Portret: Beatrice Bernath – work-in-progres

BB sau Betty sau Beatrice Bernath este un fenomen. Cei care o cunosc în persoană nu pot scăpa de farmecul și prezența ei magnetică. Cei care îi cunosc întâi doar cărțile sau doar picturile se află la începutul unei explorări a unei personalități artistice complexe cu multe fațete. Am avut bucuria să o întâlnesc cu câțiva ani în urmă, și astfel am putut urmări dezvoltarea în timp și expansiunea spre noi direcții a unei personalități artistice originale. Beatrice se dezvoltă într-un univers cu dimensiuni multiple și fiecare dintre axele sistemului de coordonate este plină de substanță și de culoare.

Revin în timp cu câțiva ani în urmă, la prima noastră întâlnire fizică. Scriu ‘fizică’ deoarece ne cunoscusem deja prin intermediul rețelelor sociale și îi remarcasem scrisul alert și implicat, inclusiv cu luări de poziții personale în domenii politice sau sociale cu care uneori eram de acord, alteori eram în dezacord, dar de ignorat era greu să le ignor. Am răspuns invitației (primite cred că tot prin intermediul rețelelor sociale) de a-i vizita expoziția organizată în Haifa, la Casa Artiștilor, pe una dintre străzile laterale ale splendidului bulevard al Coloniei Germane de la poalele Grădinilor Bahailor, locul care oferă una dintre cele mai spectaculoase panorame din Israel și poate din tot bazinul Mediteranei. A fost o întâlnire pasionantă și interesantă. Lucrările erau expuse într-o dezordine care aducea mai degrabă a atelier decât a galerie. Contribuia la aceasta și una dintre caracteristicile stilului plastic al lui Beatrice. Spațiul este folosit în mod inegal. Întotdeauna ai impresia că este vorba despre ‘work-in-progress’, poate chiar este în multe cazuri. Stilul ei este foarte spontan. Una dintre primele întrebări pe care i le-am pus în prima noastră discuție a fost dacă atunci când începe o pictură și după ce intră în procesul de creație, o face după un plan, cu o imagine a ceea ce va fi să fie lucrarea în final, sau dacă este vorba despre un proces în care mișcările și culorile de acum generează mișcările și culorile care urmează. Răspunsul, cum oarecum mă așteptam, a fost că planificarea este minimă, iar ceea ce urmează cu atât mai puținprevizibil, chiar de către ea. Cred că nu mă înșel când scriu că BB a folosit cuvântul ‘transă’ pentru a descrie unele dintre stările ei de creație.

Legătura artistei cu tradiția plastică și culturală românească, israeliană și universală avea să mi se dezvăluie în anii care au urmat. Enciclopedismul și multi-culturalismul nu este o invenție a secolului 20 și a avangardei sale. Renașterea a dat lumii numeroși artiști, unii geniali, care și-au revărsat creativitatea spre domenii multiple, de la arhitectură la poezie, de la muzică la inginerie. Avangarda inaugurată de dadaiști cu un secol în urmă și continuată de suprarealiști a adăugat câteva caracteristici noi. Printre ele se numără importanța improvizației și a spontaneității ca măsură a sincerității comunicării și a actului artistic. La acestea putem adaugă relevanța cel puțin egală a formei în raport cu conținutul. Forma de exprimare face parte din mesaj. Aceste caracteristici ale avangardei românești și universale din anii 20 și 30 ai secolului trecut pot fi regăsite și în lucrările plastice ale lui Beatrice Bernath. La ea materia se supune ideii și ideea se regăsește in materie, fie că este vorba despre pictură, fotografie, colaj.

Dacă ar trebui să aleg doar una dintre caracteristicile esențiale ale creațiilor literare și plastice ale lui Beatrice, cred că aș menționa libertatea. În tot ceea ce face în arte și în scris ea pare să caute exprimarea sinceră și fără rețineri, în formă și în conținut. Există o simbolistica și elemente care revin (păsările, corpul omenesc, ochii, ah, ochii din picturile lui Beatrice!) însă spre deosebire de tradiția expresionistă, simbolul nu pune stăpânire pe mesaj. Precum în cazul multor alți artiști de valoare, libertatea se transformă în valoare datorită unei arderi interioare dar și ca urmare a unei formații artistice academice solide. Aveam să primesc o dovadă a acestei excelente pregătiri de bază culturale când am vizitat împreună cu ea și cu un grup de prieteni o expoziție a gravurilor lui Goya. Beatrice ne-a fost ghid expert, dovedind cunoștiințe profunde de istorie a artei și de tehnici de creație, ca și un talent vizibil de a explica și de a se face înțeleasă și de un public mai profan.

Nu cred că artista a căutat recunoașterea ‘oficială’ și atunci când ea a venit sub forma unui premiu național ea a fost prima care a fost surprinsă. Acel prim premiu l-a obținut pentru poezie, domeniu pe care îl cunoșteam noi, cei câteva sute de prieteni ai ei de pe Facebook, dar care odată cu apariția volumelor tipărite s-a materializat și structurat într-o nouă formă de exprimare artistică. Consistența și rezonanța cu pictura sunt vizibile desigur în volume ilustrate ca ‘Decameronii mei mișună în paradis’, ‘nudă de pus sub pernă’, ‘bazaconii existențiale’, sau ‘eu perimat’ (editura Tracus Arte, 2016) – combinații de trăiri personale și de reflectări din afară spre interior a realităților unei lumi de multe ori violente și absurde. Simbolurile revin și trec dintr-un domeniu în celălalt, din forme în cuvinte și din text în culori. Există influențe universale și cea a generațiilor beat și pop din arta și poezia anglo-saxonă pare dintre cele mai evidente, și există și o radiație a urgenței isterice a peisajului și a realității israeliene, cu căldura oamenilor, ariditatea pietrelor, culorile infinite ale mării și amenințarea perpetuă a violenței și a războiului. Folosirea limbii române la Beatrice Bernath este o experiență și ea specială. Beatrice s-a născut și a copilărit în orașul din inima României, acolo unde culturile și limbile se întâlnesc și dialoghează pe străzi și în suflete. Româna nu este nici limba ei maternă și nici limba pe care o folosește curent azi în viața de zi cu zi. Și totuși, în românește, Beatrice este fluidă atunci când scrie poezie. Poemele ei sunt ca improvizațiile unui lăutar iscusit, pe care dacă l-am pune să cânte după note o sonată clasică ar fi inevitabile câteva falsete, dar căruia melodia ii iese fără cusur când da frâu liber propriilor sentimente.

Dacă nu ar fi decât poetă, BB ar fi posesoarea unui condei remarcabil. Dacă nu ar fi decât pictoriță BB ar fi o artistă pe care aș urmări-o cu fervoare de microbist expoziție după expoziție. Talente multiple s-au întâlnit în ea, și neliniștea nu o lasă să stagneze. În cea ce privește evoluția sa viitoare, aș fi surprins doar dacă Beatrice Bernath nu ar continua să ne surprindă.

Posted in art, books | Tagged , , | Leave a comment

it could have been a masterpiece (film: The Lady from Shanghai – Orson Welles, 1947)

The Lady from Shanghai‘ (filmed in 1946 and released in 1947) is considered by some movie critics and historians, and by many film art lovers as a masterpiece. Revisited today, we can find in it many exceptional moments of cinema and we can observe innovations and details that demonstrate the genius of the unique director who was Orson Welles. On the other hand, there are moments of conventional and banal cinema, even by the standards of the ’40s. A lot has been written about the history of the film. Orson Welles initially had control of the entire production but the result seemed incomprehensible and non-commercial to executive producer Harry Cohn, who imposed changes, eventually causing Welles not to take credit as a director. In the Hollywood of those times, the director was not yet the artistic master of the entire production and many of the decisions did not belong to him. We can only imagine what an extraordinary film ‘The Lady from Shanghai‘ would have been if it had been made during the period of auteur films that started only in the 60’s. But even so, we have a lot to admire and love in this special film.

The plot is inspired by a popular novel chosen according to the legend at random. The young sailor Michael O’Hara (Orson Welles) saves one night in Central Park in New York the beautiful and rich Elsa Bannister (Rita Hayworth with a short haircut and dyed blonde, which provokes discussions to this day). The next day, he embarks as a sailor on the yacht of Elsa’s husband, Arthur Bannister (Everett Sloane), a famous criminal lawyer, sailing with them on a trip around the Americas from New York to San Francisco, passing through Mexico and Panama. Soon the passion between Michael and Elsa inevitably ignites, and the young sailor will fall victim to a criminal-sentimental intrigue that will lead him to the accused bench, in danger of being sentenced to death for a crime that he had not committed.

The voyage by sea with its stops allows Orson Welles to shoot on location wherever the story takes place, this being one of the first films that used copiously this way of filming, gaining authenticity and local color. Fascinated by other cultures, Welles creates almost documentary sequences of Mexican carnival, Chinese theater and fairs, and walks in the Panama jungle infested with insects and crocodiles. Long frames are accentuated by props selected or especially designed to amplify the effects. Acting is mostly directed towards sarcasm. Welles was probably not happy with the dialogue offered by the screenplay or the book that inspired it, and added many grotesque lines, such as in the court scenes or in the discussion between the sailors and Bannister at the beginning of the film. Welles himself is young and luminous, and Rita Hayworth is fascinating as always despite her hairstyle. The two were married when the filming was made, but their marriage was falling apart. The interventions of the heads of production did not add anything good. The music is awful, with violins lamenting all the time except for one single scene that takes place in San Francisco on the shore of the bay, when a piano is allowed to play a very appropriate jazz piece. Off-screen voice does not add anything good. Close-ups filmed in the studio were added, contrary to Welles‘ conception, and the film was shortened by more than an hour from the original originally created by the director, including the cutting of most of the final scene that takes place in a hall of mirrors in a fair, a scene that is still anthological. Unfortunately, unlike other films that fell victim to the scissors of the editing imposed by the producers, the original version and the fragments left out have not been preserved. This leaves us, the spectators today, only with dreaming of how ‘The Lady of Shanghai‘ would have looked like if it had been under the complete control of Orson Welles.

Posted in movies | Tagged , , , , , , , , | Leave a comment

before The Godfather was The Clan (film: Le clan des siciliens – Henri Verneuil, 1969)

Half a century after its making of ‘Le clan des siciliens‘ (English title – ‘The Sicilian Clan’ – a 1969 production) remains in my opinion one of the best mob films ever made. Of course, the casting of Jean Gabin, Lino Ventura and Alain Delon, ensured instant success in France and remains the main attraction as long as the names of the three big stars of the French screen will not be completely forgotten. However, the film has many more reasons for satisfaction for viewers even seen today, being very well written and being filmed in an alert and interesting way. Even outdated elements of technology (phones, airports, cars) are reasons for nostalgia and reflection on changes in our pace and lifestyle. It is probably the best film by director Henri Verneuil, who proves to be a fine professional here.

Three years before Coppola‘s ‘The Godfather‘, Verneuil‘s film introduces us to the world of the Sicilian criminal families spread around the world, with their rules of honor and family traditions combined naturally with murders, burglaries and illicit trades. I’m ready to bet on a VIP invitation to a movie premiere that Marlon Brando saw Jean Gabin as the head of the Sicilian-Parisian clan before playing the role of Don Vito Corleone. Lino Ventura plays here the role of the police commissioner who is on the good side of the law, a role different from those in many of his previous films. Alain Delon is the intruder, a violent and unscrupulous gangster devoid of any trace of respect for the lives of others, except perhaps that of his sister. Family values seem to be the only positive aspects in this world of crime. All the characters are excellently conceived psychologically and impeccably interpreted.

Paris is always the ideal place to film a thriller and the film does not lack car chases and spectacular escapes, as well as one of the most original stories of jewelry robbery. Lovers of technological comparisons will have fun finding out or remembering some of the modernities of the time that are now museum pieces, but in retrospect it can be said that the lives of criminals and policemen were at least as interesting then as now. Cinematography and alert editing are highlighted by the music composed by Ennio Morricone. Even those who have not seen the film have certainly heard the tune of the main musical theme. ‘Le clan des siciliens‘ proves to be, half a century after its making, excellent entertainment. It’s probably also the perfect gangster movie.

Posted in movies | Tagged , , , , , , , , , | Leave a comment

the fascinating Rita (film: Gilda – Rita Hayworth, 1946)

Gilda‘ was one of the great hits of the 1946 film year. It was screened at the first Cannes Film Festival and even had an atomic bomb named after it (or after it, to be exact). The director of the film was Charles (Karoly) Vidor, one of the Hungarian-born filmmakers who came to Hollywood in the first half of the 20th century and contributed immensely to the progress of the film industry and the formation of the taste of the American and international public. If we agree with the opinion that a film, like any other work of art, is a dialogue between the artistic object and its consumer, then even if the images and sound of ‘Gilda‘ have remained the same, the viewers are completely different, several generations after their grandparents or great-grandparents saw this movie. So what does the new ‘Gilda‘ tell us, the spectators of the year 2020?

The characters and the style of filming, belong to the film noir genre. As in the classic ‘Casablanca‘, the main characters are two men and a woman who meet in a luxurious place (an illegal casino in this case) far from the United States (Buenos Aires in this case). As in Michael Curtiz‘s film, the thriller plot (speculative and illegal tungsten trade during and after World War II) is of secondary importance. The screenwriters’ and the director’s attention is focused on the relationships of the love triangle formed by the charming crook Johnny Farrell (played by Glenn Ford), his friend and boss Ballin Mundson (played by George Macready) and his fascinating wife (played by the formidable Rita Hayworth), the woman who brings the history of a past affair with Johnny between the two men. The police intrigue is trivial and smells more of a pretext. On the other hand, the love and hate story between Gilda and Johnny has a strong and modern ambiguity.

Rita Hayworth is fascinating. Her magnetism, beauty and her dramatic and vocal qualities (although in some of the songs her voice is doubled by that of Anita Ellis) make so that not only the men in the movie but also the whole film revolves around her. This fascination has stood the test of time. Her character has consistency and is revealed to the viewer gradually, gaining empathy and justifying herself psychologically and morally. Glenn Ford matches her in a charming role, which remains a psychological mystery. Inserting off-screen voice does not help. What determines his attitude towards Gilda? Devotion to the boss-friend who saved his life, or maybe it’s an allusion to a homoerotic relationship at a time when the subject was still taboo in Hollywood? It is one of the timid darings of the film that was forced to abide by the Hollywood codes of 1946. And yet, I think that the audiences then understood at least as much as today, and here lies part of the secret of the house success of film at the time. Today, if a remake were made, it would probably be a violent film full of explicit eroticism. But it wouldn’t necessarily be a better movie.

Posted in Uncategorized | Tagged , , , , , , , , , | Leave a comment

CHANGE.WORLD: Zborul spre Lună al lui Fritz Lang

Călătoriile spre Lună se află în aceste săptămâni în centrul atenției. Pare paradoxal, dacă ținem cont de faptul că întreaga planetă este confruntată cu pandemia produsă de virusul COVID-19, dar probabil că nu ar trebui să ne mirăm așa de mult. În primul rând, evenimentele spațiale la care suntem martori sunt activități planificate cu ani în urmă, în care s-au investit deja uriașe resurse materiale și multă inteligență umană. Apoi, așa cum am menționat și în articole precedente ale rubricii CHANGE.WORLD (cel mai recent săptămâna trecută), ultimul deceniu a fost martorul – cel puțin în Statele Unite – al unui proces de diversificare a surselor de tehnologie, proces care permite industriei private să participe în măsură din ce în ce mai mare în activitățile de explorare spațială. În final, tocmai agravarea problemelor pe care umanitatea le are de înfruntat pe Terra este argumentul cel mai bun că avem nevoie de un ‘Plan B’ care înseamnă căutarea unor adăposturi alternative pentru specia noastră. Nu este deloc prea devreme, și aceste activități nu ar trebui suspendate sau amânate. Reluarea călătoriilor spre Lună reprezintă doar prima fază a zborurilor spre alte sisteme stelare, în căutarea unor planete care să-i găzduiască in viitor pe urmașii noștri. 

(sursa imaginii: imdb.com/title/tt0000417/mediaviewer/rm2872914944)

Imaginația umană nu este însă numai tehnică. Scriitorii și cineaștii au visat călătoriile în spațiu și ne-au purtat pe noi, cititori și spectatori de filme, spre Lună, spre alte planete și spre alte stele cu mult înainte ca rachetele adevărate să fi lansat primele misiuni de cercetare și pe primii astronauți. Romanul clasic care inaugurează genul literar este ‘De la Pământ la Lună, traseu direct în 97 de ore și 20 de minute’, publicat de Jules Vernes în 1865, urmat în 1869 de ‘Călătorie în jurul lunii’. Dipticul lui Jules Verne l-a inspirat pe H.G. Wells să publice, în 1901, romanul său ‘Primii oameni pe Lună’, care a fost sursa de inspirație a filmului lui Georges Melies ‘Călătorie spre Lună’ (‘Le voyage dans la lune’) din 1902. Era de fapt un ‘remake’, o a doua încercare a pionierului francez al artei cinematografice de a aborda tema călătoriei spre Lună. Prima, cu același nume, data din 1898, la mai puțin de trei ani de la primele proiecții cu imagini mișcătoare ale fraților Lumiere. Filmul lui Melies era deja o exuberanță fantastică în care pregătirile tehnice pentru construirea și lansarea cu ajutorul unui tun imens a vehiculului spațial erau completate de descrieri pline de imaginație ale creaturilor fantastice și pericolelor care îi așteptau pe îndrăzneții care s-ar aventura spre satelitul natural al Pământului. Astronomi, zei, regi și insecte uriașe se întâlnesc într-o dezlănțuire formidabilă care face din acest film creat în zorii cinematografiei un precursor al epopeelor spațiale de mai târziu.

(sursa imaginii: imdb.com/title/tt0019901/mediaviewer/rm545986048)

Filmul clasic cel mai reprezentativ în istoria genului este însă fără îndoială ‘Femeia de pe Lună’ (‘Frau im Mond’), al maestrului școlii cinematografice expresioniste germane, Fritz Lang. Realizat în 1929, filmul lui Lang este o bornă cinematografică, fiind nu numai ultimul mare film de science-fiction al perioadei cinematografului mut, ci și ultimul film nevorbitor din creația lui Lang. Avea să-i urmeze, în 1931, ‘M’, considerat unul dintre vârfurile carierei sale, penultimul film înainte ca regizorul să părăsească Germania unde vor ajunge în 1933 la putere naziștii. Arta cinematografică evoluase enorm în cele trei decenii care despart filmele lui Georges Melies și Fritz Lang, progresând de la stadiul de curiozitate și experiment spre maturitate și divertisment popular. ‘Călătoria spre Lună’ dura 13 minute, în timp ce ‘Femeia de pe Lună’, la două ore și jumătate de proiecție, are o durată astăzi considerată standard doar pentru filmele monumentale ale marilor studiouri. Am revăzut recent versiunea renovată în anul 2000 și experiența cinematografică a fost cât se poate de proaspătă și de consistentă.

sursa imaginii: imdb.com/title/tt0019901/mediaviewer/rm545986048

‘Femeia de pe Lună’ are și o legătură românească, sau dacă vreți ardelenească. Reîntâlnim pe genericul filmului un nume despre care am discutat cu câteva săptămâni în urmă, într-un articol al rubricii noastre. Este vorba despre controversatul Hermann Oberth, savantul sas de origine română, născut la Sibiu în 1894, considerat ca unul dintre părinții fondatori ai științelor rachetelor și a astronauticii, al cărui nume în istorie este însă întinat de simpatiile naziste și de participarea sa în timpul celui de-al doilea război mondial în programul de construire al rachetelor V-2 care erau lansate spre Anglia și în special Londra de la Peenemunde. După război, a fost recrutat, împreună cu alți savanți care lucraseră pentru Germania nazistă, dintre care cel mai cunoscut a fost Werner von Braun, în programele de rachete și explorări spațiale americane. Pe genericul filmului, numele său este menționat împreună cu cel al orașului Mediaș, unde în anii aceea era profesor la liceul Stephan Ludwig Roth. Contribuția lui Oberth este vizibilă în detaliile care anticipează cu precizie în acest film realizat în 1929 principiile care au stat la baza expedițiilor spre Lună din cadrul programului Apollo în anii ’60 și ’70 ai secolului trecut și mai sunt valabile și astăzi. Lansarea rachetei pe o rampă exterioară hangarului unde a fost asamblată, loc spre care este transportată pe două trenuri care circulă pe șine uriașe, este exact procedeul folosit de NASA la Cape Canaveral. Bazinul de apă pentru răcire și stabilizare de sub rampa de lansare poate fi văzut și astăzi la lansări. Racheta cu trepte multiple este similară celor folosite din anii ’60 încoace, pentru a învinge gravitația terestră și a trimite obiecte în spațiu. Traiectoria dublu eliptică înconjurând Luna și accesând partea sa invizibilă este cea folosită de misiunile Apollo, începând cu Apollo-8. În fapt, detaliile tehnice erau așa de apropiate de realitățile tehnologiei avansate a timpului, încât Germania nazistă a interzis filmul între 1933 și 1945 nu numai din cauza simpatiilor democratice ale lui Lang cât, mai ales, datorită similitudinilor dintre ceea ce poate fi văzut în film și programul secret V-2. De altfel, Oberth chiar plănuia să construiască o rachetă adevărată pentru lansarea din film, dar restricțiile de buget (Fritz Lang și-a produs filmul pe propriile spețe, închiriind facilitățile studiourilor UFA) l-au determinat să se mulțumească cu machete.

(sursa imaginii: imdb.com/title/tt0019901/mediaviewer/rm3594285824)

Din punctul de vedere al cinematografiei, putem împărți ‘Frau im Mond’ în trei părți. Prima aparține expresionismului german, cu excentricul profesor Manfeldt expunând tânărului antreprenor Wolf Helius rezultatele cercetărilor sale legate de călătoria pe Lună, existența atmosferei respirabile pe partea invizibilă și zăcămintele de aur care îi vor recompensa pe îndrăzneții care vor reuși să ajungă acolo. Partea a doua este o intrigă de spionaj industrial care se petrece în mediul Berlinului contemporan epocii, într-un decor modernist, după criteriile vremii. Urmează lansarea pe care am menționat-o, călătoria în spațiu și aselenizarea. Peisajul lunar creat de Fritz Lang este destul de bine imaginat, cu 40 de ani înainte ca primii astronauți să ajungă pe Lună și să transmită de acolo imagini în direct. Efectele supra-accelerației la decolare și ale imponderabilității în timpul călătoriei sunt descrise corect. Desigur, nu toate detaliile sunt realiste sau credibile din perspectiva experienței acumulate în timpul programelor de explorare spațială. Nu a fost descoperită niciun fel de atmosferă pe Lună și supraviețuirea fără echipamentele de protecție este imposibilă. Forța gravitațională este doar o treime pe Lună din cea de pe Terra. Viziunea globală este însă suficient de corectă și imaginația creatoare a lui Lang deschide drumuri care au fost urmate de alți cineaști ca Stanley Kubrick și George Lucas.

(sursa imaginii: imdb.com/title/tt0019901/mediaviewer/rm3392959232)

În paralel cu elementele de anticipație, filmul are o intrigă politică și relatează și o frumoasă poveste de dragoste. Inventivitatea inginerilor și curajul exploratorilor sunt confruntate cu scopurile mercantile ale unei bande de capitaliști, care doresc să pună mâna pe zăcămintele de aur de pe Lună. Desigur, aceasta este o reflectare a polarizării între extremele politice ale Republicii de la Weimar (personajul negativ principal are o șuviță de păr a la Hitler), dar astăzi, când antreprenori și investitori privați sunt din ce în ce mai implicați în explorarea spațiului, nu avem de-a face cu o variantă a acestui gen de conflicte? Cercetarea spațială de astăzi este diversă și are și o componentă strategică, însă este nevoie și de o fundamentare economică pentru a-i amplifica atractivitatea. Povestea de dragoste din film se sfârșește cu un happy-end, dar cu unul destul de ciudat. Cei doi îndrăgostiți se regăsesc împreună, singuri, pe Lună. Rivalul curajosului Wolf Helius se întoarce spre Terra, planeta cu problemele și conflictele ei. Îndrăgostiții vor trăi poate împreună până la adânci bătrâneți și au la îndemână și toate comorile pe care și le pot dori. Sunt ei însă condamnați și la singurătate? Sau poate sunt Adam și Eva ai unei noi reîncarnări a omenirii? Merită să vedeți filmul pentru a încerca să răspundeți acestor întrebări.

(Articolul a apărut iniţial in revista culturală ‘Literatura de Azi’ – http://literaturadeazi.ro/)

Posted in change.world | Leave a comment

Coco before Chanel, Audrey after Amelie (film: Coco avant Chanel – Audrey Tautou, 2009)

Anne Fontaine‘s film ‘Coco avant Chanel‘ (the English title is ‘Coco Before Chanel‘) has three serious reasons to be a movie that I like. Their names are Audrey Tautou, Benoît Poelvoorde and Emmanuelle Devos. Two actresses and an actor who, from my point of view, can’t go wrong on screen and who turn every movie they act in into a delight. Here, too, the three did not disappoint me, but still, this story of the becoming the famous fashion designer Coco Chanel from childhood in an orphanage to the launch of her fabulous career was not up to my expectations. It is a very well made and aesthetically beautiful film, it has some interesting ideas, but it lacks something essential: emotion.

The story follows quite faithfully the rules of the biopic genre. For Gabrielle Chanel (the future Coco – Audrey Tautou), abandoned as a child together with her sister in an orphanage, there were not many alternatives to getting out of poverty at the end of the 19th century. The social comment on women’s status is critical and acute, and we know it well from the novels of Emile Zola and other writers of the time. To overcome her status as a worker in a tailor’s shop, Gabrielle will become the mistress of a wealthy horse owner, Etienne Balsan (played by Benoît Poelvoorde), dreaming of becoming a cabaret actress or a singer. Meanwhile, in order to supplement her income, she begins to create hats and especially to look critically at the exuberant but extremely impractical and uncomfortable dresses of the women in high society. The story advances describing in parallel the sentimental life of the heroine involved in a love triangle with Balsan and Boy Capel, a rich Englishman (played by Alessandro Nivola) and the transformation of her side occupation from a simple craft into a creative activity with a personal vision that was to turn tailoring into art and would influence the lives of 20th century women. When the love story ends, the formidable career of Coco Chanel will begin.

Audrey Tautou‘s role in ‘Amélie‘ was so memorable that it is almost inevitable that anything she did afterwards will be compared to that role. Her character in ‘Coco avant Chanel‘ is very different from Amelie. Gabrielle faces social barriers in both her private and professional life, defeating them not by means of kindness but with determination, being endowed with the inner strength of the lonely individuals hit early in life, which will allow her to overcome tragedies and break through to success. This kind of people or characters do not externalize, you have to look deep into their eyes to read their feelings. Benoît Poelvoorde is excellent in the role of Balzan, the wealthy and decadent bourgeois, with a deep superficiality. Emmanuelle Devos appears in a supporting role that she undertakes brilliantly, playing the character of the actress who begins by being the idol of Gabrielle / Coco, then becoming her social mentor, encouraging her talent and gaining her friendship (or maybe more than that). Director Anne Fontaine was very attentive to details and the film looks good and authentic. But the passion is missing, too often the characters behave predictably, they fail to put enough life behind the stereotypes. ‘Coco avant Chanel‘ is not a bad film, but it is positioned too close to the docu-drama and too far from an original artistic vision, which is exactly what characterized the art of Coco Chanel.

Posted in Uncategorized | Leave a comment

mid-age crisis of the New Wave (film: Irma Vep – Olivier Assayas, 1996)

Movie about movie making are a cinematic genre that has produced many remarkable creations over time. Filmmakers like to make films about their profession. Many of them are tributes to the great creators of the past, rarer are films that critically address the film-making profession and bring into debate crisis situations or social and professional issues related to the film industry. ‘Irma Vep‘ made in 1996 by Olivier Assayas belongs rather to the second category. This film critically addresses the situation of the French film industry at the end of the last century, the connection with the French New Wave tradition, and its place in a world where commercial cinema and violent international productions were already becoming dominant. ‘Irma Vep‘ was made 35 years after the revolutionary impact of the New French Wave. Another 24 years have passed since then. From the perspective of watching or re-watching it in 2020, the film seems just as fresh and clear in its messages, which are confirmed by the perspective of the time that has passed since its making.

The year is 1996 and the generation of the New Wave was going through the mid-age crisis. Many of its famous directors were beyond the peak of their creativity, their innovations had long since ceased to be surprises, and viewers had left their films attracted by Hollywood productions or violent international co-productions. This is also the case of Rene Vidal (played by Jean-Pierre Léaud) who, perhaps in the absence of original scripts, accepts the proposal to direct a remake of Louis Feuillade‘s vampire films (‘Irma Vep’ is an anagram of the word ‘vampire ‘) and cast in the lead role (a kind of parody of Catwoman) Maggie Cheung he had seen in a martial arts film (actually he had rather seen the stunt that doubled her). The film follows a few days of filming in which the Hong Kong actress faces the culture and mentality shock created by the differences between what she knows about French cinema and reality, and the chaotic way the local team works.

Irma Vep‘ is a film about how movies are made and about people who make movies. Maggie Cheung plays her own self, as an actress who uses the method of entering the role, even wearing at night at her hotel the latex costume of her character from the movie and emulating the thefts of the heroine of the adventure movies. In her interactions with the French colleagues many details are lost in translation, but the incipient lesbian idyll with the props girl Zoe (played by Nathalie Richard) gives both actresses the occasion of making sensitive creations and scenes of confusing delicacy. Olivier Assayas matches the cinematography style to the film director in the film, until his hero abandons filming (personal crisis?, drugs? both likely), and then the shoulder-held mobile camera is replaced by fixed frames that his replacement, a more conservative director (played by Lou Castel) prefers. There are a few more memorable scenes including an ending that I will just describe as great and that I recommend you watching along with the whole movie. ‘Irma Vep‘ is a love story and a critical vision of French cinema. We criticize what we love, because we care.

Posted in movies | Tagged , , , , , , , | Leave a comment

the discrete horror of the bourgeoisie (Film: La Fleur du Mal – Claude Chabrol, 2003)

La fleur du mal‘ (English title ‘The Flower of Evil‘) made in 2003 by Claude Chabrol opens with a fairly long frame in which the camera takes us from the ground floor to the second floor of a bourgeois villa to stop on a corpse, which we guess is probably the result of a violent death. I don’t think Alfred Hitchcock, the master of suspense that Chabrol so much admired and whom he emulated in the last decades of his career, would have refused to put his signature on this scene. Whose body is it? How did the death happen? These are the questions that ‘La fleur du mal‘ will answer. However, this is not a simple police intrigue, because Chabrol, respecting many of the rules of the genre, is more interested in the social landscape – the wealthy French bourgeoisie with smoldering violence and secrets buried behind good manners and a refined lifestyle.

Most of the film’s characters belong to three generations of a well-doing family, with properties, liberal professions, lucrative businesses and political ambitions. When one of the ladies of the family is running for the position of municipal councilor with good chances to become mayor, an anonymous opponent distributes a printed manifesto (today they would do it on social networks) in which shocking details about the family are reveiled. Behind the good manners, fine dining, and the aesthetics of the objects they surround themselves with, the family seems to have a past and a present haunted by marital infidelity, fathers betraying their sons and sons hating their fathers, incest, and suspicious accidental deaths, possible crimes. The problem is that almost everything that is written in that manifesto is also true. Vice and corruption are passed down from generation to generation. Luis Buñuel described in his famous 1972 film ‘The Discreet Charm of the Bourgeoisie‘, for this film by Claude Chabrol an alternative title could be ‘The Discreet Horror of the Bourgeoisie’.

https://www.youtube.com/watch?v=psF2KGGvcaA

The film is made with care and impeccable cinematic technique. The acting is perfect and Nathalie Baye‘s fans have the opportunity to see her in a consistent mature role. It is one of the late films by Claude Chabrol, and the director of the New Wave period can be found perhaps in the way he treats the love story of the young generation heroes and in the music emphasizing and amplifying the feeling of tension that accumulates. The cinematography is cold, with a lot of attention paid to details. The ending is open to debate by the audiences, but the film’s heroes don’t seem to have much hesitation or scruples. The party goes on.

Posted in movies | Tagged , , , , | Leave a comment

a rediscovered jewel from the French cinema of the 60s (film: La fiancée du pirate / A Very Curious Girl – Nelly Kaplan, 1969)

The life of a cinephile holds surprises and sometimes these surprises are very pleasant. This is the case with the discovery of a film made in 1969 – ‘La fiancée du pirate‘ (in English it was distributed under the title ‘A Very Curious Girl‘) -, made by a very interesting director (Nelly Kaplan) about whom I knew nothing before, and with a remarkable actress (Bernadette Lafont) once considered considered “the face of French New Wave” about whom I should surely have known more in the lead role. These are completely or almost completely forgotten names, an undeserved forgetfulness in my opinion. ‘La fiancée du pirate‘ is a film that should be taken out of the archives and re-released for today’s audiences because it deserves to be seen, known and discussed by film lovers, now, 50 years after its first launching.

After seeing the film, which was a revelation for me, I looked for information about the director. Nelly Kaplan is a writer of fiction and film books, and began her career as an assistant to Abel Gance in the 1950s. A few ‘art’ short films followed in the 1960s. ‘La fiancée du pirate‘ was her first feature film, after which she directed several more films, but none seems to approach its level. A unique career peak? Why? Has she been categorized as a ‘daring’ filmmaker close to soft-porn? ‘La fiancée du pirate‘ has a dose of nudity and eroticism that today seems ‘standard’ but even in 1969, at least in French cinema, I don’t think it was a very shocking film. However, her career as a ‘serious’ writer seems to have overshadowed that of a director. What a pity.

https://www.youtube.com/watch?v=s36p63HQbhs

The story of the film takes place in a French village on the edge of which the main heroine, Marie, lives in a hut, performing the derisive work of a maid, being economically and sexually exploited by many locals, men and women. The shock of her mother’s death and the visit of a friend, an itinerant film projectionist (the excellent Michel Constantin), determine her to decide that it was time for her life to take a turn. She will start charging for sexual services and will take revenge on those who exploited her until then. From the maid without rights she becomes the number one attraction of the gathering of villains who had taken advantage of her until then and the enemy number one of the hypocrites and of the jealous wives. The film can be seen as a social farce, in which a heroine, who reminded me of the unforgettable Giulietta Masina from ‘Nights of Cabiria‘, refuses to continue to be a victim and faces the ridiculousness of evil, taking advantage of the vices and weaknesses of the people populating a world that predicts that of Emir Kusturica‘s films. The lead role is played by Bernadette Lafont, an actress with a rich filmography, an exceptional physique and a talent to match. I also wonder about her, why is she all but forgotten by now? We can see a few more well-known figures from other French films, in a colorful gallery of excellently drawn supporting roles. Georges Moustaki‘s music and Barbara‘s voice are additional reasons to enjoy. The film can now be seen in full on youTube and I recommend you watch it, because director Nelly Kaplan and actress Bernadette Lafont are two artists who do not deserve to be forgotten.

Posted in movies | Tagged , , , , , , , | Leave a comment

CHANGE.WORLD: Cer de octombrie, cer de mai

Povestea relatată în filmul american ‘October Sky’ regizat de Joe Johnston începe în noaptea de 4 octombrie 1957. A fost o noapte senină pentru o bună parte din America, inclusiv pentru localitatea Coalwood din statul West Virginia, unde trăia familia lui Homer Hickam, pe atunci un adolescent de 14 ani. Ochii tuturor se îndreptau în acea noapte spre stele, deoarece buletinele de știri anunțaseră cu câteva ore înainte o veste incredibilă pentru majoritatea americanilor. Uniunea Sovietică, supraputerea rivală Statelor Unite din acea perioadă a războiului rece, reușise incredibila performanță de a lansa pentru prima dată în istoria omenirii un obiect în spațiu – satelitul Sputnik.

(sursa imaginii: imdb.com/title/tt0132477/mediaviewer/rm2306212352)

Merită să acordăm puțină atenție contextului istoric. Rivalitatea dintre SUA și URSS era una ideologică, economică și militară. Avea loc o cursă a înarmărilor acerbă care includea proiectarea și fabricarea de bombe atomice, rachete balistice și a unei incredibile cantități de arme convenționale. Ambele blocuri construiau buncăre și făceau exerciții civile pentru cazurile de bombardamente atomice. Cursa pentru explorarea spațială trebuie privită nu numai ca o aventură științifică în scopul lărgirii domeniului cunoașterii umane, ci și ca un posibil nou câmp de luptă între rivalii de pe Pământ. Lucrurile nu s-au schimbat de altfel prea mult în cei peste 60 de ani de istorie spațială – o parte dintre misiunile de explorare a cosmosului de azi au și aspecte militare, și strategice, din care probabil că doar o mică parte sunt făcute publice. Putem vedea în film cum locuitorii din Coalwood, West Virginia, după ce reușesc să vadă luminița Sputnik-ului plimbându-se printre stele, se întreabă dacă este posibil să fie bombardați de acolo, de sus. Cursa dintre cele două blocuri politice, în care Uniunea Sovietică părea că luase în acele zile un avans semnificativ, avea să continue până la sfârșitul anilor 60, când programul Apollo urma să ducă primii astronauți americani, primii reprezentanți ai omenirii, pe Lună. Dar și acea fază, câștigată de data aceasta de Statele Unite, avea să fie doar o etapă. Aventura omenirii în spațiul extraterestru se află doar la început, și ea continuă astăzi într-o combinație de colaborare și competiție care devine din ce in ce mai interesantă. 

(sursa imaginii: imdb.com/title/tt0132477/mediaviewer/rm3255305728)

Homer Hickam, adolescentul din film, este un personaj real, și filmul se bazează pe cartea sa de memorii. La prima vedere era vorba despre un adolescent obișnuit, puțin zăpăcit, stângaci în relațiile cu fetele, cu note nu prea strălucite în disciplinele științifice, dar care era motivat de visul zborului spre stele. Desprinderea de pământ era pentru el nu numai o ambiție științifică, dar și o metaforă socială. Băiatul provenea dintr-o familie de mineri și destinul său ‘normativ’ ar fi fost să urmeze cariera tatălui, șef de șantier în mina de cărbuni, care reprezenta motorul economic al orășelului. În loc să-și îmbunătățească performanțele la fotbal american sau să se ocupe mai serios de fete, el construia împreună cu prietenii săi rachete, având ca singur sprijin încurajarea lui Miss Riley, o profesoară pasionată de științe. Filmul are tente de melodramă, dar este bine făcut și excelent jucat, oferindu-i în 1999, la numai 19 ani, lui Jake Gyllenhaal, un actor care mie îmi place enorm, unul dintre primele roluri ale unei cariere strălucite, și aducând-o pe ecran în rolul lui Miss Riley pe Laura Denn, una dintre actrițele preferate ale regizorului David Lynch. Este și filmul relației complicate între un tată (Chris Cooper, alt rol excelent) și fiul său, dar este in primul rând filmul unui vis – visul unui adolescent de a lua parte la aventura spațială.

(sursa imaginii: theatlantic.com/science/archive/2020/03/coronavirus-nasa-space-exploration/608782/)

Homer Hickam cel din realitate avea să-și vadă visul împlinit, și viața sa de atunci până astăzi poate fi subiectul altor filme. După medalia obținută la concursul Național Science Fair, au urmat studii de inginerie la prestigioasa Virginia Tech, iar apoi șase ani de serviciu militar activ în Vietnam, între 1964 și 1970. Și-a continuat cariera ca inginer în armată, și în 1981 a ajuns la NASA, participând la proiectarea de vehicule spațiale în cadrul programelor navetelor spațiale americane, a stației spațiale internaționale și a telescopului Hubble, și la pregătirea astronauților americani și japonezi pentru misiunile spațiale. În paralel, a început o carieră literară de succes, scriindu-și memoriile, continuând cu monografii ale orașului natal Coalwood, romane de ficțiune istorică și de science-fiction. Unul dintre romanele sale se numește ‘Back to the Moon’ (‘Înapoi spre Lună’) și titlul este semnificativ pentru visul său și al generațiilor actuale de cercetători americani în domeniul explorării spațiale. În Februarie 2018, Hickam a fost invitat să facă parte din echipa de consilieri a Consiliului Spațial American, agenție reînființată de președintele Trump pentru a propune strategia revenirii Statelor Unite în poziția de lider mondial în explorarea spațială. Desigur, o parte dintre aceste programe au fost afectate sub o formă sau alta de pandemia COVID-19. Unele dintre ele, cum ar fi lansarea sondelor spațiale spre Jupiter și Neptun sau a noului telescop spațial, au fost amânate și vor fi reprogramate. Prioritatea finanțării acestor programe în economia post-Corona este incertă.

(sursa imaginii: washingtonpost.com/technology/2020/05/16/spacex-biggest-challenge/)

Din fericire, industria explorării spațiale a devenit mult mai complexă și mai diversificată în ultimul deceniu, și cel puțin în America o mare parte din inițiativă nu se mai află sub control guvernamental și finanțarea nu se mai face din bugetul federal, ca în anii ’60. Intrarea în ‘coopetiție’ (cooperare și competiție, sau cooperare competitivă, dacă vreți) a unor companii, cum sunt SpaceX a lui Elon Musk, Blue Origine finanțată de întemeietorul și proprietarul firmei Amazon Jeff Bezos, Boeing sau Virgin Galactic, face ca o parte din componentele viitoarelor programe spațiale americane să fie sub-contractate acestor firme particulare. Evenimentul spațial principal al primei jumătăți a lui 2020, care cel puțin până în momentul când scriu acest articol se pare că va avea loc conform planurilor, este lansarea prevăzută pentru 27 mai de către SpaceX în cooperare cu NASA a primilor astronauți americani de pe teritoriul Statelor Unite și cu tehnologie de rachete americană după o pauză de mai bine de un deceniu. Este vorba despre Doug Hurley and Bob Behnken, astronauți veterani, care vor folosi vehiculul spațial Crew Dragon al lui SpaceX, pentru a ajunge la Stația Spațială Internațională. Lansarea va avea loc de la aceeași rampă de la Cape Canaveral de unde în 1969 a fost lansată misiunea Apollo 11 care a transportat primii astronauți americani pe Lună. Va fi prima lansare a unor astronauți de către o firmă privată, din istorie. Companiile participante în programele spațiale au participat de asemenea, în paralel, și la eforturile de combatere a pandemiei COVID-19. NASA însăși a proiectat în laboratoarele sale din Pasadena un model de aparat respirator sub presiune numit VITAL, al cărui prototip a fost omologat de agenția Food and Drug Administration (FDA), pentru folosință în spitalele de campanie din zonele puternic afectate de pandemie. SpaceX a lui Elon Musk a proiectat și pus în fabricație dispozitive similare, folosind tehnologie de printare 3D a materialelor din fibre de carbon folosite pe liniile de producție ale automobilelor Tesla. Tehnologia 3D este utilizată și de Blue Origin, pentru fabricarea în cantități industriale a măștilor de protecție. Trecerea de la cercetarea spațială la aplicații civile și refolosirea tehnologiilor în scopuri terestre este o tradiție veche de jumătate de secol, din vremea programelor Apollo. Acum, în condițiile de urgență impuse de pandemie, aceste procese au loc într-un ritm accelerat.

(sursa imaginii: gadgets.ndtv.com/science/news/super-earth-astronomers-university-of-canterbury-2228860)

Încotro? Scopul explorării spațiale este de a salva Pământul și de a asigura supraviețuirea speciei umane. Colonizarea spațiului nu este un lux, ci o necesitate, dar pentru asta trebuie găsite planete cu condiții de climă și atmosferice propice vieții, cu alte cuvinte planete asemănătoare Pământului. Luna și Marte, aflate în planurile de explorare spațială ale viitoarelor decenii, sunt doar stații intermediare. Ultimele săptămâni au adus știri încurajatoare despre rezultatele căutărilor de planete surori ale Terrei. Cercetătorii de la Universitatea din Canterbury au anunțat descoperirea în centrul galaxiei noastre a unei planete care, deși mai grea decât Pământul nostru, este unul dintre puținele corpuri planetare care sunt similare Terrei, în ceea ce privește dimensiunea și orbita. Steaua planetei are aproximativ 1/10 din masa Soarelui nostru. Masa planetei în sine este aproape jumătate din masa Pământului și a Neptunului combinate, potrivit cercetătorilor. Distanța dintre planetă și steaua sa este aproximativ egală cu distanța dintre Soarele nostru și un punct aflat între Venus și Pământ, iar perioada de revoluție (lungimea anului) este de 617 zile. Cu cât mai multe asemenea corpuri cerești vor fi găsite în viitor, cu atât mai multe ținte posibile vor exista pentru expansiunea în cosmos a omenirii. În pofida Coronei, cerul de mai oferă promisiunile sale celor care privesc spre el, la fel ca și cerul lui octombrie de acum 63 de ani.

(Articolul a apărut iniţial in revista culturală ‘Literatura de Azi’ – http://literaturadeazi.ro/)

Posted in change.world | Leave a comment