CHANGE.WORLD: Premiile Nobel în anul Coronei

2020 este un an special din multe puncte de vedere. Am scris cam de multe ori aceste cuvinte în ultima vreme și probabil că le voi mai scrie încă de multe ori. Pandemia a schimbat multe planuri și a afectat viețile tuturor. Eram curios să văd care va fi impactul Coronei asupra Premiilor Nobel, una dintre instituțiile cele mai stabile din calendarul internațional. Remarcabil, lucrările comisiilor care decid câștigătorii și anunțurile acestora au avut loc conform planurilor inițiale. În săptămâna dintre 5 și 12 octombrie, câte o comisie pe zi, s-au anunțat câștigătorii în ordinea stabilită și respectată de mulți ani. În articolul de astăzi al rubricii CHANGE.WORLD voi trece în revistă câștigătorii premiilor și principalele lor realizări în cele trei domenii ale cercetării științifice premiate Nobel – medicină, fizică și chimie.

(sursa imagine: holeinthedonut.com/2017/10/20/photo-golden-hall-at-stockholm-city-hall/)

Daca procesul de selecție și decizie pare să se fi desfășurat aproape ca în orice alt an, ceremoniile vor fi foarte diferite în 2020. În momentul în care scriu acest articol nu este clar dacă festivitățile de decernare, care au loc în mod tradițional în Sala de Concerte din Stockholm (Stockholms Konserthus), respectiv la sediul Primăriei din Oslo pentru Premiul Nobel pentru Pace, vor avea loc, chiar și într-o variantă redusă, sau vor fi transformate într-un eveniment complet virtual. Este sigur însă că faimoasele banchete ale laureaților stabilite tradițional pentru data de 10 decembrie au fost anulate pentru prima dată din 1956, când anularea s-a datorat intervenției sovietice în Ungaria. Banchetul suedez care se desfășoară sub patronajul familiei regale adună în fiecare an peste 1300 de invitați și are loc din 1930 în clădirea Primăriei din Stockholm. Am avut și eu ocazia să vizitez această construcție extrem de interesantă, inaugurată la 23 iunie 1923, la exact 400 de ani de la intrarea în Stockholm a regelui Gustav I, întemeietorul dinastiei Vasa și cel care a introdus Reforma în Scandinavia. Pe cât este de sobră și de integrată în peisaj văzută din exterior, pe atât este clădirea mai somptuoasă în interior, cu Sala Albastră cu arcade în stil toscan și cea mai mare orgă din Scandinavia și cu Sala de Aur în care mozaicul format din peste 18 milioane de piese reprezintă imagini din istoria și mitologia țărilor nordului. Clădirea este construită în exclusivitate din materiale provenind din Scandinavia. În acest an însă, la 10 decembrie, aceste săli vor rămâne pustii. Suedia, una dintre țările care a adoptat o politică diferită de majoritatea restului lumii în combaterea pandemiei, se confruntă și ea cu efectele acesteia și poate și ale propriilor decizii.

(sursa imaginii: nobelprize.org/prizes/medicine/)

Nu știu dacă și când vor fi atribuite Premii Nobel pentru Medicină legate de COVID-19. Sper că se va întâmpla cât mai repede, căci omenirea are mare nevoie de succese în găsirea unor tratamente și crearea imunizării care să ne descotorosească de această boală. Premiul Nobel pentru Medicină atribuit în acest an nu este complet fără legătură cu acest domeniu, întrucât a fost atribuit pentru ‘contribuții decisive’ în descoperirea unui alt virus care afectează omenirea, răspunzător de moartea a peste 400 de mii de oameni anual, virusul Hepatitei C. Laureații sunt americanul Harvey Alter (născut în 1935, afiliat la Institutul National de Sănătate din Bathesda, Maryland), Michael Houghton (născut în Regatul Unit în 1949, actualmente asociat cu Universitatea din Alberta, Canada) și Charles M. Rice (născut în California în 1952, în prezent la Universitatea Rockefeller din New York). Hepatita este o boală cunoscută din antichitate, iar cauzele formelor A și B erau deja identificate din secolul trecut. Identificarea virusului Hepatitei C are o importanță deosebită din mai multe motive. În primul rând, detectarea bolnavilor permite aplicarea tratamentelor adecvate, ceea ce reduce rata mortalității și a cazurilor grave. Descoperirile celor trei laureați ai Nobelului au permis efectuarea de analize de sânge sensibile care au eliminat riscul hepatitei transmise prin transfuzie într-o mare parte a lumii. Această descoperire a permis, de asemenea, dezvoltarea de medicamente antivirale care pot vindeca boala. Există acum o perspectivă clară de eradicare a Hepatitei C în decurs de câteva decenii. Metodologia de analiză și detectare a virusului are importanță și aplicabilitate în alte maladii virale, inclusiv în cele din familia căreia îi aparține COVID-19.

(sursa imaginii: nobelprize.org/prizes/physics/)

Premiul Nobel pentru Fizică ne poartă, aparent cel puțin, spre un domeniu mai puțin legat de aplicabilitatea imediată – găurile negre sau, daca vreți, cel mai întunecat secret al Universului, cel care ne leagă de Creație și poate și de ceea ce s-a întâmplat înainte de Creație. Și acest premiu este împărțit de trei laureați, dar în mod inegal, spre deosebire de premiul pentru Medicină. Jumătate din premiu a fost atribuit englezului Charles Penrose de la Universitatea din Oxford, născut în 1931, cel care a demonstrat matematic în 1965, la zece ani după moartea lui Einstein, legătura dintre găurile negre și teoria relativității generalizate. A trecut mai mult de jumătate de secol de atunci, dar Penrose a continuat și a aprofundat cercetările sale legate de găurile negre, cu rigoarea matematică a teoreticianului, dar legându-le de descoperirile care au confirmat existenta acestora. Cercetările sale mai recente leagă găurile negre de momentul zero al nașterii Universului, teoria Big Bang și modelul cosmologic asociat. Una dintre consecințe ar fi o scurgere de energie între Universul de acum și cel dinaintea creației, fiind vorba deci despre o axă a timpului generalizată, care ar admite și valori negative. Cercetătorii care își împart cealaltă jumătate  premiului pentru fizică din acest an, germanul Reinhard Genzel, născut în 1952 și asociat cu Institutul Max Planck și cu Universitatea Berkeley, și Andrea Ghez, născută la New York și afiliată cu Universitatea din Los Angeles, au fost premiați pentru descoperirea unui obiect compact super-masiv în centrul galaxiei noastre, care reprezintă în fapt o confirmare practică a demonstrațiilor teoretice ale lui Penrose. Metodologia și instrumentația inventate de echipele lui Genzel și Ghez explică nu numai comportamentul astrelor în apropierea găurilor negre, ci și traiectoriile tuturor corpurilor stelare care compun galaxia. Se poate spune că realizările celor trei laureați leagă istoria Universului de viitorul explorării acestuia.

(sursa imaginii: israelhayom.com/2020/10/07/2-women-share-nobel-prize-in-chemistry/)

Premiul Nobel pentru Chimie este împărțit în acest an de două cercetătoare: Emmanuelle Charpentier, născută în Franța în 1968 care lucrează pentru Institutul Max Planck, secția de studiu a științei patogenilor din Berlin, și americana Jennifer A. Doudna, născută în 1964 la Washington, DC și afiliată la Universitatea Berkeley, California. Este pentru prima dată în istoria premiilor Nobel când două femei își împart un premiu. Despre domeniul în care activează cu succes cele două femei de știință am mai scris în rubrica CHANGE.WORLD. Ele au inventat o metodă de editare a genomului, numită metaforic „foarfece moleculare”, care permite intervenții directe în structura genetică și oferă promisiunea de a vindeca într-o zi bolile moștenite și chiar cancerul. Această metodă cunoscută sub numele de CRISPR / Cas9  poate fi utilizată pentru a schimba ADN-ul animalelor, plantelor și microorganismelor cu o precizie extrem de ridicată. În fapt, genetica se află acum, datorită progreselor înregistrate de cele două cercetătoare și echipele lor, într-un stadiu în care realizabilitatea practică a operațiilor de inginerie genetică a depășit studiul consecințelor acestora. Cu alte cuvinte, putem opera cu precizie la nivelul materialului genetic, dar nu o facem deoarece încă nu știm exact care pot fi consecințele. Este un domeniu în care cercetările continuă în ritm accelerat în multe locuri din lume, și în care prevăd evoluții spectaculoase în viitorii ani. Poate chiar și viitoare premii Nobel.

(Articolul a apărut iniţial in revista culturală ‘Literatura de Azi’ – http://literaturadeazi.ro/)

Posted in Uncategorized | Leave a comment

troubadour and anti-hero of a complex era (film: Gundermann – Andreas Dresen, 2018)

Gundermann‘ made in 2018 by Andreas Dresen is the biography of a musician. It can be categorized as a biographical and musical film but it is very different from what we usually see in these genres. 30 years have passed since the fall of communism and the reunification of Germany. Life in the former ‘Democratic Republic’ and the transition period following reunification have already been the subject of many films, but the topic seems inexhaustible and new perspectives are constantly being added. This is the case with this biography of Gerhard Gundermann, one of the most popular East German singers of the 1990s. A complex and original personality, Gundermann, who died suddenly at the age of only 43 in 1998, pursued his career as a musician in parallel with his work as an excavator operator in a surface coal mine. He was a popular singer even before the fall of communism and had become one of the original voices expressing the problems of transition, the hopes, the difficulties and the disappointments of the generation that had reached maturity in the decade of change. Musician, proletarian, and … informant of the STASI secret police, as the reporters from the press of the time would reveal. The screenplay written by Laila Stieler describes the contradictions of the artist’s biography, an example of the complexity of the processes that East Germany and the people who lived in this state went through.

In recent months, I have seen several films made in Eastern Europe (Romania, Russia) that had as their subject the way in which informants were recruited by the secret services which were the main tools for terrorizing the population and repressing dissidents. The hero of this film, Gerhard Gundermann was a somewhat of a special case. His enlistment in STASI was not the result of extreme pressure or blackmail, nor was opportunism the reason. The film presents him as an idealist and a rebel, who believed in the ideals of communism, and wanted to apply them for the benefit of people and society. But the system was so corrupt that it did not even assimilate Gundermann as an informant or as a party member but for a few years. However, this relatively short period was enough to compromise him morally and for his ‘reports’ about co-workers or fellow musicians to influence their lives, may destroy some. Later came the attempt to forget, the ‘amnesia’, the attempt to recover morally, the impossible forgiveness from those who sufered. Examining Gundermann’s case, director Andreas Dresen questions the moral bases of an entire system in which all citizens had files of victims at STASI, but a significant part of them also had files of collaborators. How was it possible for a large part of the population of East Germany to collaborate with those who oppressed them? A question similar to the one that can be asked about the collaboration with the Nazi regime a few decades before. It seems shocking how easily most of those who are confronted with the news about Gundermann’s collaboration accept it as a fact, as an attitude that even if it cannot be forgiven can be understood, forgotten and buried in silence. But can we, today, judge retrospectively that era and those who lived it?

The biopic by Andreas Dresen enjoys the exceptional performance of Alexander Scheer, who manages to bring to the screen the personality of Gundermann in all its complexity, and to get closer to his physical appearance and original music. The only aspect that did not succeed perfectly for the director and the actor are these related to time switching. The narrative jumps permanently between three periods (around 1976, the 80s, and 1992) which makes sense in the gradual construction of the character, but the physical appearance of the hero is always almost the same, and we need a few seconds each time to assimilate from the visual context or from dialogues in what period of time the scene takes place. Fortunately, the sets and props authentically describe the three moments in time, and the orientation is not very difficult. The rest of the cast does its job more than satisfactorily, with discreet and natural interpretations. A special mention deserves Anna Unterberger for the role of Conny, Gerhard Gundermann’s wife, describing the woman behind in a non-trivial love affair, with many moments of doubt and crisis. Music plays an important role, about a third of the two-hour screening time is occupied by Gundermann’s songs, which Alexander Scheer performs perfectly, and I hope other viewers will have the chance – as I did – to watch a copy of the movie that contains the original soundtrack and the lyrics of the songs in subtitles. Follow the words, because they punctuate, complement and broaden the understanding of the character, a troubadour and an anti-hero of a complex era.

Posted in movies | Tagged , , , , , | Leave a comment

tender vampires (film: Only Lovers Left Alive – Jim Jarmusch, 2013)

A vampire movie directed by Jim Jarmusch? This question was asked by Jarmusch fans and vampire movie buffs in 2013, when ‘Only Lovers Left Alive‘ was released on screens. The two categories of moviegoers who apparently do not seem to have much in common do not think I have special reasons for dissatisfaction. ‘Only Lovers Left Alive‘ is really a vampire movie with characters and a story line that follows all the rules of the genre. Jarmusch‘s fans will find in the film the atmosphere of poetry and candor that they love in his films. Jim Jarmusch may have tried to broaden his regular circle of spectators, but he did not seek cheap success with ‘Only Lovers Left Alive‘. Rather, I could say that the director has shown that he knows how to make a personal film, identifiable for his style, in a genre of popular cinema that is apparently far from his comfort zone. And we, the others, the cinema lovers who do not necessarily belong to any of the mentioned categories, we simply enjoy a beautiful film.

The heroes of the film, Adam (Tom Hiddleston) and Eve (Tilda Swinton), are a couple of vampires in love. It is not clear if they are really ‘The’ Adam and Eve, but it is certain that they have been on Earth’s face long enough, for example, to have been present and involved in the writing of ‘Hamlet’. Actually their more mature friend, also a vampire, is called Marlowe (John Hurt). As one of the secrets of vampire permanence is discretion, the two lead ordinary lives, to the extent that vampires can lead ordinary lives, and even feed on blood from the (increasingly contaminated) hospital supplies. Eve lives in Tangier, Tom in ruined Detroit, where he deals with retro music (being a composer, a great lover of guitars and old records). The idyll between the two has an allure of sophisticated and decadent intellectualism, sprinkled with cultural references from the music of the ’60s going back to the Middle Ages. The intrusion into their lives of Ave (Mia Wasikowska), Eve’s sister, a teenage and somewhat reckless vampire, blows up the comfortable and discreet arrangement of the two vampires’ lives in the ruins of Detroit.

Can a vampire movie say more about America today, about the state of the planet, or about the underground culture than dozens of political movies? Jim Jarmusch proves that the answer is yes. ‘Only Lovers Left Alive‘ is a delicious movie to watch, full of cultural and historical references, with a selected and significant soundtrack. Tom Hiddleston and Tilda Swinton are perfectly distributed and melt with obvious pleasure in their roles. The story is thin, but it is only a pretext. The characters and the atmosphere around them matter much more. Jim Jarmusch‘s vampires are a superior race of tender beings who transmit to us, the spectators, something of their tenderness.

Posted in movies | Tagged , , , , , , , | Leave a comment

original and copies, reality and appearances (film: Copie conforme – Abbas Kiarostami, 2010)

Certified Copy‘ is one of the latest films by Iranian master Abbas Kiarostami and one of the few made by him outside Iran. The landscape is very different from his previous films. The film looks completely ‘European’ and the assimilation of the European cultural background is perfect. At the same time, we find here familiar themes that have preoccupied Kiarostami throughout his career – family and couple relationships, the place of children in the family, the different personal memories and perceptions of the characters. As in his best films of earlier periods, the director manages to tell a meaningful story with simple and expressive means. But what we also find in ‘Certified Copy‘ is a game of meanings with which the director envelops the behavior and the words of the heroes of the story that is being told on screen in an atmosphere of mystery and ambiguity. The story in the film haunts its viewers after the screening. What did we actually see?

The main heroine, played by Juliette Binoche, whose name we never know, is a mature French woman, who raises alone a boy in his early teens and keeps a gallery of antiques and art objects in the Tuscan town of Arezzo. James Miller (William Shimell) is a British author of art books, the most recent one having as topic the relation between originals and copies of works of art. She witnesses the launch of the author’s book in Arezzo and then becomes his guide for a few hours in the villages of Tuscany. At one point, in a cafe, the owner of the place confuses them with a married couple. The two seem amused by the confusion, and from now on they gradually enter the roles and behave more and more naturally as a couple for 15 years, maybe separated or on the verge of separation, in any case a couple in crisis. A game or reality, because their behavior becomes more and more deeply suited to the attitudes of a loving woman and of an indifferent man, concerned only with his career? Which of the two hypotheses is the ‘true’? Discussions about originals and copies suddenly can be viewed in a different dimension, get a different meaning. What is truth? what is authenticity? can the copy generate more emotion than the original? can the feelings in the game be deeper than those in reality? or maybe everything around us is a multitude of copies or the result of simulation games? or just imagination?

Juliette Binoche is perfect and in my opinion makes this film one of the best roles in her mature career. I wasn’t extremely convinced by William Shimell, a semi-professional actor (and famous tenor). His intellectualism and emotional disconnection may have been in line with Kiarostami‘s vision, but I couldn’t help but think as I watched the film to alternative casting choices (Daniel Day-Lewis? Jeremy Irons?). James Miller’s character remains one of the many mysteries of this beautiful film, which is worth seeing and reviewing, and then discussing in mind or with friends. I recommend you do it.

Posted in movies | Tagged , , , , | Leave a comment

the starting point of a few beautiful careers (film: Rendez-vous – André Téchiné, 1985)

When film director André Téchiné made ‘Rendez-vous‘ in 1985, his name was already well known. However, some of his collaborators were anonymous and this film would be a very good launching pad for celebrities. Téchiné offered the lead role and in fact the first consistent role to Juliette Binoche, who at the age of 21 featured in 5 films that year, starting a formidable career. Téchiné‘s co-writer was Olivier Assayas, in his first screenplay for a feature film, which he wrote in parallel with directing his own debut film. And for Lambert Wilson as well the role here was one of the first important roles, although he had already met with success a year before. Wadeck Stanczak completes the triangle of young actors, also in an important first role, an actor who promised a lot, but whose career has evolved much more disappointingly than those of his famous partners. The film is a psychological thriller set in the world of the young people of Paris in the mid-80s and there are many reasons to be watched with pleasure today, in addition to the film debuts I mentioned.

At the age of 21, Juliette Binoche plays the role of Nina, an 18-year-old girl who comes to Paris to realize her dream of becoming an actress. She manages to get a role in a boulevard comedy, dreaming of big roles while the men around her seem to have no other intentions than to sleep with her. Looking for a reasonably priced apartment, he meets Paulot (Wadeck Stanczak) and Quentin (Lambert Wilson), two young men who are the opposite of each other. The dull clerk Paulot represents mediocre stability, actor Quentin decadent ambition. The triangle throws the girl’s life in a whirlwind that mixes passion and ambition, art and pornography, hopes and ghosts of the past.

https://www.youtube.com/watch?v=Rm3FDvfeACw

I usually complain about the length and especially the lengthning of the films when there are not enough artistic or narrative good reasons. In the case of ‘Rendez-vous‘, which only lasts about 80 minutes, I think that an extra 20-30 minutes would have given more psychological depth to the characters and would have allowed the development of some of the themes that are barely suggested in the film. Even so, the characters are well defined and each of the acting creations manages to bring them to life and make us care about them and be curious about their lives beyond what we see on screen. In addition to the trio of young actors, Jean-Louis Trintignant is also cast as a theater director who seems to play a role as a mentor a la ‘Pygmalion’ for Nina, while hiding dark secrets from the past with repercussions in the lives of the heroes. Shakespeare’s Julia becomes a symbol in a film that could have said more about the fascination of theater if it had a little more time to do it. Juliette Binoche is young, beautiful and magnetic, in a role that can get extra-meanings nowadays in the perspective of the fight against the objectification of women. It is one of the reasons, but not the only one, why this foray into the world of Paris in the ’80s deserves to be seen and re-seen.

Posted in movies | Tagged , , , , , , | Leave a comment

the heavy burden of history (film: DAU.Natasha – Ilya Khrzhanovskiy, Jekaterina Oertel, 2020)

DAU. Natasha‘, directed by Ilya Khrzhanovskiy and Jekaterina Oertel, is part of ‘DAU ‘, a project of great ambitions and dimensions, which due to the methods used by the production already provokes heated discussions and controversies. ‘DAU’ started from the biography of a Russian scientist and the history of a Soviet research institute, and developed into a multimedia and multidisciplinary project for which the producers brought together a number of actors, many non-professionals, for more than two years in the conditions of a ‘reality show’ that reconstructs the oppressive atmosphere of the Stalinist period. ‘DAU. Natasha‘ is one of the two films offered to the public so far in this project, and can be judged without problems as a stand-alone film. That’s what I’m going to do. It is the story of a modest woman in charge of the research institute canteen who is forcibly recruited as a KGB informant. A film of a cruel realism, beautifully acted, and which does not avoid shocking.

Natasha (Natalia Berezhnaya) is about 40 years old, Olga (Olga Shkabarnya) is between 20 and 30 years old, and the two women run the canteen of the research institute led by Professor Blinov (Alexei Blinov). The coincidence of names between the characters and the actors is probably not accidental, because the whole cast in this production seems to be made up of unprofessional actors or beginners. The canteen (well stocked for the communist period) is a micro-cosmos of those who work in the institute whose scientific profile is obscure. We only know that some experiments are being performed on people, soldiers, maybe related to radiation, with the participation of a French scientist (Luc Bigé). The two women do not get along very well with each other, both are lonely, victims of the permanent harassment of the male superiors. Lives are gray, hopeless and dominated by fear. After a party with a lot of drink occasioned by the ‘success’ of an experiment, Natasha has a one-night stand with Luc. It is not long before the investigator Azhippo (Vladimir Azhippo) appears, blackmails and subjects Natasha to interrogation and torture to force her to become a KGB collaborator. The resistance of the lonely woman is impossible and hopeless.

DAU. Natasha‘ is a shocking testimony of the breaking of human dignity in the conditions of dictatorship. It is also a film about loneliness, about human solidarity and its fragility, about the Stockholm syndrome (sympathy between the victim and the torturer). The realization is extremely realistic, well thought out and absolutely credible from a historical and psychological point of view. The film lasts over two hours, although it is not composed of more than about eight scenes, but their length is stylistically justified in the tradition of Russian cinema and psychologically in the feeling of slow and heavy flow of time and of the lives of the characters. The actors do not play the roles but live them, and here, of course, the method used by directors and producers has an influence. I am convinced that this film and the whole ‘DAU’ project will be discussed a lot in the future.

Posted in movies | Tagged , , , , , , , , , | Leave a comment

CHANGE.WORLD: … după chipul, mersul și asemănarea omului

Roboții sunt deja o realitate. 2,4 milioane de roboți sunt deja în funcțiune în întreaga lume, majoritatea dintre ei pe linii de producție în fabrici, dar și în alte locuri cum ar fi spitale, medii toxice, sau chiar în locuințele oamenilor ajutând în treburile casnice sau furnizând asistență medicală persoanelor în vârstă. Cei mai mulți dintre aceștia sunt dispozitive electromecanice, brațe mecanice complexe, fixe,  fără autonomie de mișcare, ba chiar bine înșurubate în planșeu, proiectate să facă operații repetitive de mare precizie, uneori în medii inaccesibile operatorilor umani. Multe dintre cercetările experților în robotică se îndreaptă însă spre realizarea androizilor, a roboților antropomorfi, creați după chipul și asemănarea omului. Este un vis vechi al omenirii. Un vis înconjurat de pericole, pe care unii îl consideră un coșmar.

(sursa imaginii: asahi.com/ajw/articles/13721770)

Dar sunt oare androizii o idee bună? Încep să se audă din ce în ce mai multe voci care susțin că nu. Atenție, nu este vorba despre a nega utilitatea roboților și a roboticii în totalitatea ei, ci raționalitatea creării unor roboți care să fie asemănători oamenilor, până la a șterge complet diferențele fizice dintre oameni și androizi. Unul dintre cei care au emis opinii clare în aceasta privință este filosoful german Markus Gabriel. Născut în 1980, Gabriel este profesor de epistemologie și director al Centrului de Filosofie al Universității din Bonn și profesor-invitat la Universitatea Berkley din California. În cartea sa ‘The Meaning of Thought’, care urmează să apară în traducere în limba engleză în noiembrie, filosoful german dezvoltă teza pericolelor pe care inteligența artificiala (AI) le reprezintă pentru gândirea umană și pentru societățile democratice. AI facilitează tirania? Întrebarea a fost deja pusa anul trecut de profesorul Yuval Harari, într-un articol din ‘The Atlantic’, și voi discuta separat în rubrica CHANGE.WORLD această temă. Până atunci,  doresc să menționez intervenția lui Markus Gabriel la o dezbatere despre AI la Târgul de Carte de la Frankfurt de anul trecut.  Roboții, în opinia dânsului, trebuie creați cât mai diferit de înfățișarea omenească. Antropomorfismul nu numai că nu trebuie să fie un scop, ci dimpotrivă, ar fi bine ca în lista de specificații a roboților viitorului să păstram ca obiectiv posibilitatea de a discerne între roboti și oameni. Chiar dacă suntem sceptici în privința capacității științei de a crea roboti care să semene perfect ca formă cu oamenii, ar fi mult mai bine să evităm din start confuziile și fetișizările.

(sursa imaginii: geeksofancientgreece.wordpress.com/hephaestus/)

Și ce facem cu toate minunatele creații de science fiction, cu cărțile și filmele, de la Asimov la Terminator, care ne prezintă un viitor populat de oameni și androizi identici unii cu ceilalți, până la a-i confunda nu numai fizic, dar și juridic sau emoțional? De obicei, considerăm ca moment zero în istoria roboticii piesa de teatru ‘R.U.R.’ a scriitorului ceh Karel Čapek, scrisă în 1920, în care apare pentru prima dată cuvântul ‘robot’. Conceptul este însă mult mai vechi, el fiind deja prezent în mitologiile lumii antice. Homer și Hesiod au imaginat în operele lor sclavi roboți, replici la dimensiuni reale ale oamenilor și animalelor, unii chiar dotați cu ceea ce astăzi am numi inteligență artificială. Prima fabrică de roboți din istoria imaginației umane va fi fost atelierul lui Hefaistos, fierarul zeu al tehnologiei și al invențiilor, descris în Iliada. În acest atelier au fost fabricate porțile ‘automatizate’ ale Olimpului, care se deschideau și se închideau la trecerea zeilor, precum și o mică armată de valeți cu trei picioare, care serveau zeilor cupele de ambrozie, dar și corul femeilor din aur, care erau asistentele personale ale zeilor și le cântau imnuri de slavă. Olimpul se pare că era bine populat de roboți, androizi sau nu. Chiar și etimologia cuvântului ‘biotehnologie’ (bio techne = creație prin fabricație) provine din mitologia elină, fiind legat de crearea Pandorei, despre care se relatează că fusese ‘fabricată și nu născută’.

(sursa imaginii: jasoncolavito.com/blog/talos-of-crete-a-prehistoric-extraterrestrial-robot)

Un alt robot antropomorf al mitologiei a fost Talos, legendarul apărător al Cretei. Ieșit și el de pe linia de producție a atelierului lui Hefaistos, era unul dintre cele trei cadouri pregătite pentru Zeus, ca acesta să le înmâneze fiului său Minos, regele insulei.   Construit din bronz (perioada apariției legendei coincide cu ultima parte a epocii bronzului), Talos patrula de trei ori pe zi în jurul insulei. Poate că definirea mai exacta ar fi cea ce ciborg, căci uriașul era o combinație între om și mașină, capabil să execute sarcini omenești complicate, dotat cu autonomie și inteligență. Sistemele vitale interne erau biomecanice, lichidul divin numit ‘ichor’ care pulsa și în arterele, și venele zeilor circulând într-un tub (o venă daca vreți), de-a lungul corpului. Hefaistos îl ‘programase’ să-i identifice pe inamici și corăbiile lor și să-i ucidă prin căldura generată de corpul său de bronz. Când corabia argonauților s-a aflat în pericol, fiind identificată de Talos ca entitate dușmană, Medeea a fost cea care l-a răpus, convingându-l să deschidă capacul venei și lăsând să se scurgă din corpul sau lichidul vital. Legenda lui Talos și a originii sale are mai multe variante, dar aceasta, menționată de Hesiod, este cea care încadrează cel mai bine personajul în categoria androizilor preistorici.

(sursa imaginii: businessinsider.com/ford-plant-using-boston-dynamics-spot-robots-fluffy-and-spot-2020-7)

Și dacă nu omul este modelul de referință și imitație pentru construirea roboților viitorului, ci alte ființe din regnul animal? Iată o întrebare firească dacă examinăm cei doi roboti proiectați și produși de firma Boston Dynamics, pentru uzinele de automobile Ford, și care seamănă mai mult a câini, cu cele patru picioare care susțin un corp lunguieț și portocaliu. Fiecare dintre roboții acestei serii costă 75 de mii de dolari și cei doi achiziționați de Ford (care poarta numele, destul de canine, de Fluffy și Spot) au ca sarcină scanarea și determinarea precisă a topologiei clădirilor în care sunt plantate liniile de fabricație și montare ale autovehiculelor. Suprafața totală aflată în responsabilitatea celor doi roboți depășește 200 de mii de metri pătrați, și planurile topologice, prelevate cu ajutorul camerelor video și a altor senzori purtați în spate de Fluffy și de Spot, sunt folosite pentru reorganizarea spațiului și a liniilor de producție, proces care se întâmplă cu o frecvență medie de câteva luni, de fiecare dată când intră în producție noi modele sau generații diferite ale aceluiași model. Estimarea beneficiarilor este că, în totalitatea lor, costurile au fost reduse la jumătate, iar viteza de execuție și precizia releveurilor s-au îmbunătățit. Secretul se află, desigur, în sistemul de mișcare pe patru picioare al roboților și în programele de inteligență artificială care le permit deplasarea autonomă, cu mișcări agile și precise, semănând cu cele ale unor ogari.

(sursa imaginii: bostondynamics.com/atlas)

De ce roboți cu picioare? Lumea naturală în care trăim nu este concepută pentru roți, ci pentru picioare. Evoluția a creat, de-a lungul timpului, membrele care ajută animalelor în deplasări, și sistemul nervos din jur care poate fi asociat cu un calculator specializat extrem de complex și de sofisticat, având ca sarcină mersul și orientarea pe teren. Mersul pe două picioare are avantaje imense față de cel pe patru picioare. Nu este întâmplător că saltul evoluționist de la regnul animal la Homo Sapiens s-a întâmplat simultan cu ridicarea pe două picioare a primatelor care ne sunt strămoși. Orientarea în spațiu, câmpul vizual, combinarea simțurilor, adaptabilitatea la evenimente – toate s-au îmbunătățit considerabil. Primul model de robot mergător pe două picioare a fost lansat în anul 2000, de firma Honda. Avea un mers cam șovăielnic și probleme de echilibru. Firma japoneză a abandonat de atunci această linie, dar alții au continuat, și printre ei și Boston Dynamics, a cărei familie de roboți mergători bipezi se numește Atlas și se pregătește de lansare comercială, la un preț de patru ori mai mare decât variantele canine. Ceea ce s-a îmbunătățit în primul rând este modelul mersului, și aici contribuția semnificativă este a matematicienilor, care au furnizat o mult mai bună reprezentare a modului în care merg oamenii, pentru a fi emulată de roboti. Picioarele lui Atlas sunt, de fapt, niște arcuri amortizoare sofisticate, iar mâinile sunt ajutate de modele suplimentare care îmbunătățesc echilibrul. Boston Dynamics se află deja în tratative cu diferiți clienți, printre care NASA, care evaluează posibila folosire a roboților Atlas în expedițiile viitoare de cercetare spațială, pe astre cu teren accidentat, ca Luna sau Marte. Compania americană este grijulie să-și numească robotii ‘umanoizi’, și nu ‘androizi’. Lecția lui Markus Gabriel pare să fi fost bine asimilată aici. Scopul principal al fabricării acestor roboți nu este imitarea oamenilor și, desigur, nu înlocuirea lor, ci preluarea acelor capabilități unice corpului omenesc, cum este mersul, proiectarea lor în roboți și perfecționarea acestora.

(Articolul a apărut iniţial in revista culturală ‘Literatura de Azi’ – http://literaturadeazi.ro/)

Posted in change.world | Leave a comment

a horror movie packed in a box of chocolates (film: The Voices – Marjane Satrapi, 2014)

Marjane Satrapi bought her fame with the formidable “Persepolis”, one of those books that promoted comics at the most serious artistic level, a largely autobiographical story describing the author’s childhood during the Islamic revolution in Iran. After bringing this book to screen into an excellent animated film, Satrapi began a career as an actors feature films director, experimenting in different genres. ‘The Voices‘ made in 2014 is the result of one of these experiments. It’s a movie that may mislead if you look at the poster and even after watching about a quarter of it. It starts as a sweet romantic comedy in an American town. It continues in something completely different, gloomy and decadent, and those who are afraid of spoilers should better stop reading here. Fans of political correctness and those who are really scared by horror movies can also give up. The rest are invited to join the adventure.

The story takes place in a very typical American town, where the main attractions are the bowling alley and the burgers and Chinese restaurants. Jerry (Ryan Reynolds), the hero of the film, works in a factory that packs something in big boxes, stacks them and ships them. Jerry looks good, he’s a nice guy, the girls in the accounting and finance departments compete to be chosen by him for a date, and even his weirdness of talking loud with his dog and cat its (very cued pets, by the way) when coming home does not seem something to worry about, after all this happens all the time in the Disney studio movies. Maybe we should be a little worried about his regular visits to the psychologist, but she (excellently played by Jacki Weaver) seems more psychotic than her patient, a situation which often happens in reality. For me at least it was a surprise when the story went crazy. Really badly crazy.

I liked the way Marjane Satrapi tells the story. It’s a black comedy, a horror movie packaged as a romantic comedy with talking animals. When the romance and the voices of the animals turn out to be the visions of a serial killer, the viewer understands that everything until then was a very well executed convention. Fragments of reality are interspersed, but the vision remains that of the hero. If we are to look for a classic reference, then it would be Hitchcock‘s ‘Psycho‘ if it had been filmed from the perspective of Norman Bates. Even when blood starts to flow, we are not allowed to completely enter the horror mood because it’s then only that the romance between Jerry and Lisa begins, and Ryan Reynolds and Anna Kendrick are the perfect actors for a romantic comedy. The cinematography and the sets are excellently designed, and the bowling alley on the floor of which the hero’s home is located has a chance to become a cult film setting. Don’t make the mistake of leaving viewing when everything seems to be over, because the ending and the credits provide another commercial packaging for the horror story, that of a musical. Is the musical ‘The Voices’ in preparation for Broadway? I would not be that surprised.

Posted in movies | Tagged , , , , , , , , | Leave a comment

a cosmonaut meets Alien (film: Sputnik – Egor Abramenko, 2020)

Sputnik‘, the name of the Russian science fiction film directed by Egor Abramenko, immediately brings to mind the period of the beginning of the space era six decades ago, and the technological and political competition between the two superpowers of the time – the United States and the Soviet Union. If in terms of launching the first satellites and sending the first people to space, the Soviet Union had for a time a considerable advance, in the parallel competition, that of science fiction films, there was no doubt that the Americans dominated permanently. And yet, there was also a tradition of films about space exploration made by Russian studios and directors, materialized in successful films like ‘Planeta bur‘, and from this tradition, renewed in the recent decades, descends the film ‘Sputnik‘. Its sources of inspiration however are also space horror films like the ‘Alien‘ series. The two lessons are well learned, and we are dealing with a well-made science fiction flick. The dose of originality, at least for the spectators less familiar with this geopolitical space, can be found not necessarily in the story itself but in the placement of the action in 1983, the last decade of existence of the Soviet Union. The context in this case matters.

The hero of the film is Konstantin, a Soviet cosmonaut (Pyotr Fyodorov) who returns from a mission on the space station. Something happens during the maneuvers of re-entry into the atmosphere. Konstantin loses consciousness for a while, and when he wakes up on Earth he finds out that his mission partner has not survived. The story takes place in the Soviet Union in 1983, a time when bad news were not made public, and Konstantin instead of the expected hero reception he expected is placed isolation in a remote military base and subjected to a KGB-like investigation by colonel Semiradov (Fedor Bondarchuk) and his assistants. As the presence of a living extraterrestrial entity is suspected, psychologist Tatyana Klimova (Oksana Akinshina) is called for help. She is of course blonde, beautiful, and brings with her a baggage of her personal traumas. If the line of the story seems familiar to you from movies like ‘Arrival‘, I think it’s not a coincidence but a direct inspiration. What is different is the atmosphere of permanent surveillance, suspicion and terror in which all the heroes live. KGB methods were still in used in those years, people were still dominated by fear, and the heroes were more likely to find allies among aliens than among their human fellows. Political thriller is added to space horror and the mix works quite well.

Oksana Akinshina succeeds to create a credible, beautiful, intelligent heroine, sensitive to psychological nuances, which can be added to the gallery of female heroes who are space researchers who at least on screens balance the gender inequality still existing in this field. But the most formidable role belongs to Fedor Bondarchuk, the son of Sergey Bondarchuk, the famous Soviet director of the second half of the last century, and himself a multilateral personality (actor, producer, director). Colonel Semiradov created by him is a ‘bad guy’ that gives shivers, acted realistically with maximum attention to detail, in the style of good Russian cinema. If this film had been made elsewhere, Max von Sydow could have been cast. The cinematography is reasonable, the special effects are not the most spectacular, but it’s hard to imagine space monsters after ‘Alien‘. The excellent sets combine a scientific research center with a prison or a concentration camp. Egor Abramenko is in his first feature film, but ‘Sputnik‘ doesn’t look like a rookie movie at all. On the contrary, I think that the director demonstrates skill in handling the tools of the profession and applying the lessons learned from different sources. I hope that he will have the chance to receive some original scripts, or maybe he will write them himself in order to be able to develop his talent creatively.

Posted in movies | Tagged , , , , , | Leave a comment

Berlin according to Burhan Qurbani (film: Berlin Alexanderplatz – Burhan Qurbani, 2020)

The ambitious German director Burhan Qurbani faced a double legend when he decided to make his ‘Berlin Alexanderplatz‘. The literary starting point is Alfred Döblin‘s novel written and published during the Weimar Republic, a book that is repeatedly included in almost all the Top 100 rankings of the most remarkable novels, whether they are about German literature, about the 20th century books, or simply about the best novels ever written. This is the third transposition of the book on the screen. The second, a 14-episode miniseries, was a television saga from the early 1980s and one of the most important creations of Rainer Werner Fassbinder, a visionary filmmaker at the peak but also near the end of a career and of a too short life. Like many other daring creators, Qurbani was not intimidated by the text, extracted its essence, rewrote the lines of action and filtered and re-positioned some characters, creating a film that is undoubtedly his, a film about early 21st century Berlin, about Germany, multiculturalism and its current problems, but at the same time a film about a society in crisis and about characters facing cruel realities, forced to moral compromises. It is a colorful and noisy film, expressive and shocking, multi-ethnic and very German at the same time. Just like Berlin is nowadays.

Franz, the main hero of the novel is in this film, at least at the begining, Francis (Welket Bungué), a migrant from Guinea Bissau. The death of the Ida, which triggers the story and the hero’s attempt towards moral recovery the takes place in the opening scene of the film during an illegal crossing of the Mediterranean Sea. The decadent Berlin of the 1920s is replaced in this film by contemporary Berlin, with its bars and parties, but also with drug trafficking, prostitution and gang-controlled violence. The path to a decent life seems to be closed to immigrants marked by their different looks and cultures. The transformation of the hero from Francis into Franz, sardonic characterized by himself as an example of a German success story, goes through a pact with the devil embodied by his Mephistophelean friend Reinhold (Albrecht Schuch). Francis is one of those heroes who destroys everything he loves. The ties with the two women he meets – the exotic Eva (Annabelle Mandeng) and especially Mieze (Jella Haase), the beautiful high-class prostitute – could perhaps offer a chance of recovery if the two women were not, each in her way, also victims of a world that seems to be living its deception to postpone a catastrophe that seems imminent.

This deeply pessimistic view dominates the film. Döblin‘s novel was written shortly before the rise of Nazism in Germany. The different and open Germany of today is less present on the screen. The epilogue seems to try to balance this approach a bit, but those who have read the book or seen Fassbinder‘s series know that it is a dream. The film has a screening time of three hours, but that was no problem for me because the characters are captivating and the story flows smoothly. The script and Eva’s off-screen voice use dialogue and text from the book, a collage scripting technique that works flawlessly. Welket Bungué creates an admirable Francis / Franz – a statuesque physique, a sensitive and dignified character, a man engaged in a struggle with little hope of success to recover morally and socially. Albrecht Schuch patners in an extremely complex Reinhold, a character of charismatic evil. The relationship between the two is characterized by friendship mixed with hatred, complicity in passions, debauchery and crime. The roles of the two women are a bit stingier in terms of the evolution of the characters, but the two actresses, like the rest of the cast, perform them admirably. The cinematography dominated by black and red of Yoshi Heimrath and the music of Dascha Dauenhauer perfectly serve the director’s intentions. With this film Burhan Qurbani won his place in the front line of the contemporary German directors. ‘Berlin Alexanderplatz‘ 2020 is his Berlin.

Posted in movies | Tagged , , , , , , , , | Leave a comment