. Cei care îl folosesc reprezintă o comunitate imensă, iar beneficiile economice sunt recoltate din miile de aplicații care sunt posibile folosind acest cod bazat pe o versiune modificată a kernelului (nucleului de bază) sistemului de operare ‘profesional’ Unix. Organizațiile de standardizare au început să folosească programe ‘open source’ pentru definirea anumitor interfețe, părți din standarde sau standarde complete, înlocuind textele scrise. Avantajul – sunt mai riguroase, mai precise. Dezavantajul – pot fi citite și înțelese doar de cei care cunosc limbajele de programare în care sunt scrise. De la software (programe), metoda s-a propagat și la hardware (electronică), deoarece proiectarea micro-chip-urilor este bazată tot pe o formă de programe. Un exemplu în acest sens este setul de instrucțiuni RISC-V (se pronunță risk-five) care reprezintă o metodă de proiectare a blocurilor micro-electronice inventată inițial la Universitatea Berkeley, și care oferă o alternativă sistemelor protejate private. Firme ca IBM, Qualcomm și Google au anunțat produse sau intenția de a încorpora aceste programe în produse. Depozitarea acestor programe se face în ‘depozite publice’ de programe, dintre care cel mai popular este GitHub, permițând catalogarea și controlul versiunilor succesive, o problemă administrativă bine cunoscută de cei care scriu programe informatice. Adăugarea de noi domenii aplicative, cum sunt statisticile din domeniul medicinei, în general, și a epidemiologiei, în particular, sunt încă o dovadă că nu există limite pentru cunoașterea științifică și că viziunea sistemică și interdisciplinară întărește metodologia și amplifică beneficiile aduse de tehnologiile diverse.

(Articolul a apărut iniţial in revista culturală ‘Literatura de Azi’ – http://literaturadeazi.ro/)

Posted in Uncategorized | Leave a comment

love and crime in the countryside (film: Les noces rouges – Claude Chabrol, 1973)

A few years after being one of the French New Wave four aces, Claude Chabrol said goodbye to film experiments and embarked on a very active commercial directorial career. For over 30 years he has produced films at a rate of about one each year, most of them thrillers, whose heroes belong to the French bourgeoisie, high or mid-class. ‘Les noces rouges‘ made in 1973 belongs to these years. The setting in which the action takes place is a small French town where everybody knows everybody and where secrets seem very difficult to keep. And yet, from the first scenes of the film we realize that behind the quiet streets and facades, in the villas or apartments of the heroes with comfortable furniture and beautiful objects, there are hidden passions and secrets. Sooner or later, it is inevitable that corpses will show up.

If we were to look for a motto for this film, it would be ‘how stupid lovers can be’. With question mark or exclamation mark – you can choose. Lucienne (Stéphane Audran) has an extramarital affair with Pierre Maury (Michel Piccoli), the deputy of her husband, the politician, mayor and representative Paul Delamare (Claude Piéplu). Both are unhappily married, which would be the justification for their infidelity that combines the passion and the grotesque, because in a provincial town like the one where they live (and where they also are public figures) such liaisons are difficult to consume and keep secret. Is murder the only way out? The script is inspired by a true crime case, so it seems that life not only beat the film but in this case even anticipated it.

https://www.youtube.com/watch?v=raKSmHIx2uU

As in many other films of Claude Chabrol it is difficult to cling to a character and identify with him or her. Paul’s sick wife and Lucienne’s teenage daughter may be the only innocent figures in this quiet but sinister story, sinister because of the violence that erupts in various forms, and because of the moral decay of the characters, be they criminals or victims. Lucienne’s character seemed insufficiently developed, I think it was a much more interesting story than it results from the film in the biography of this woman who begins her life as a teenage mother, marries a man who does not love her but yet she supports his political career and keeps the social appearances, only to fall prey to passion on a path that can only lead to tragedy. Stéphane Audran seemed less inspired than in other films, Michel Piccoli does a good role but not one of his best, and Claude Piéplu, the less famous of the three, manages to create the most interesting character as the husband who accepts his wife’s infidelity, being more much interested in his political career sprinkled with dubious business. The thriller plot plays a secondary role, the social commentary and the characterization of the characters seem to be the focal points of the director. Also pay attention to the costumes created by Karl Lagerfeld. ‘Les noces rouges‘ may not be a high point in the career of Chabrol or his actors, but there are enough good reasons to give him a chance to watch or revise.

Posted in movies | Tagged , , , , , | Leave a comment

becoming a child like all the other (Film: Pinocchio – Matteo Garrone, 2019)

Pinocchio fascinates filmmakers. The first atru to bring to screen Carlo Collodi’s novel took place in 1936, as an animated feature, in Italy, but the first to complete the project were Walt Disney and his colleagues in 1940. Another 20 films followed, animated or with actors. The 2019 version directed by Matteo Garrone is the most recent, being released at the end of 2019. Its international distribution was interrupted by the COVID-19 pandemic. The next remake is already in preparation. Until then, audiences around the world are waiting to watch the 2019 edition of ‘Pinocchio‘ – a film with many qualities but which will certainly not be the ultimate big screens version of the story of carpenter Geppetto and of his wooden-made son.

There are at least two possible readings of Pinocchio’s story. The first is the moralistic reading that includes a few lessons that we would like to make sure as parents that they are well assimilated by our children. Attachment to parents, discipline, desire to learn, the need for tenderness – all these positive paternal values are transmitted through the elements of the fairy tale. I will call the second reading the transcendental one – it is about the desire of the animated piece of wood, carved in a talking doll by Geppetto, to become human, aspiring to the normality of a childhood like all children enjoy. Between the two feelings of Pinoccho the writer interposed the character of the fairy who appears in the key moments and who shows Pinocchio the road towards fulfilling the dream, a path that requires earning the discipline and the strength necessary to overcome all adversity. Good childhood lessons are eternal and apply at any age.

Matteo Garrone‘s filmography combines courageous social films related to today’s realities of Italy with the exploration of classic and fantastic literature created (also) for children. ‘Pinocchio‘ obviously belongs to the second category, but what surprised me a little is the flatness of the approach. The film looks great visually. Technology-wise this recent ‘Pinocchio‘ is an achievement. The make-up is masterful, the costumes are very appropriate, the sets combine with elegance historical accuracy with fantastic touches, because after all we are in a fairy tale. The camera allows itself from time to time angles that reminded me of the ‘Wizard of Oz’. Roberto Benigni plays an excellent role in his second ‘Pinocchio’, after the first one, not very successful, in 2002 in which he had assumed both film direction and the titular role. Now he has advanced in age and was promoted to make a wonderfully disturbing Geppetto. Pinocchio is played by Federico Ielapi, an 8-9 year old boy, whose make-up left only his eyes to express the range of emotions of the wooden doll who dreams of becoming a child like all the other. However, the impressive production cannot completely cover the lack of emotion or daring that would have made this ‘Pinocchio‘ a memorable film. Lasting two hours, the film risks getting its children audiences get tired and lose focus. The mature audiences will not find enough substance to justify the effort of watching beyond the duty to accompany children or grandchildren to the cinema theaters. This ‘Pinocchio‘ is interesting in many ways but it could have been more. The next occasion will be the animated remake of the 1940 production which is now in preparation at the Disney Studios.

Posted in movies | Tagged , , , , | Leave a comment

Portret: Beatrice Bernath – work-in-progres

BB sau Betty sau Beatrice Bernath este un fenomen. Cei care o cunosc în persoană nu pot scăpa de farmecul și prezența ei magnetică. Cei care îi cunosc întâi doar cărțile sau doar picturile se află la începutul unei explorări a unei personalități artistice complexe cu multe fațete. Am avut bucuria să o întâlnesc cu câțiva ani în urmă, și astfel am putut urmări dezvoltarea în timp și expansiunea spre noi direcții a unei personalități artistice originale. Beatrice se dezvoltă într-un univers cu dimensiuni multiple și fiecare dintre axele sistemului de coordonate este plină de substanță și de culoare.

Revin în timp cu câțiva ani în urmă, la prima noastră întâlnire fizică. Scriu ‘fizică’ deoarece ne cunoscusem deja prin intermediul rețelelor sociale și îi remarcasem scrisul alert și implicat, inclusiv cu luări de poziții personale în domenii politice sau sociale cu care uneori eram de acord, alteori eram în dezacord, dar de ignorat era greu să le ignor. Am răspuns invitației (primite cred că tot prin intermediul rețelelor sociale) de a-i vizita expoziția organizată în Haifa, la Casa Artiștilor, pe una dintre străzile laterale ale splendidului bulevard al Coloniei Germane de la poalele Grădinilor Bahailor, locul care oferă una dintre cele mai spectaculoase panorame din Israel și poate din tot bazinul Mediteranei. A fost o întâlnire pasionantă și interesantă. Lucrările erau expuse într-o dezordine care aducea mai degrabă a atelier decât a galerie. Contribuia la aceasta și una dintre caracteristicile stilului plastic al lui Beatrice. Spațiul este folosit în mod inegal. Întotdeauna ai impresia că este vorba despre ‘work-in-progress’, poate chiar este în multe cazuri. Stilul ei este foarte spontan. Una dintre primele întrebări pe care i le-am pus în prima noastră discuție a fost dacă atunci când începe o pictură și după ce intră în procesul de creație, o face după un plan, cu o imagine a ceea ce va fi să fie lucrarea în final, sau dacă este vorba despre un proces în care mișcările și culorile de acum generează mișcările și culorile care urmează. Răspunsul, cum oarecum mă așteptam, a fost că planificarea este minimă, iar ceea ce urmează cu atât mai puținprevizibil, chiar de către ea. Cred că nu mă înșel când scriu că BB a folosit cuvântul ‘transă’ pentru a descrie unele dintre stările ei de creație.

Legătura artistei cu tradiția plastică și culturală românească, israeliană și universală avea să mi se dezvăluie în anii care au urmat. Enciclopedismul și multi-culturalismul nu este o invenție a secolului 20 și a avangardei sale. Renașterea a dat lumii numeroși artiști, unii geniali, care și-au revărsat creativitatea spre domenii multiple, de la arhitectură la poezie, de la muzică la inginerie. Avangarda inaugurată de dadaiști cu un secol în urmă și continuată de suprarealiști a adăugat câteva caracteristici noi. Printre ele se numără importanța improvizației și a spontaneității ca măsură a sincerității comunicării și a actului artistic. La acestea putem adaugă relevanța cel puțin egală a formei în raport cu conținutul. Forma de exprimare face parte din mesaj. Aceste caracteristici ale avangardei românești și universale din anii 20 și 30 ai secolului trecut pot fi regăsite și în lucrările plastice ale lui Beatrice Bernath. La ea materia se supune ideii și ideea se regăsește in materie, fie că este vorba despre pictură, fotografie, colaj.

Dacă ar trebui să aleg doar una dintre caracteristicile esențiale ale creațiilor literare și plastice ale lui Beatrice, cred că aș menționa libertatea. În tot ceea ce face în arte și în scris ea pare să caute exprimarea sinceră și fără rețineri, în formă și în conținut. Există o simbolistica și elemente care revin (păsările, corpul omenesc, ochii, ah, ochii din picturile lui Beatrice!) însă spre deosebire de tradiția expresionistă, simbolul nu pune stăpânire pe mesaj. Precum în cazul multor alți artiști de valoare, libertatea se transformă în valoare datorită unei arderi interioare dar și ca urmare a unei formații artistice academice solide. Aveam să primesc o dovadă a acestei excelente pregătiri de bază culturale când am vizitat împreună cu ea și cu un grup de prieteni o expoziție a gravurilor lui Goya. Beatrice ne-a fost ghid expert, dovedind cunoștiințe profunde de istorie a artei și de tehnici de creație, ca și un talent vizibil de a explica și de a se face înțeleasă și de un public mai profan.

Nu cred că artista a căutat recunoașterea ‘oficială’ și atunci când ea a venit sub forma unui premiu național ea a fost prima care a fost surprinsă. Acel prim premiu l-a obținut pentru poezie, domeniu pe care îl cunoșteam noi, cei câteva sute de prieteni ai ei de pe Facebook, dar care odată cu apariția volumelor tipărite s-a materializat și structurat într-o nouă formă de exprimare artistică. Consistența și rezonanța cu pictura sunt vizibile desigur în volume ilustrate ca ‘Decameronii mei mișună în paradis’, ‘nudă de pus sub pernă’, ‘bazaconii existențiale’, sau ‘eu perimat’ (editura Tracus Arte, 2016) – combinații de trăiri personale și de reflectări din afară spre interior a realităților unei lumi de multe ori violente și absurde. Simbolurile revin și trec dintr-un domeniu în celălalt, din forme în cuvinte și din text în culori. Există influențe universale și cea a generațiilor beat și pop din arta și poezia anglo-saxonă pare dintre cele mai evidente, și există și o radiație a urgenței isterice a peisajului și a realității israeliene, cu căldura oamenilor, ariditatea pietrelor, culorile infinite ale mării și amenințarea perpetuă a violenței și a războiului. Folosirea limbii române la Beatrice Bernath este o experiență și ea specială. Beatrice s-a născut și a copilărit în orașul din inima României, acolo unde culturile și limbile se întâlnesc și dialoghează pe străzi și în suflete. Româna nu este nici limba ei maternă și nici limba pe care o folosește curent azi în viața de zi cu zi. Și totuși, în românește, Beatrice este fluidă atunci când scrie poezie. Poemele ei sunt ca improvizațiile unui lăutar iscusit, pe care dacă l-am pune să cânte după note o sonată clasică ar fi inevitabile câteva falsete, dar căruia melodia ii iese fără cusur când da frâu liber propriilor sentimente.

Dacă nu ar fi decât poetă, BB ar fi posesoarea unui condei remarcabil. Dacă nu ar fi decât pictoriță BB ar fi o artistă pe care aș urmări-o cu fervoare de microbist expoziție după expoziție. Talente multiple s-au întâlnit în ea, și neliniștea nu o lasă să stagneze. În cea ce privește evoluția sa viitoare, aș fi surprins doar dacă Beatrice Bernath nu ar continua să ne surprindă.

Posted in art, books | Tagged , , | Leave a comment

it could have been a masterpiece (film: The Lady from Shanghai – Orson Welles, 1947)

The Lady from Shanghai‘ (filmed in 1946 and released in 1947) is considered by some movie critics and historians, and by many film art lovers as a masterpiece. Revisited today, we can find in it many exceptional moments of cinema and we can observe innovations and details that demonstrate the genius of the unique director who was Orson Welles. On the other hand, there are moments of conventional and banal cinema, even by the standards of the ’40s. A lot has been written about the history of the film. Orson Welles initially had control of the entire production but the result seemed incomprehensible and non-commercial to executive producer Harry Cohn, who imposed changes, eventually causing Welles not to take credit as a director. In the Hollywood of those times, the director was not yet the artistic master of the entire production and many of the decisions did not belong to him. We can only imagine what an extraordinary film ‘The Lady from Shanghai‘ would have been if it had been made during the period of auteur films that started only in the 60’s. But even so, we have a lot to admire and love in this special film.

The plot is inspired by a popular novel chosen according to the legend at random. The young sailor Michael O’Hara (Orson Welles) saves one night in Central Park in New York the beautiful and rich Elsa Bannister (Rita Hayworth with a short haircut and dyed blonde, which provokes discussions to this day). The next day, he embarks as a sailor on the yacht of Elsa’s husband, Arthur Bannister (Everett Sloane), a famous criminal lawyer, sailing with them on a trip around the Americas from New York to San Francisco, passing through Mexico and Panama. Soon the passion between Michael and Elsa inevitably ignites, and the young sailor will fall victim to a criminal-sentimental intrigue that will lead him to the accused bench, in danger of being sentenced to death for a crime that he had not committed.

The voyage by sea with its stops allows Orson Welles to shoot on location wherever the story takes place, this being one of the first films that used copiously this way of filming, gaining authenticity and local color. Fascinated by other cultures, Welles creates almost documentary sequences of Mexican carnival, Chinese theater and fairs, and walks in the Panama jungle infested with insects and crocodiles. Long frames are accentuated by props selected or especially designed to amplify the effects. Acting is mostly directed towards sarcasm. Welles was probably not happy with the dialogue offered by the screenplay or the book that inspired it, and added many grotesque lines, such as in the court scenes or in the discussion between the sailors and Bannister at the beginning of the film. Welles himself is young and luminous, and Rita Hayworth is fascinating as always despite her hairstyle. The two were married when the filming was made, but their marriage was falling apart. The interventions of the heads of production did not add anything good. The music is awful, with violins lamenting all the time except for one single scene that takes place in San Francisco on the shore of the bay, when a piano is allowed to play a very appropriate jazz piece. Off-screen voice does not add anything good. Close-ups filmed in the studio were added, contrary to Welles‘ conception, and the film was shortened by more than an hour from the original originally created by the director, including the cutting of most of the final scene that takes place in a hall of mirrors in a fair, a scene that is still anthological. Unfortunately, unlike other films that fell victim to the scissors of the editing imposed by the producers, the original version and the fragments left out have not been preserved. This leaves us, the spectators today, only with dreaming of how ‘The Lady of Shanghai‘ would have looked like if it had been under the complete control of Orson Welles.

Posted in movies | Tagged , , , , , , , , | Leave a comment

before The Godfather was The Clan (film: Le clan des siciliens – Henri Verneuil, 1969)

Half a century after its making of ‘Le clan des siciliens‘ (English title – ‘The Sicilian Clan’ – a 1969 production) remains in my opinion one of the best mob films ever made. Of course, the casting of Jean Gabin, Lino Ventura and Alain Delon, ensured instant success in France and remains the main attraction as long as the names of the three big stars of the French screen will not be completely forgotten. However, the film has many more reasons for satisfaction for viewers even seen today, being very well written and being filmed in an alert and interesting way. Even outdated elements of technology (phones, airports, cars) are reasons for nostalgia and reflection on changes in our pace and lifestyle. It is probably the best film by director Henri Verneuil, who proves to be a fine professional here.

Three years before Coppola‘s ‘The Godfather‘, Verneuil‘s film introduces us to the world of the Sicilian criminal families spread around the world, with their rules of honor and family traditions combined naturally with murders, burglaries and illicit trades. I’m ready to bet on a VIP invitation to a movie premiere that Marlon Brando saw Jean Gabin as the head of the Sicilian-Parisian clan before playing the role of Don Vito Corleone. Lino Ventura plays here the role of the police commissioner who is on the good side of the law, a role different from those in many of his previous films. Alain Delon is the intruder, a violent and unscrupulous gangster devoid of any trace of respect for the lives of others, except perhaps that of his sister. Family values seem to be the only positive aspects in this world of crime. All the characters are excellently conceived psychologically and impeccably interpreted.

Paris is always the ideal place to film a thriller and the film does not lack car chases and spectacular escapes, as well as one of the most original stories of jewelry robbery. Lovers of technological comparisons will have fun finding out or remembering some of the modernities of the time that are now museum pieces, but in retrospect it can be said that the lives of criminals and policemen were at least as interesting then as now. Cinematography and alert editing are highlighted by the music composed by Ennio Morricone. Even those who have not seen the film have certainly heard the tune of the main musical theme. ‘Le clan des siciliens‘ proves to be, half a century after its making, excellent entertainment. It’s probably also the perfect gangster movie.

Posted in movies | Tagged , , , , , , , , , | Leave a comment

the fascinating Rita (film: Gilda – Rita Hayworth, 1946)

Gilda‘ was one of the great hits of the 1946 film year. It was screened at the first Cannes Film Festival and even had an atomic bomb named after it (or after it, to be exact). The director of the film was Charles (Karoly) Vidor, one of the Hungarian-born filmmakers who came to Hollywood in the first half of the 20th century and contributed immensely to the progress of the film industry and the formation of the taste of the American and international public. If we agree with the opinion that a film, like any other work of art, is a dialogue between the artistic object and its consumer, then even if the images and sound of ‘Gilda‘ have remained the same, the viewers are completely different, several generations after their grandparents or great-grandparents saw this movie. So what does the new ‘Gilda‘ tell us, the spectators of the year 2020?

The characters and the style of filming, belong to the film noir genre. As in the classic ‘Casablanca‘, the main characters are two men and a woman who meet in a luxurious place (an illegal casino in this case) far from the United States (Buenos Aires in this case). As in Michael Curtiz‘s film, the thriller plot (speculative and illegal tungsten trade during and after World War II) is of secondary importance. The screenwriters’ and the director’s attention is focused on the relationships of the love triangle formed by the charming crook Johnny Farrell (played by Glenn Ford), his friend and boss Ballin Mundson (played by George Macready) and his fascinating wife (played by the formidable Rita Hayworth), the woman who brings the history of a past affair with Johnny between the two men. The police intrigue is trivial and smells more of a pretext. On the other hand, the love and hate story between Gilda and Johnny has a strong and modern ambiguity.

Rita Hayworth is fascinating. Her magnetism, beauty and her dramatic and vocal qualities (although in some of the songs her voice is doubled by that of Anita Ellis) make so that not only the men in the movie but also the whole film revolves around her. This fascination has stood the test of time. Her character has consistency and is revealed to the viewer gradually, gaining empathy and justifying herself psychologically and morally. Glenn Ford matches her in a charming role, which remains a psychological mystery. Inserting off-screen voice does not help. What determines his attitude towards Gilda? Devotion to the boss-friend who saved his life, or maybe it’s an allusion to a homoerotic relationship at a time when the subject was still taboo in Hollywood? It is one of the timid darings of the film that was forced to abide by the Hollywood codes of 1946. And yet, I think that the audiences then understood at least as much as today, and here lies part of the secret of the house success of film at the time. Today, if a remake were made, it would probably be a violent film full of explicit eroticism. But it wouldn’t necessarily be a better movie.

Posted in Uncategorized | Tagged , , , , , , , , , | Leave a comment

CHANGE.WORLD: Zborul spre Lună al lui Fritz Lang

Călătoriile spre Lună se află în aceste săptămâni în centrul atenției. Pare paradoxal, dacă ținem cont de faptul că întreaga planetă este confruntată cu pandemia produsă de virusul COVID-19, dar probabil că nu ar trebui să ne mirăm așa de mult. În primul rând, evenimentele spațiale la care suntem martori sunt activități planificate cu ani în urmă, în care s-au investit deja uriașe resurse materiale și multă inteligență umană. Apoi, așa cum am menționat și în articole precedente ale rubricii CHANGE.WORLD (cel mai recent săptămâna trecută), ultimul deceniu a fost martorul – cel puțin în Statele Unite – al unui proces de diversificare a surselor de tehnologie, proces care permite industriei private să participe în măsură din ce în ce mai mare în activitățile de explorare spațială. În final, tocmai agravarea problemelor pe care umanitatea le are de înfruntat pe Terra este argumentul cel mai bun că avem nevoie de un ‘Plan B’ care înseamnă căutarea unor adăposturi alternative pentru specia noastră. Nu este deloc prea devreme, și aceste activități nu ar trebui suspendate sau amânate. Reluarea călătoriilor spre Lună reprezintă doar prima fază a zborurilor spre alte sisteme stelare, în căutarea unor planete care să-i găzduiască in viitor pe urmașii noștri. 

(sursa imaginii: imdb.com/title/tt0000417/mediaviewer/rm2872914944)

Imaginația umană nu este însă numai tehnică. Scriitorii și cineaștii au visat călătoriile în spațiu și ne-au purtat pe noi, cititori și spectatori de filme, spre Lună, spre alte planete și spre alte stele cu mult înainte ca rachetele adevărate să fi lansat primele misiuni de cercetare și pe primii astronauți. Romanul clasic care inaugurează genul literar este ‘De la Pământ la Lună, traseu direct în 97 de ore și 20 de minute’, publicat de Jules Vernes în 1865, urmat în 1869 de ‘Călătorie în jurul lunii’. Dipticul lui Jules Verne l-a inspirat pe H.G. Wells să publice, în 1901, romanul său ‘Primii oameni pe Lună’, care a fost sursa de inspirație a filmului lui Georges Melies ‘Călătorie spre Lună’ (‘Le voyage dans la lune’) din 1902. Era de fapt un ‘remake’, o a doua încercare a pionierului francez al artei cinematografice de a aborda tema călătoriei spre Lună. Prima, cu același nume, data din 1898, la mai puțin de trei ani de la primele proiecții cu imagini mișcătoare ale fraților Lumiere. Filmul lui Melies era deja o exuberanță fantastică în care pregătirile tehnice pentru construirea și lansarea cu ajutorul unui tun imens a vehiculului spațial erau completate de descrieri pline de imaginație ale creaturilor fantastice și pericolelor care îi așteptau pe îndrăzneții care s-ar aventura spre satelitul natural al Pământului. Astronomi, zei, regi și insecte uriașe se întâlnesc într-o dezlănțuire formidabilă care face din acest film creat în zorii cinematografiei un precursor al epopeelor spațiale de mai târziu.

(sursa imaginii: imdb.com/title/tt0019901/mediaviewer/rm545986048)

Filmul clasic cel mai reprezentativ în istoria genului este însă fără îndoială ‘Femeia de pe Lună’ (‘Frau im Mond’), al maestrului școlii cinematografice expresioniste germane, Fritz Lang. Realizat în 1929, filmul lui Lang este o bornă cinematografică, fiind nu numai ultimul mare film de science-fiction al perioadei cinematografului mut, ci și ultimul film nevorbitor din creația lui Lang. Avea să-i urmeze, în 1931, ‘M’, considerat unul dintre vârfurile carierei sale, penultimul film înainte ca regizorul să părăsească Germania unde vor ajunge în 1933 la putere naziștii. Arta cinematografică evoluase enorm în cele trei decenii care despart filmele lui Georges Melies și Fritz Lang, progresând de la stadiul de curiozitate și experiment spre maturitate și divertisment popular. ‘Călătoria spre Lună’ dura 13 minute, în timp ce ‘Femeia de pe Lună’, la două ore și jumătate de proiecție, are o durată astăzi considerată standard doar pentru filmele monumentale ale marilor studiouri. Am revăzut recent versiunea renovată în anul 2000 și experiența cinematografică a fost cât se poate de proaspătă și de consistentă.

sursa imaginii: imdb.com/title/tt0019901/mediaviewer/rm545986048

‘Femeia de pe Lună’ are și o legătură românească, sau dacă vreți ardelenească. Reîntâlnim pe genericul filmului un nume despre care am discutat cu câteva săptămâni în urmă, într-un articol al rubricii noastre. Este vorba despre controversatul Hermann Oberth, savantul sas de origine română, născut la Sibiu în 1894, considerat ca unul dintre părinții fondatori ai științelor rachetelor și a astronauticii, al cărui nume în istorie este însă întinat de simpatiile naziste și de participarea sa în timpul celui de-al doilea război mondial în programul de construire al rachetelor V-2 care erau lansate spre Anglia și în special Londra de la Peenemunde. După război, a fost recrutat, împreună cu alți savanți care lucraseră pentru Germania nazistă, dintre care cel mai cunoscut a fost Werner von Braun, în programele de rachete și explorări spațiale americane. Pe genericul filmului, numele său este menționat împreună cu cel al orașului Mediaș, unde în anii aceea era profesor la liceul Stephan Ludwig Roth. Contribuția lui Oberth este vizibilă în detaliile care anticipează cu precizie în acest film realizat în 1929 principiile care au stat la baza expedițiilor spre Lună din cadrul programului Apollo în anii ’60 și ’70 ai secolului trecut și mai sunt valabile și astăzi. Lansarea rachetei pe o rampă exterioară hangarului unde a fost asamblată, loc spre care este transportată pe două trenuri care circulă pe șine uriașe, este exact procedeul folosit de NASA la Cape Canaveral. Bazinul de apă pentru răcire și stabilizare de sub rampa de lansare poate fi văzut și astăzi la lansări. Racheta cu trepte multiple este similară celor folosite din anii ’60 încoace, pentru a învinge gravitația terestră și a trimite obiecte în spațiu. Traiectoria dublu eliptică înconjurând Luna și accesând partea sa invizibilă este cea folosită de misiunile Apollo, începând cu Apollo-8. În fapt, detaliile tehnice erau așa de apropiate de realitățile tehnologiei avansate a timpului, încât Germania nazistă a interzis filmul între 1933 și 1945 nu numai din cauza simpatiilor democratice ale lui Lang cât, mai ales, datorită similitudinilor dintre ceea ce poate fi văzut în film și programul secret V-2. De altfel, Oberth chiar plănuia să construiască o rachetă adevărată pentru lansarea din film, dar restricțiile de buget (Fritz Lang și-a produs filmul pe propriile spețe, închiriind facilitățile studiourilor UFA) l-au determinat să se mulțumească cu machete.

(sursa imaginii: imdb.com/title/tt0019901/mediaviewer/rm3594285824)

Din punctul de vedere al cinematografiei, putem împărți ‘Frau im Mond’ în trei părți. Prima aparține expresionismului german, cu excentricul profesor Manfeldt expunând tânărului antreprenor Wolf Helius rezultatele cercetărilor sale legate de călătoria pe Lună, existența atmosferei respirabile pe partea invizibilă și zăcămintele de aur care îi vor recompensa pe îndrăzneții care vor reuși să ajungă acolo. Partea a doua este o intrigă de spionaj industrial care se petrece în mediul Berlinului contemporan epocii, într-un decor modernist, după criteriile vremii. Urmează lansarea pe care am menționat-o, călătoria în spațiu și aselenizarea. Peisajul lunar creat de Fritz Lang este destul de bine imaginat, cu 40 de ani înainte ca primii astronauți să ajungă pe Lună și să transmită de acolo imagini în direct. Efectele supra-accelerației la decolare și ale imponderabilității în timpul călătoriei sunt descrise corect. Desigur, nu toate detaliile sunt realiste sau credibile din perspectiva experienței acumulate în timpul programelor de explorare spațială. Nu a fost descoperită niciun fel de atmosferă pe Lună și supraviețuirea fără echipamentele de protecție este imposibilă. Forța gravitațională este doar o treime pe Lună din cea de pe Terra. Viziunea globală este însă suficient de corectă și imaginația creatoare a lui Lang deschide drumuri care au fost urmate de alți cineaști ca Stanley Kubrick și George Lucas.

(sursa imaginii: imdb.com/title/tt0019901/mediaviewer/rm3392959232)

În paralel cu elementele de anticipație, filmul are o intrigă politică și relatează și o frumoasă poveste de dragoste. Inventivitatea inginerilor și curajul exploratorilor sunt confruntate cu scopurile mercantile ale unei bande de capitaliști, care doresc să pună mâna pe zăcămintele de aur de pe Lună. Desigur, aceasta este o reflectare a polarizării între extremele politice ale Republicii de la Weimar (personajul negativ principal are o șuviță de păr a la Hitler), dar astăzi, când antreprenori și investitori privați sunt din ce în ce mai implicați în explorarea spațiului, nu avem de-a face cu o variantă a acestui gen de conflicte? Cercetarea spațială de astăzi este diversă și are și o componentă strategică, însă este nevoie și de o fundamentare economică pentru a-i amplifica atractivitatea. Povestea de dragoste din film se sfârșește cu un happy-end, dar cu unul destul de ciudat. Cei doi îndrăgostiți se regăsesc împreună, singuri, pe Lună. Rivalul curajosului Wolf Helius se întoarce spre Terra, planeta cu problemele și conflictele ei. Îndrăgostiții vor trăi poate împreună până la adânci bătrâneți și au la îndemână și toate comorile pe care și le pot dori. Sunt ei însă condamnați și la singurătate? Sau poate sunt Adam și Eva ai unei noi reîncarnări a omenirii? Merită să vedeți filmul pentru a încerca să răspundeți acestor întrebări.

(Articolul a apărut iniţial in revista culturală ‘Literatura de Azi’ – http://literaturadeazi.ro/)

Posted in change.world | Leave a comment

Coco before Chanel, Audrey after Amelie (film: Coco avant Chanel – Audrey Tautou, 2009)

Anne Fontaine‘s film ‘Coco avant Chanel‘ (the English title is ‘Coco Before Chanel‘) has three serious reasons to be a movie that I like. Their names are Audrey Tautou, Benoît Poelvoorde and Emmanuelle Devos. Two actresses and an actor who, from my point of view, can’t go wrong on screen and who turn every movie they act in into a delight. Here, too, the three did not disappoint me, but still, this story of the becoming the famous fashion designer Coco Chanel from childhood in an orphanage to the launch of her fabulous career was not up to my expectations. It is a very well made and aesthetically beautiful film, it has some interesting ideas, but it lacks something essential: emotion.

The story follows quite faithfully the rules of the biopic genre. For Gabrielle Chanel (the future Coco – Audrey Tautou), abandoned as a child together with her sister in an orphanage, there were not many alternatives to getting out of poverty at the end of the 19th century. The social comment on women’s status is critical and acute, and we know it well from the novels of Emile Zola and other writers of the time. To overcome her status as a worker in a tailor’s shop, Gabrielle will become the mistress of a wealthy horse owner, Etienne Balsan (played by Benoît Poelvoorde), dreaming of becoming a cabaret actress or a singer. Meanwhile, in order to supplement her income, she begins to create hats and especially to look critically at the exuberant but extremely impractical and uncomfortable dresses of the women in high society. The story advances describing in parallel the sentimental life of the heroine involved in a love triangle with Balsan and Boy Capel, a rich Englishman (played by Alessandro Nivola) and the transformation of her side occupation from a simple craft into a creative activity with a personal vision that was to turn tailoring into art and would influence the lives of 20th century women. When the love story ends, the formidable career of Coco Chanel will begin.

Audrey Tautou‘s role in ‘Amélie‘ was so memorable that it is almost inevitable that anything she did afterwards will be compared to that role. Her character in ‘Coco avant Chanel‘ is very different from Amelie. Gabrielle faces social barriers in both her private and professional life, defeating them not by means of kindness but with determination, being endowed with the inner strength of the lonely individuals hit early in life, which will allow her to overcome tragedies and break through to success. This kind of people or characters do not externalize, you have to look deep into their eyes to read their feelings. Benoît Poelvoorde is excellent in the role of Balzan, the wealthy and decadent bourgeois, with a deep superficiality. Emmanuelle Devos appears in a supporting role that she undertakes brilliantly, playing the character of the actress who begins by being the idol of Gabrielle / Coco, then becoming her social mentor, encouraging her talent and gaining her friendship (or maybe more than that). Director Anne Fontaine was very attentive to details and the film looks good and authentic. But the passion is missing, too often the characters behave predictably, they fail to put enough life behind the stereotypes. ‘Coco avant Chanel‘ is not a bad film, but it is positioned too close to the docu-drama and too far from an original artistic vision, which is exactly what characterized the art of Coco Chanel.

Posted in Uncategorized | Leave a comment