different cultures, same emotions (film: Rental Family – Hikari, 2025)

The encounter between Japanese culture and the cultures of the rest of the world is a theme that is often explored, both by Japanese and international cinema. Japan fascinates, and Japanese filmmakers are also drawn to the experiences of those who came to Japan as religious preachers, as occupiers or business partners, or even as tourists or migrants in search of work or different life experiences. The most recent reference film would be Sofia Coppola’s ‘Lost in Translation’ (2003), a film with which Japanese director Hikari‘s ‘Rental Family‘ (2025) shares some common lines. Both films are directed by female directors who also wrote the scripts (Hikari collaborated with Stephen Blahut). The main characters are both actors. Unlike the actor played by Bill Murray in ‘Lost in Translation’, Philip from ‘Rental Family‘ never became successful. His relocation to Japan may be due to curiosity doubled by empathy, but perhaps also to a lonely life and a career that refuses to take off. The time spent here gives him the opportunity to learn the language and get to know the culture and mentality better, but for a non-Japanese, life there always holds surprises. The story in the film is very specific, but it allows viewers to experience emotions and ask questions that are universal.

When his career approaches the abyss, Philip accepts a job at a company that offers a type of service possible, perhaps, only in Japan. The company’s employees play surrogate roles in the lives of those who employ them or their loved ones: groom in a marriage in which the daughter wants to escape from her parents’ house, company for video game enthusiasts, fake mistress on whom the wife can vent her anger instead of the real mistress, etc. The decision to accept the job is not without hesitation, as it is clearly a psychological scam, but the charismatic head of the company convinces him that the influence of appropriate lies is positive in the lives of those who pay for these services. However, two of the roles will involve Philip emotionally more than he expected: that of a journalist who interviews a once famous actor who begins to lose his memory and with it his self-esteem, and that of a father hired by the mother of a little girl who needs the presence of a partner to enroll her daughter in a prestigious school. When the stage is real life, roles that impact the fate of others risk becoming personal problems for the ‘actor’.

In this film that has as its theme the meeting of two worlds, the ‘West’ is represented by
Brendan Fraser, the actor who plays the role of Philip. His tall silhouette and the space that he occupies awkwardly in the crowds of the Japanese capital visually differentiate him from those around him. Fraser, an actor I’ve really liked in other films, adopts a somewhat monotonous expression throughout the film, but very appropriate for a character who makes ‘very best efforts’ to understand and respect the culture he’s immersed in, even if they don’t always succeed and are understood. Director Hikari is an actress by training and this is evident in the way she chose and worked with her actors. The script can be criticized for an excess of melodrama, especially towards the end where the ‘predictable surprises’ appear, but it’s one of those cases where melodrama worked well for me. The modes of expression can be very different in different cultures, but the vibrations of the souls are the same, beyond the differences. The sincerity of the emotion won me over, and the questions about the fragile balances between truth and lies, about the good and bad lies we tell and hear in everyday life, about the actor’s art moved from stages or screens to real life, made watching this film a memorable experience.

Posted in movies | Tagged , , , , , , , | Leave a comment

outstanding and controversial cinematic experience in the mid 1930s (film: Kermeze héroïque – Jacques Feyder, 1935)

La kermesse héroique‘ (‘Carnival in Flanders’ in the English distribution) was a completely unexpected discovery for me, especially since I knew almost nothing about any of the directors or actors who participated in the production with the exception of Louis Jouvet. Director Jacques Feyder was born in Belgium, but had been living in France and had acquired French citizenship for several years when he made this film in 1935. A combination of satirical farce and moral farce (in the good tradition of Molière) and historical fresco, ‘La kermesse héroique‘ is an interesting film, discussed at its time and still debatable today, due to the way it approaches the theme of European wars and the relations between an occupying army and the population of an occupied country. It is at the same time a bold film in a period when Puritanism was taking hold of Hollywood through the legislation of the (in)famous code, a film in which much was invested in sets and costumes and whose artistic qualities are amplified by a broad and inventive cinematography. I am quite surprised that the filmmakers of the New Wave (and especially Truffaut) were very critical and refused to see in this film a precursor, both in terms of thematic approach and cinematic technique.

The story takes place in 1616 in Flanders under Spanish rule. The animated but peaceful life of the inhabitants of a small town is disturbed by the news that one of the dignitaries of the Spanish occupiers, together with his entourage and military guard, will spend a night in the city. The population fears the robbery and violence that the soldiers of the occupiers bring with them. The men decide to hide their weapons and the mayor will even pretend to be dead to try to fool the Spanish. The women take the initiative and decide to adopt a different tactic: they will organize a party with drinking, music, dancing to amuse and entertain the enemies. Will this stratagem work?

The script, based on a short story by Charles Spaak, a writer very involved in cinema (he collaborated with scripts and dialogues for over a hundred films), offers an alternative of the relations between an aggressor army and the population of an occupied country that was problematic even in the period between the two world wars and is still a good source of debate today. The other conflicting line is that of the relations between men and women, but here there are famous precedents starting with Aristophanes’ ‘Lysistrata’. Are we dealing with a eulogy of collaborationism or a pacifist alternative? In 1935, this film was a co-production and had a German version, which was initially screened in the Reich, only to be banned at the beginning of World War II. The film was praised by some and criticized by others, and the debate can continue today.

Technically, the film is surprisingly sophisticated and interesting. To authentically and picturesquely reproduce Flanders at the beginning of the 17th century, Jacques Feyder built a 1:1 scale medieval town in the studios, designed by the exceptional artistic director Lazare Meerson, a creator who died tragically young, who had also collaborated with René Clair on ‘A nous la liberté’. Marcel Carné was a production assistant, and the cinematography belongs to the American Harry Stradling Sr.. How could Truffaut not notice the outstanding framing, the unique angles and spectacular shots almost a century before the invention of drones, or the use of the mobile camera a quarter of a century before the Nouvelle Vague? Stylistically, the cinematography, sets and costumes recreate the atmosphere of the paintings of the Flemish masters. A painter named Brueghel, involved in a secondary love affair intrigue, is also one of the heroes of the film. The gallery of performers is rich and diverse, even if the style of the boulevard theater of the first half of the 20th century is quite evident. I cannot fail to mention the names of Françoise Rosay (Feyder‘s wife) who creates an assertive and militant feminist character and of Louis Jouvet in a delicious role of a Spanish monk with an inquisitor background. ‘La kermesse héroique‘ is not only an exemplary product of the period of poetic realism in the history of French cinema but also a film-spectacle that can be enjoyed with delight even today.

Posted in movies | Tagged , , , , , , , , , , , , | Leave a comment

the jaws of the past (film: O Agente Secreto – Kleber Mendoça Filho, 2025)

There is no espionage story in ‘O agente secreto‘ (‘The Secret Agent‘) by Brazilian director
Kleber Mendonça Filho, nor is there any connection to the novel written by James Conrad more than a century ago, which inspired many other films and television series. It is one of those films that is difficult to fit into a single cinematic style, which can belong to several genres or for which a special category should be invented. The film borrows its title from a scene in which the main character passes through a cinema hall in which the credits of a film (imaginary, with Belmondo!) of that name are being projected. ‘O agente secreto‘ is also full of references to cinema around 1977 and in particular to Steven Spielberg’s 1975 blockbuster ‘Jaws’ – and a screening room is the setting for several key scenes. This complex and interesting movie does not belong to the genre of films about films either. It combines political realism with Latin American fantastic to depict the struggle for survival of people living in a corrupt and violent society, in the midst of a period of dictatorship that lasted many decades and dominated the history of Brazil in the second half of the 20th century.

The film starts as a road movie in the semi-desert landscape of northern Brazil, an arid country strewn with corpses and dominated by fear, to evolve into an atypical political thriller with a slow movie pace. The main hero is called Marcello or maybe Armando, as he sometimes hides his real identity. He flees from the authorities and the hired killers sent on his trail, waiting for the false passports that will allow him and his little boy to leave the country. The city of Recife where he arrives is a place of refuge and perhaps of transit to freedom or, in any case, to a world where his life is not in danger. A corner of a country dominated by political terror and endemic corruption. The reasons for his behavior will be gradually discovered by the viewers who will also get to know those around him: his deceased wife’s parents, his neighbors – most of whom are fugitives like him -, the gullible politicians, the corrupt policemen and the hired killers, a kind of Tarantino-style heroes transported to Brazilian soil. Flashbacks will gradually complete the story of the film’s hero’s life, and the events that rush towards the end will only be clarified and put into context by an epilogue that takes place in our days.

I also really liked the way the screenwriter and director Kleber Mendonça Filho built the narrative and how he brought it to the screen, transforming the cinematic spectacle into a violent realistic image of Brazil in the eighth decade of the last century. Mixed in are also elements of fantasy, as present in many novels and films of Latin America, which are packaged in this case with elements of Hollywood cinematic mythology. Spielberg and (again) Tarantino seem to have met in an episode of men under a history of dictatorship, fear and repression. I appreciated the remarkable gallery of portraits created by the filmmaker and exceptionally interpreted by a collection of formidable selected and guided actors. I will mention only two names: that of Wagner Moura who has already collected well-deserved awards for the lead role in the film and the German actor Udo Kier, in his last appearance on the screens in a heartbreaking supporting role. The full list should be very long. In my opinion, in this year with serious competition, ‘O agente secreto‘ should collect several Academy Awards, and not just the one for Best Film in a Foreign Language.

Posted in movies | Tagged , , , , , | Leave a comment

CHANGE.WORLD: 2026 – Anul care va fi

Meseria de prezicător al viitorului devine din ce în ce mai riscantă, dar tradiția este tradiție și o voi respecta. Pentru a 13-a (!) dată deci, în prima ediție a anului a rubricii CHANGE.WORLD voi oferi cititorilor o listă a principalelor tendințe și a posibilelor direcții de evoluție în cercetarea științifică, în inovații și în introducerea tehnologiilor avansate în viața economica, în societate și în sfera privată. Ca întotdeauna, este vorba despre o apreciere personală, îmi rezerv dreptul de a greși, iar propunerile mele sunt doar începutul unor discuții posibile și prilej de a pune întrebări și de a contesta.

(sursa foto: news.microsoft.com/en-cee/2025/01/08/6-ai-trends-youll-see-more-of-in-2025/)

Alegerea subiectului numărul 1 al listei nu este dificilă. Inteligența artificiala (IA) va continua să domine actualitatea în 2026, așa cum s-a întâmplat și în 2025. Unele dintre direcțiile de evoluție au fost însă foarte diferite de cele pe care le estimau experții și cred că surprizele vor continua în anul care începe. Scriam acum un an că 2025 va fi probabil anul în care ne vom lămuri dacă IA este o moda trecătoare sau o direcție revoluționară în tehnologie, economie și societate. Cred că suntem dincolo de pragul confirmării, iar temerile experților financiari care preziceau o posibilă explozie a ‘balonului IA’ care să antreneze după ea nu doar o scădere a valorii de piață a firmelor investite sau investitoare în acest domeniu ci să arunce bursele lumii într-un crah de proporții au fost infirmate. Nu numai că tendințele au fost pozitive și în acest an, dar firmele legate de IA au continuat să crească valoric și să tragă după ele în sus bursele lumii pentru încă un an în care investitorii curajoși și inspirați au câștigat frumos. Semnele de întrebare persistă, problemele nu sunt deloc excluse, dar cred că ele vor afecta în special acele firme care nu-și pot justifica economic întoarcerea investițiilor și nu pot genera profituri imediate, rapide sau într-o marjă de timp care să-i convingă pe investitori. Cu alte cuvinte, lumea așteaptă ca industriile producătoare de IA și cele înzestrate cu IA să aducă profituri măsurabile. Deocamdată, în 2025, liderul în cipuri IA, Nvidia, a devenit prima firmă din lume care a atins o valoare de piață de 4 trilioane de dolari și, pentru o scurtă perioadă, chiar de 5 trilioane de dolari. Altele o vor urma.

(sursa imaginii: linkedin.com/pulse/new-diversity-ai-augmented-workplaces-merging-minds-milene)

Ceea ce cred că va caracteriza domeniul IA în 2026 va fi diversificarea. Nvidia, OpenAI, Oracle sau SoftBank nu mai sunt singure pe piață și Silicon Valley nu mai este singura metropolă a Planetei IA. Concurența este sănătoasă și va fi din ce în ce mai acerbă. Modelele de limbaj ‘low-cost’ – mai simple, mai aproximative, însă mai ieftine de produs și de achiziționat – vor prolifera, urmând succesul celui produs de firma chineză DeepSeek. Modelele native în alte limbi decât engleza vor fi și ele din ce în ce mai mult vândute, instalate și utilizate. Multe dintre ele citesc și vor citi, vorbesc și vor vorbi, desigur, limba chineză, dar și franceza (Le Chat, al lui Mistral AI, care este bilingv) sau araba (ALLAM, proiectat de Autoritatea de Date și IA a Arabiei Saudite). Intervențiile guvernamentale vor fi simțite din ce în ce mai mult. Programul Partidului Comunist Chinez și documentele directoare care detaliază politica trasată de președintele Xi Jinping includ capitole legate de acest domeniu, care îi pot surprinde doar pe cei care nu au urmărit eforturile Chinei din ultimul deceniu în a deveni o supraputere tehnologică și științifică. Dar și alte țări investesc intens în IA. Una dintre ele este Arabia Saudită, pentru care domeniul IA este una dintre direcțiile principale de dezvoltare în crearea până în 2030 a unei baze tehnologice și industriale care să asigure faptul că prosperitatea regatului din deșert va continua după epuizarea resurselor de combustibile fosile. În acest sens, Arabia Saudită oferă energie solara la preț mult mai mic decât energia produsă în Europa și America, suprafețe imense pe care pot fi construite fermele solare și centrele de date consumatoare de energie necesare execuției învățării și algoritmilor IA, și fonduri imense pentru a atrage specialiștii IA de top. Putem doar spera că Uniunea Europeana își va accelera propriile programe de dezvoltare, deoarece doar un efort comun bine coordonat are șanse să genereze o masă critică destul de semnificativa pentru a concura cu marile puteri IA aflate deja în marș.

Efectele introducerii accelerate a tehnologiilor IA se simt deja pe piața forței de muncă. Numărul joburilor care vor deveni inutile din cauza introducerii IA va putea atinge milioane. Vocile celor pe care aceste tendințe îi sperie pe bună dreptate sunt amplificate de condeiul sau tastaturile influencerilor, de cărțile autorilor de literatură tehno-apocaliptică (unul dintre best-sellerele anului, inclusiv în România, a fost în 2025 ‘Vremea prădătorilor’ a lui Giuliano da Empoli) și de portavocea politicienilor populiști de toate culorile. Soluția nu poate fi, desigur, neo-ludismul. Asta mai ales deoarece industria IA începe să creeze la rândul ei locuri de muncă. Acestea nu sunt posturi de programatori (căci unul dintre domeniile aplicative cele mai de succes pentru IA este exact cel al programării de nivel jos a sistemelor de calcul), ci poziții noi, precum crearea bazelor de date pentru antrenarea agenților și ghidarea acestora în timpul proceselor de auto-învățare, introducerea sistemelor IA în domenii variate ale economiei, finanțelor, învățământului, aplicațiilor medicale etc., și asigurarea securității firmelor și organizațiilor în timpul proceselor bazate pe IA (securitate IA, inclusiv legendarul buton de alarmă care oprește orice aplicație considerată că a devenit un pericol). În fine, la nivelul conducerii marilor firme și organizații (inclusiv cele guvernamentale) au apărut posturi de ‘Chief AI Officer’, adică directori sau chiar vice-președinți responsabili cu introducerea și expansiunea IA în organizație, posturi distincte și chiar concurente celor de ‘Chief IT Officer’.

(sursa imaginii: By Josh Valcarcel – flickr.com, Public Domain, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=130335077)

2026 va fi anul reîntoarcerii omenirii în vecinătatea Lunii. A trecut mai bine de jumătate de secol de când ultima misiune din programul Apollo a adus astronauți pe Lună. Misiunea Artemis II a NASA, programată pentru lansare între februarie și aprilie 2026, va trimite patru astronauți într-o călătorie în jurul Lunii, marcând prima misiune cu echipaj uman în vecinătatea lunară din 1972 și un pas-cheie către o prezență umană susținută pe Lună. Echipajul lui Artemis II va fi format din patru astronauți: comandantul Reid Wiseman, pilotul Victor Glover, specialista misiunii Christina Koch – toți de la NASA –, și un al doilea specialist al misiunii, Jeremy Hansen de la Agenția Spațială Canadiană. Astronauții vor testa manevrabilitatea navei spațiale Orion. Aceasta va implica pilotarea manuală a capsulei pe orbită în jurul Pământului, pentru a exersa direcționarea și alinierea navei spațiale pentru viitoare aselenizări. Apoi se vor îndrepta către un punct aflat la mii de kilometri dincolo de Lună, pentru a verifica sistemele de susținere a vieții, propulsie, alimentare și navigație ale navei Orion. Anunțurile făcute de NASA sunt importante, deoarece confirmă faptul că administrația americană continuă să susțină programele de explorare spațială. În afară de zborul lui Artemis II, cred că de mare importanță va fi și misiunea Hera de apărare planetară și asteroizi, a agenției spațiale europene ESA, care va ajunge la sistemul de asteroizi Didymos în noiembrie 2026, pentru a studia locul de impact al misiunii DART a NASA, contribuind la cercetarea în domeniul apărării planetare. Vom fi, de asemenea, martori în 2026 la lansarea a două noi telescoape spațiale: Telescopul spațial Nancy Grace Roman (numit după cea care a fost prima femeie în funcția de director executiv la NASA, care a ocupat funcția de prim-șef al departamentului de astronomie al NASA în anii 1960 și 1970 și care a condus proiectarea Telescopului Spațial Hubble) al NASA, conceput pentru a studia energia întunecată și exoplanetele, este așteptat să fie lansat la sfârșitul anului 2026 și Telescopul spațial Xuntian din China.

(sursa imaginii: bbc.com/news/articles/cwynm4wl1j7o)

Un alt domeniu care a depășit punctul dincolo de care nu mai există întoarcere este cel al vehiculelor autonome. 2025 a indicat clar că introducerea pe scară largă se va petrece în aria serviciilor de transport – în comun sau privat. China – cu mai puține restricții juridice și cu procese rapide de aprobare și introducere –, țintește și aici rolul de lider mondial, ambiție susținută de faptul că modelele chinezești de vehicule autonome sunt mai reduse ca preț. Inteligența Artificială joaca și aici un rol însemnat în procesul de învățare și extindere a experienței ‘la volan’ a șoferilor roboți. Taxiurile autonome operează în multe orașe din lume. Liderii pieței sunt Waymo în SUA (deja prezenți în orașe precum Austin, Phoenix, San Francisco, Los Angeles, Atlanta) și Baidu în China (Wuhan și alte peste 10 orașe), cu mult mai multe locații în curs de testare sau implementări etapizate. În 2026, Waymo va adăuga orașe precum Miami și Dallas, iar Baidu va testa în Abu Dhabi și Dubai. Marea Britanie și Europa au rămas și în acest domeniu cu un pas în urmă. Testele vor începe în 2026 la Londra (cu Waymo și Uber în parteneriat cu firma britanică Wayve), în Elveția (Bolt lucrând cu Baidu) și în Croația unde sunt testate produsele unei firme locale numite Verne.

Vom mai urmări, desigur, în 2026 și alte domenii de activitate. În biotehnologie și medicină se așteaptă progrese în medicina personalizată și în editarea genetică, alături de rezultatele unui studiu clinic semnificativ din Marea Britanie pentru o analiză de sânge care vă permite detectarea precoce a mai multor cancere. Se anticipează că noile tehnologii pentru baterii se află în pragul unui salt economic semnificativ, datorat introducerii comerciale a bateriilor fier-aer și sodiu-ion, care permit stocarea energiei regenerabile la scară largă, contribuind la tranziția către o rețea energetică mai ecologică. În fine, o știre semnificativa pentru fizicieni este faptul că acceleratorul de particule de la CERN, lângă Geneva, se va opri din activitate, intrând începând din iulie 2026 într-o perioadă de modernizări de patru ani, el urmând să devină acceleratorul de particule LHC (High-Luminosity Collider).

(sursa imaginii: linkedin.com/pulse/inside-taiwan-tech-miracle-how-small-island-become-hanel-topada-cfa-dnggc)

Legătura dintre politic și tehnologie se va întări, cred, și în 2026. Programele de explorare spațială au o componentă militară însemnată, iar tehnologiile dezvoltate și testate în spațiul extraterestru au contribuit și contribuie la progresul industriilor avansate. Conflictele globale sunt în esență legate de resurse, dar acestea nu mai sunt astăzi doar cele de combustibili sau minerale, ci și resurse industriale, de informație și de flux de mărfuri. Țara căreia trebuie să-i acordam o mare atenție în 2026 este Taiwan, considerată de China o provincie rebelă, care va fi anexată mai devreme sau mai târziu. Taiwan reprezintă o verigă esențială în lanțul global de aprovizionare cu semiconductori, producția ei reprezentând peste 60% din veniturile globale din fabricarea de semiconductori și peste 90% din producția de cipuri de ultimă generație. Firma Taiwan Semiconductor Manufacturing Company (TSMC) domină piața, firme americane precum Apple, Nvidia și AMD bazându-se în mare măsură pe capacitățile sale avansate de producție.

Putem doar să sperăm că în 2026 conflictele nu se vor agrava și voi putea relata în această rubrică despre progrese semnificative care îmbunătățesc calitatea vieții locuitorilor planetei. Oricum va fi, voi urmări, voi relata și vom discuta.

Articolul a fost publicat inițial în revista de cultură ‘Literatura de Azi’

Posted in change.world | Leave a comment

Bucuria memoriei (carte: Riri Sylvia Manor – Bucuria de a nu fi perfectă)

Memorialistica exilului este un gen literar care se bucură de popularitate în rândul cititorilor din România. Perspectiva israeliană sau – mai clar exprimat – a scriitorilor și a altor personalități născute în România și emigrate în Israel prezintă un interes aparte. Mulți dintre israelienii originari din România – și intelectualii care se ocupă cu scrisul printre ei – au păstrat limba română ca mediu de exprimare. Ca rezultat, scrierile lor se află din punct de vedere cultural la intersecția dintre spațiile israelian și românesc, însă lingvistic aparțin literaturii române. Numeric, comunitatea scriitorilor de limba română din Israel este probabil a treia din lume după cele din România și Republica Moldova. Memorialistica și ficțiunea cu caracter memorialistic (precum la Virgil Duda de exemplu) ocupă un loc important. ‘Bucuria de a nu fi perfectă’, cartea semnată de Riri Sylvia Manor și apărută într-o primă ediție în România la Editura Humanitas în 2016, este probabil una dintre îmbinările remarcabile ale genului memorialistic cu talentul literar și cu o biografie excepțională. Cartea ei se așază fără complexe în raftul celor mai interesante și mai bine scrise jurnale și cărți de memorii din literatura română.

Fascinantă figură este Riri Sylvia Manor. Medic de excepție, profesor universitar și expert cu nume și renume în domeniul oftalmologiei, Riri este și o prozatoare și o poetă care trăiește și creează în două universuri – cel al limbii române și cel al limbii ebraice. A emigrat în Israel la vârsta de 25 de ani și a început să profeseze aici, așa cum am făcut-o atâția dintre noi, înainte de a avea mai mult decât cunoștinte de bază ale limbii ebraice, o limbă care nu seamănă cu nimic din ceea ce aude, citește sau vorbește un european. Și totuși, cu câteva decenii mai târziu, unul dintre marii poeți israelieni, Natan Zah (1930 – 2020) avea să scrie cu admirație că poemele ei în limba ebraică o plasează printre cele mai desăvârșite poete contemporane din Israel. La medicină a ajuns oarecum întâmplător, sub presiunea vremurilor. Originea socială și etnică nu i-ar fi permis să urmeze studii umaniste în România comunistă a anilor ’50, deceniul despre care scria (în cuvinte pe care și le-ar dori să le fi scris mulți alti scriitori) că era vremea ‘când copiii de un an erau învățați să vorbească, iar oamenii mari erau învățați să tacă’:

‘Pentru cineva ca mine, intrat întâmplător la o facultate ştiinţifică numai din cauza lui Gheorghiu-Dej și a proletcultismului din facultățile umaniste, a avut o mare importanţă şi faptul că, după ani de întrerupere, am reînceput să scriu şi să public cărţi de poezie în România şi în Israel. Când am devenit membră a Uniunii Scriitorilor din Israel – în Israel, unde am învățat ebraica din auzite – şi a Uniunii Scriitorilor din România, unde am reînceput să scriu poezie după patruzeci de ani de întrerupere, m-am simțit mult mai mândră decât atunci când am devenit membră a Academiei Americane de Oftalmologie, când am primit titlul de profesor în medicină sau Premiul Opera Omnia, sau când am fost inclusă în America în volumul Who Is Who in the World! Poate nu e frumos să te bucuri mai mult dacă scrii o poezie reușită decât de toate aceste onoruri medicale și științifice, dar aceasta sunt eu. Revenisem la acea parte veritabilă a eului meu primordial.’ (pag. 343)

Evenimentele care au declanșat fluxul memoriei și care au stat la originea cărții au fost cele petrecute în România în decembrie 1989. La fel ca pentru mulți dintre cei care părăsisem România în anii sau deceniile dinainte de 1989 ajungând în Israel și în alte părți ale lumii, și pentru Riri Sylvia Manor revolta populară de pe străzile Timișoarei și ale Bucureștiului a repus România pe primul plan, a trezit speranțe enorme că țara în care se născuse are o șansă unică de a-și readuce istoria într-o matcă de normalitate și a făcut-o să revină, cu câteva săptămâni mai tărziu, în țara în care se născuse pentru a ajuta. Au urmat câteva decenii în care timpul și eforturile ei s-au împărțit între România și Israel, perioadă marcată de contribuții semnificative la readucerea medicinei românești și a domeniului ei de expertiză la nivelul cel mai avansat. Psihologic și literar, procesul de întoarcere a fost și mai profund. Riri a reînceput, după decenii, să scrie în limba română. Procesul ei de creație a devenit bilingv. Întoarcerea fizică din anul 1990 a însemnat însă și reconectarea cu spațiul în care-și petrecuse copilăria, cu clădirea de pe Calea Victoriei 128A în care și-a petrecut o mare parte din copilărie și din tinerețe. (Disclaimer – am copilărit și mi-am trăit adolescența în același cartier):

‘… când după treizeci de ani m-am reîntors la Bucureşti, primul lucru pe care mi l-am dorit a fost să-mi revăd camera, să o confrunt cu cealaltă, camera mea din memorie. Doi martori oculari față în față, într-un proces public. În camera din memorie, lumea mi se înfățișa întotdeauna în culori schimbătoare, ca prin ferestruica unui submarin, cu lumini furişându-se de sus, cu umbre mişcătoare şi castele de nisip construite pe parchet ca pe malul mării. Când copilăria s-a sfârşit firişoarele de nisip se prăbuşiseră pe podea, risipindu-se spre colțurile odăii şi în cutele memoriei. Când, după atâţia ani, am intrat în clădire, nu m-am îndreptat spre lift, ci spre curte, am vrut să revăd mai întâi locul în care scotocisem prin gunoaie. Gunoaiele nesfârşite ale unui bloc de nouă etaje.’ (pag. 8-9)

‘Scotocirea din gunoaie’ ar merita o explicație, dar mai bine să o căutați și să o găsiți singuri, într-unul dintre pasajele cele mai dramatice ale unei cărți în care amintirile se transformă în literatură de calitate.

Volatilitatea memoriei este cea care declanșează necesitatea de a-și pune amintirile pe hârtie. Referința este cinematografică – unul dintre filmele celebre ale lui Fellini și anume ‘Roma’ – în care este descoperită o clădire care rămăsese îngropată vreo două milenii. Frescele de pe perete, intacte după atâta vreme, se volatilizează însă la contactul cu aerul prezentului, și cu ele se pierd mărturii despre viața celor care trăiseră cândva în acele locuri. Nevoia de a înregistra memoriile este imediată. De altfel titlul versiunii în limba ebraică a cărții face referință directă la Fellini. Ca structură narativă, ‘Bucuria de a nu fi perfectă’ alternează între Tel Aviv și București, respectiv între anii scrierii cărții și cei ai perioadei petrecute în România. Ajunsă la anii maturității, după două vieți trăite în două lumi diferite, scriitoarea revine pe firul timpului și aduce în paginile cărții întâmplările și oamenii care i-au marcat traseul și au format-o în omul care a devenit.

Și în primul rând, mama. Paula (Lala) Aberfeld, născută Zuckerman. ‘Bucuria de a nu fi perfectă’ poate fi citită și ca un roman al maturizării unei fete evreice din Bucurestiul anilor ’40 și ’50 ai secolului trecut, al relației pline de tensiune, de dragoste și de frică cu mama sa, a eliberării și a devenirii tinerei Riri. Paula se născuse la Craiova și într-un fel nu părăsise Craiova niciodată, desi venise la București după căsătorie. Pierzându-și în copilărie mama, devenise la rândul ei o mamă opresivă, tiranică, permanent temătoare pentru soarta fiicei sale unice. Își petrecea o mare parte a timpului depanând amintirile despre o Craiovă care capătă dimensiuni mitice, de spațiu idealizat din trecut. Partenerul de discuții era tatăl ei, pentru Riri bunicul Pică, prietenul și confidentul fetiței.

‘… mama nu mai era de douăzeci de ani în Craiova, iar Ion Vasilescu – viitoarea mea rudă prin alianţă – trăia de o viață întreagă la Bucureşti. Cine ştie ce ar fi avut şi tata de povestit în seara aceea – nimeni nu va afla vreodată. Mama continua pe terasă cu bunicul şi cu Craiova ei. Parcă nimic altceva nu o interesa. Doar dacă aveau bilete la teatru sau dacă se duceau la restaurant cu prietenii, mama întrerupea Craiova şi se pregătea să iasă în oraș cu tata.

Şi dacă doar pretindea? Dacă era una dintre acele mincinoase care se mint pe ele însele, şi încă de atâta vreme încât nu mai ştiu de mult cine sunt ele de fapt? Poate că-i era frică să se maturizeze, căci atunci nimănui nu i-ar mai fi fost milă de ea. Niciodată n-am putut înțelege de ce era mulțumită când oamenii o credeau nefericită, slabă și toți trebuiau să aibă grijă de ea. Poate ştiuse de mic copil că mama ei va muri și se temuse tot timpul că va rămâne orfană? Poate aflase că o alăptase Lina, doica țigancă, fiindcă laptele mamei ei i-ar fi putut aduce moartea? Poate ar fi vrut să-şi îmbrățișeze mama, dar s-ar fi putut molipsi de tuberculoză şi nu fusese lăsată nici măcar s-o atingă? Poate că Pică, care îşi pierduse băiatul la vârsta de cinci ani şi bătea drumul între Craiova, unde locuia, şi Cetate, unde lucra, ca să acopere toate cheltuielile pricinuite de boala soției lui, a văzut-o pe mama ca pe singura rază de fericire din viață și o răsfățase prea tare? Poate că de mic copil a ales să fie puternică prin “metoda” ei de a se arăta slabă …’ (pag. 31)

Într-un singur moment, unul crucial pentru istoria personala și cea a lumii din jur, femeia alintată devine leoaică și își va salva și proteja fiica, fugind cu ea de mână prin Bucureștiul sub bombardamente. Data era 23 august 1944. Este alta dintre scenele memorabile cu care rămân cititorii după lectura acestei cărți.

Bucuria de a nu fi perfectă din titlu este reușita de a deveni și de a fi ea însăși, de a se elibera de sub constrângerile unei educații dominate de frică. Unele temeri sunt firești – cele ale mamei care a cunoscut în familie boala și moartea. Altele sunt exagerări ale unei educații stricte sau ecouri ale unor cazuri tragice din familie. Fetița nu are voie să se joace cu copiii din vecini, multă vreme nu poate invita acasă nici măcar colege sau prietene, despre băieți nici nu poate fi vorba. La prima petrecere la care i se dă voie să participe, mama supraveghează dintr-o altă camera, după o perdea, dialogul ei cu un băiat.

Exista însă alte categorii de temeri care nu se datorează doar grijii exagerate a familiei. Copilăria, adolescența și maturizarea scriitoarei se petrec în perioada în care România era încătușată în lanțul de dictaturi care i-au marcat istoria vreme de jumătate de secol. Paginile care descriu experiențele copilei excluse din școli la vârstă de șase ani și ale familiei expropriate și marginalizate de legile rasiale din perioadele dictaturilor legionară și antonesciană pot fi un excelent material complementar Jurnalului lui Mihail Sebastian. Ce simte o fetiță care se izbește de prejudecățile și ostilitatea altor copii doar pentru vina de a se fi născut diferită?

‘Expediţia mea în lume începuse aici, printre copii creștini, primele mele poezii au fost visate şi scrise la violoncelul vrăjit al limbii române, dintotdeauna mă simţisem de-a locului. Să fi fost poate – începeam să înțeleg – o obrăznicie din partea mea? Pe cine întrebasem dacă mi-a dat cineva dreptul să fiu atât de mândră de limba română? Mama Adinei îi povestea fetiței ei despre evreii cei răi din anul zero, de acum 1949 de ani. Şi uite că atunci când eu aveam şase ani, ca sora Adinei, bunicul meu nu-mi povestise nimic despre românii care cu numai un an în urmă uciseseră în Bucureşti zeci de evrei, dar şi pe savantul Nicolae Iorga, creştin. Bunicul credea că unei fetițe de șase ani trebuie să-i povesteşti lucruri frumoase pe care să le împărtăşească cu alții ca pe o pâine. Bunicul meu iubea până în străfundul sufletului România şi-mi spunea că Iisus Hristos propăvăduise dragostea şi iertarea şi nu ar fi tolerat ura față de alți oameni. Poate că mama Adinei nu avusese un bunic ca al meu. Poate că Adina şi mama ei nu ştiau că Iisus era din Nazareth, din Galileea, țară locuită de evreii care trăiau sub ocupație romană. Că Iisus, că preacurata Maria, că cei doisprezece apostoli fuseseră cu toții evrei. Poate că Adina nu ştia că numai la romani exista ca pedeapsă crucificarea, evreii nepracticând o asemenea pedeapsă. Dacă fuseseră şi evrei care ceruseră pedepsirea lui Iisus, au fost atâţia alții care Îl veneraseră şi ajutaseră, precum evreul Simon, acela care I-a luat crucea şi a purtat-o până pe Golgota, sau evreul Iosif din Arimathea, cel care i-a cerut lui Pilat trupul Mântuitorului şi L-a înfăşurat într-un giulgiu de in şi L-a depus în mormântul destinat Lui. Nu, nu ar fi trebuit să mă nimeresc tocmai atunci la Adina și să alunec peste acele cuvinte mocirloase. Oricum mama ei, pesemne, nu era purtătoarea de cuvânt a creştinității.

România rămânea pentru mine locul unde am iubit până şi pietricele cu care jucam şotron. Mă simţeam o localnică. Era poate o obrăznicie.’ (pag. 130-131)

Că pentru mulți dintre evreii născuți în România, aceasta ostilitate, greu de înțeles la vârstele copilăriei și adolescenței, precum și izbucnirile de antisemitism care făceau ca țara în care se născuseră să nu mai fie ‘acasă’ au fost parte dintre motivele care i-au determinat să-și schimbe destinul și să plece în Israel. Cealaltă categorie de motive au fost legate de noaptea dictaturii care coborâse asupra României, viața lipsită de bucurii și de speranțe, absența libertății de exprimare și de realizare personală. Iată cum percepe fetița de 12 ani începutul schimbării:

‘1947 a fost şi anul când noi, copiii de doisprezece ani, ne-am început ucenicia în arta de a dansa pe sârma fricii. Dacă în primăvara acelui an scrisesem o poezie de dragoste „regelui nostru”. pe care am recitat-o cu mare înflăcărare şi mult succes la serbarea de sfârşit de an, iată că în decursul aceluiaşi an, într-o dimineață, înainte să plec la școală, tata și mama m-au chemat în dormitor să-mi spună ceva. Era cu totul neobişnuit să mă cheme tocmai acolo şi tocmai când mă grăbeam să plec la școală. Dormitorul era cea mai izolată cameră din apartament, departe de vestiar şi de intrare. Ne-am aşezat toți pe pat, care era deja strâns şi acoperit cu sfânta cuvertură de catifea stacojie, pe care nimeni nu avea voie să se aşeze. Cine ştie cât o fi costat în urmă cu o mie de ani, când se căsă- toriseră ei doi, îmi spuneam în sinea mea, de nu ne lasă mama De data aceasta să ne aşezăm pe ea. „Că se strică!“ spunea. ne-am aşezat cu toții pe catifeaua devenită ospitalieră şi mi-au spus să nu mai vorbesc despre rege la școală, că e periculos să vorbeşti despre el în aceste vremuri, că a fost silit să re- nunţe la tron.’ (pag. 120)

Totul se schimbă în jurul ei începând cu acel moment. Riri Sylvia Manor avea să petreacă întreg deceniul anilor ’50, acela pe care Marin Preda îl va numi mai tărziu ‘obsedantul deceniu’, în Bucureștiul din ce în ce mai sumbru, mai plictisitor, mai dominat de minciună și de frică. Până și cărțile care-i fuseseră până atunci refugiu și pavăză intelectuală devin un spațiu poluat de propagandă. Paginile memorialistice sunt din nou de excepțională calitate, fie prin scene antologice cum este cea a excluderii din UTM a unei colege de facultate despre care se aflase că făcuse cerere de emigrare sau prin informații documentare inedite despre Festivalul Tineretului din 1953 sau despre biografia lui Alexandru Ivasiuc dintr-o perspectivă diferită de cea a colegilor lui scriitori sau a lui însuși așa cum este reflectată în romanele sale precum ‘Păsările’. 

Plecarea din România comunistă a însemnat în primul rând dobândirea libertății. Riri a emigrat cu 24 de ani înaintea mea, dar sentimentele și experiențele trăite de ea și de soțul ei, Titel, în primii ani după ce au ajuns în Israel sunt foarte asemănătoare cu ale mele și cu cele ale multor mii de evrei născuți și trăiți în România. Reînceperea vieții de la zero, confruntarea cu o limbă nouă, cu mentalități și cu un stil de viață foarte diferit, eforturile pentru realizarea profesională și ascensiunea socială, toate acestea îmi sunt și mie cunoscute, dar mai ales îmi este cunoscută senzația de eliberare, bucuria de a respira fără constrângeri, libertatea de a spune tot ceea ce ne trece prin cap, de a citi tot ceea ce se poate citi, sentimentul că totul este posibil.  Partea aceasta a cărții este mai restrânsă ca număr de pagini. Atenția este din nou îndreptată în primul rând spre familie. Cunoaștem destinul părinților și al bunicului, veniți și ei pentru a reîntregi familia. Se închid unele bucle din trecut, apar câteva personaje noi (descrise cu tandrețe și discreție) atât în viața personală cât și legate de istoria familiei. Cunoașterea de oameni noi este esențială și ea facilitează până la urma intrarea definitiva a lui Riri Sylvia Manor în cultura și literatura israeliană de limbă ebraică. Cunoști o țară în primul rând cunoscându-i oamenii. Este lăsată la o parte cea mai mare parte a vieții profesioale, marcate de succese și realizări considerabile. Doar câteva fotografii, adăugate la sfârșitul cărții, ne reamintesc că autoarea este o somitate într-un domeniu științific și medical care cere precizie, profesionalism și dedicație. Poate că implicit ea a dorit să ne spună că aspectele literare și culturale rămân centrul preocupărilor sale. Câteva decenii după ce ajunsese aici, ea devine scriitoare și poetă apreciată de limbă ebraică. Și atunci se declanșează evenimentele care o vor aduce înapoi în spațiul copilăriei și în timpul amintirilor.

Cărți ca ‘Bucuria de a nu fi perfectă’ construiesc punți între limbi și spații culturale, între perspective istorice și experiențe personale. Volumul pe care Riri Sylvia Manor l-a oferit cititorilor săi descrie două povești complexe de dragoste. Ca în orice poveste de dragoste tumultoasa și adevărată, este vorba despre întâlniri și despre despărțiri, despre cuvinte de dragoste și de ceartă, despre lumini și despre umbre. Una dintre poveștile de dragoste este cea dintre ea și mama ei, relație formatoare, dar și cu potențial de distrugere. Cealaltă este cea dintre scriitoare și țara în care s-a născut, cultura în care s-a format și limba în care a început și a continuat până astăzi să scrie, chiar dacă aceasta nu a rămas un vehicol exclusiv de exprimare. Cartea aceasta de memorii completează și complementează alte câteva cărți fundamentale ale literaturii și memorialisticii în limba română (Sebastian, Steinhardt și Norman Manea sunt primele nume care îmi vin în minte dar lista este mai lungă) care descriu experiențele complexe și diverse, culturale și identitare ale intelectualilor evrei născuți în România. Fiecare dintre ele – și aceasta carte se adaugă nobilei selecții – reprezintă în sine o poveste de iubire. 

Posted in books | Tagged , , , , | Leave a comment

the sound of passion (film: Song Sung Blue – Craig Brewer, 2025)

Song Sung Blue‘ is not just a biopic about who musicians, although it has as heroes a couple of people who make music, and it is not just a musical film, although it is rich in musical numbers. The movie directed and co-written by Craig Brewer is first and foremost about the passion for music and the role that music plays in the lives of people who work in this industry without necessarily being big stars. Inspired by a documentary film whose heroes are a couple of musicians from the heart of the United States, the film respects the authenticity of the environment it describes not only in the script but also in the rendering of the atmosphere and especially in the empathetic approach to American popular culture, including the passion for music.

Mike and Claire Sardina met in the ’80s as musicians specializing in performances in which they imitated popular singers of America. This type of entertainment was very popular in those years, perhaps it still is today. Mike was carrying the trauma of the Vietnam War with him and had struggled to recover from alcoholism. Claire had also gone through enough trials, raising a teenage daughter and an adorable son (played by Hudson Hensley – a formidable child actor who deserves a great role). The two are united by their passion for Neil Diamond’s music and decide to create a show together that would pay tribute to him. They don’t imitate the great singer, they interpret him, they say. Their show starts off slowly, but it gains popularity. They choose the stage name ‘Lightning and Thunder’ for their couple. The Neil Diamond music that the two sing resonates with the part of America where they appear on stages or in bars. Just when they had gained some fame (including an appearance as the opening act for a Pearl Jam concert), after they get married and have hopes of overcoming material difficulties, fate strikes without mercy. But Mike and Claire will not be defeated easily.

Behind an impressive true story, ‘Song Sung Blue‘ asks a question worthy of debate about the boundaries between art and entertainment. To what extent is a show based on imitations art, and are the artists who perform in such shows truly musicians? I came away from this film convinced. The passion and respect for the original win the audiences and give them the opportunity to enjoy music whose original they have little chance of ever seeing. What these two (and many other musicians like them) do is prolong the ephemeral life of beloved songs and singers. The performances of the two actors in the main roles are exceptional. Hugh Jackman conquers, being one of those actors who manages to change his facial expression several times a second, and Kate Hudson radiates light, love and passion for music. Both of them also sing their roles and do it perfectly. The story is melodramatic, but it’s one of those cases where melodrama works really well on screen, especially when we know that the story happened (with the necessary deviations) in reality. ‘Song Sung Blue‘ is only a movie for now, but I bet the Broadway musical won’t be long in coming. And Neil Diamond lives in and blesses this wonderful film with his music.

Posted in movies | Tagged , , , , , , , , | Leave a comment

who is the monster? (film: The Housemaid – Paul Feig, 2025)

Those who – like me – thought that the 2025 production of ‘The Housemaid‘ directed by Paul Feig is a remake of the 2010 Korean film with the same name (in English distribution) were wrong. The American movie is an adaptation of a 2022 novel by Freida McFadden. The two films belong to the same genre of psychological and erotic thriller mixed with horror and both have as their central characters housemaids who work in the homes of wealthy families. But that’s about where the similarities end. The two films have nothing in common other than their names and the fact that I liked both of them.

In the scene that opens the film, we witness a job interview. Millie, a young woman who seems lacking confidence and somewhat provincial, applies for the job of housemaid in the impressive mansion of Mrs. Nina Winchester. The dialogue between the two women sounds conventional and a little uncomfortable for both of them. Millie will get the job. We will find out that almost everything the two said during the discussion was untrue. Millie is not the innocent spectacled young woman she seems to be, but a former prisoner released on probation and threatened with returning to prison if she does not find work or if she commits the slightest misconduct. Nina takes medication for various mental disorders, terrorizes her employee, lies and has hysterical attacks in which everyone around her suffers, including her ten-year-old daughter. A mysterious and somewhat sinister character, the house gardener, observes everything beyond the windows of the villa. Only the husband, the impressive Andrew Winchester, heir to a considerable fortune and a successful businessman, seems to be a normal person, sometimes even managing to calm his wife. As we progress in the story, however, we will realize that appearances can be bitterly deceiving in this case as well.

I liked the narrative, even if it sometimes included too many ‘slow cinema’ elements. The surprises are a little late to come, but when they show up, their intensity are enough to compensate for the wait. All three main characters are excellently outlined. The changes in perspective and relationships between the two women are excellently captured by Sydney Sweeney (who grows into a star with any new film of her) and Amanda Seyfried (who already is a star). Brandon Sklenar seemed OK to me, but he is overshadowed by the two actresses, who also contributed to the film as executive producers. The sets are very well architectured, with the spiral staircase leading to a room with a triangular section in the attic. The viewers of the film will remember this mansion, which reminded me of the motel in ‘Psycho’, for a long time. I believe that those who chose to watch this horror-thriller for the holidays didn’t make a mistake, and those who haven’t seen the film and love these genres have enough time to catch up in 2026. Plus, a sequel seems not only possible but planned. The novel already has two sequels, so why not the movie?

Posted in movies | Tagged , , , , , , , | Leave a comment

Truffaut settling down? (film: Domicile conjugal – François Truffaut, 1970)

Domicile conjugal‘ (‘Bed & Board‘ in the English distribution) was made by François Truffaut 11 years after ‘Les quatre cents coups’, one of the three films that launched the ‘Nouvelle Vague’ and changed the direction of French and world cinema. The main character is the same – Antoine Doinel played by Jean-Pierre Léaud – but 11 years have passed and we find him married and searching for his way in life. Apparently, in terms of subject matter, we are dealing with a film much closer to the classic French cinema against which the ‘Nouvelle Vague’ filmmakers had revolted a decade earlier – a comic drama about the crisis of a marriage, not very different from what Ingmar Bergman would bring to perfection three years later with his ‘Scenes from a Marriage’. And yet, with its nonchalant approach and its style of cinematography, ‘Domicile conjugal‘ also belongs to the New Wave and is a good prelude to the major films that Truffaut would make in the too short time he had left to live and make films, as well as to many other productions that focus on contemporary (at the epoch of filmmaking) couples and the problems of relationships between the partners and with the world around them.

Antoine and Christine are married and quite happy. She gives violin lessons, he dyes flowers. Yes, there is such a profession and those who will see the film will learn some specific technologies. The two live in a typical Parisian neighborhood, with some nice neighbors, some other annoying ones and one really unsettling. When Christine becomes pregnant and one of the flower dyeing technologies fails, Antoine gets a job (with a bit of luck typical of a French comedy) at an American company where his role is to remotely control ship toys in a pool for visitors. Among them appears a young Japanese woman, beautiful and exotic enough to tempt Antoine into an adventure that will evolve in an unexpected way.

The approach is light-hearted. The crisis in the couple’s relationship is believable and resembles many of those that have happened to us or that have happened or are happening in so many couples we know, but the way in which the two young people are presented – beautiful, sometimes insecure, certainly very much in love with each other – makes us believe from the beginning that the relationship will withstand the ‘accidents’. Jean-Pierre Léaud grew up with his character who has become ‘bourgeois’ in some respects (the routine of marriage, the desire for stability), but, like the director whose alter-ego he seems to be, remains in other respects in the realm of fantasy: atypical professions and weakness in the face of female temptations. His partner is Claude Jade, a beautiful actress who seemed to me to have been very talented. Why didn’t she have a more spectacular career? Perhaps the physical resemblance to Catherine Deneuve, thanks to which she possibly got the role in this film, harmed her in the long term? Of the audacity of the Nouvelle Vague, in addition to the romantic-detached approach to a story with auto-biographical touch, we can also identify the freedom of using the camera, the naturalness of the filming out-doors and the quotes from other films of his generation. Truffaut would make another film in the Antoine Doinel series in the late 1970s, in which the couple’s story would become even more complicated. For now, however, in ‘Domicile conjugal‘, the atmosphere is relaxed and viewers who will watch or re-watch this film will not regret it.

Posted in movies | Tagged , , , , , , , , , | Leave a comment

21st century Modern Times (film: Eojjeoluga eobsda / No Other Choice – Park Chan-wook, 2025)

What a chance to start my 2026 cinephile year with a film like ‘Eojjeoluga eobsda‘ (the English distribution title is ‘No Other Choice‘) by the Korean master Park Chan-wook. I found in this film the mixture of thriller and horror as well as the subtlety and depth of the psychology of the characters, which are characteristic of his most successful films, but in this film his ambitions seem to be greater. The Korean director adds a political dimension to the cinematic adaptation of the 1997 novel ‘The Axe’ by American writer Donald E. Westlake. The result is impressive in many moments.

The film begins with a scene from the life of a family that is obviously too happy for misfortune not to strike them soon. Indeed, in the next scene, we learn that the father of the family, Man-su, a specialist at a paper manufacturing factory, is fired. The paper industry is in crisis, less is being written, printed and read, automation is reducing the number of jobs. Man-su sees not only his career cut short after 25 years of devoted work, but also his role as the family breadwinner called into question. Miri, his beautiful and devoted wife, tries to cut down on household expenses, takes a job as a dental technician, cancels the more expensive cello lessons of their very talented daughter and even renounces to the two gorgeous family dogs. When the very house they live in is in danger of being lost, Man-su decides that he must pass to action. As specialist positions in the paper industry are becoming fewer and fewer, the chances of employment can only increase if the competition is eliminated. The road to murder is not easy either.

The screenwriters build a complex plot – perhaps even a little too complex – but perfectly psychologically justified. In parallel with the thriller intrigue and the horror scenes of unapologetic violence, we also follow the way the relationship between the two spouses evolves. Actors Lee Byung-hun and Son Ye-jin are wonderfully chosen, as is the entire team around them. Each of the film’s characters has a justification within the system, for actions that cannot be qualified as anything other than reprehensible. Both the new bosses who fire workers or engineers made ‘redundant’ by technological progress, and the laid-off employees forced to resort to violence or even murder to regain their place in society, as well as the wife who becomes an accomplice to her husband’s actions out of love, can claim at one point or another that that had ‘no other choice’. In this case, is the system to blame? As a message, this film resembles Chaplin’s ‘Modern Times’, which 90 years ago sounded similar alarm bells and accused industrial mechanization of crushing the heroes’ personalities. Here too we have an anthological final scene, a kind of happy ending with a reconciliation between the hero and the heroine, but what a difference! Charlot will live happily with his Gamin, protected by his own innocence. Man-su and Miri will share the secrets and complicity of the deeds that regained their well-being. At many moments, the style of narration and direction of Park Chan-wook reminded me of the films of the Coen brothers or of Tarantino. I can only hope that the inevitable American remake will be directed by someone like them.

Posted in movies | Tagged , , , , , , , , , | Leave a comment

generational gaps (film: Father Mother Sister Brother – Jim Jarmusch, 2025)

It was a delight to end my 2025 film year by watching Jim Jarmusch‘s film ‘Father Mother Sister Brother‘. This is another of the triptychs that the American director wrote and brought to the screen, in which three cinematic stories are linked together by various thematic and aesthetic elements – some more visible, others more subtle, requiring attention and sensitivity from the viewers. In the case of the film awarded the ‘Golden Lion in Venice this year, the theme is families and the relationships between children who have already reached adulthood and parents who are advancing in age and moving away from their children. It is not necessarily about unhappy families, each in its own way, as Tolstoy defined them, but about families in which parents and children, despite appearances and good intentions, are no longer together or perhaps have never been together.

In the first segment, Jeff and Emily visit their lonely father, who lives in a remote, mountainous area of ​​the United States. The father seems to lead a rather precarious existence, the son helps him, the daughter seems more indifferent, but small secrets and untruths seem to camouflage the father’s situation and distort the relationships between him and his children. In the second story, the heroine is the mother, a successful Irish writer who invites her daughters to tea and cookies once a year. The daughters are the ones who hide secrets here, but the mother seems to understand a lot behind the wall of little lies and silences. In the third story, which takes place in Paris, the parents are no more. The heroes are brother and sister, twins, who make a last visit to the apartment of their parents, a couple of expatriate Americans, who recently perished in a small plane crash. The empty space they left behind, a warehouse space full with things evacuated from the apartment and an envelope with documents (some fake!) and photographs are the testimonies of a life marked by secrets and unspoken things between parents and children.

The script, also written by Jarmusch, subtly describes the dramas behind the ordinary. Family relationships seem normative, but behind the conventions each character and especially the parents seem to hide a lot. To what extent do we know our parents? How do we deal with their aging, which is for all the prelude to our aging? The questions are asked, the answers remain to be given by each of the spectators. The stories are apparently simple, even banal, but the connections between them are subtle and form a scaffolding made of reused common elements: the heroes recite toasts without alcohol, an archaic English expression (‘and Bob’s your uncle’) is repeated by various characters, Tissot watches – perhaps authentic, perhaps fake – appear on the characters’ wrists and skateboarders traverse the roads and streets of America, Dublin or Paris. Behind the apparent banality hide the secrets and complexity of each of the characters. The formidable team of actors includes Tom Waits, Charlotte Rampling, Cate Blanchett (who seems to live a new reincarnation with each new role) and Adam Driver. I don’t know if ‘Father Mother Sister Brother‘ was really the best film that was screened at the Venice festival this year, but I am convinced that Jim Jarmusch deserves at least one such major award at one of the world’s great festivals. If this came here and now, good that it came.

Posted in movies | Tagged , , , , , , , , , , , | Leave a comment