Half a century after its making of ‘Le clan des siciliens‘ (English title – ‘The Sicilian Clan’ – a 1969 production) remains in my opinion one of the best mob films ever made. Of course, the casting of Jean Gabin, Lino Ventura and Alain Delon, ensured instant success in France and remains the main attraction as long as the names of the three big stars of the French screen will not be completely forgotten. However, the film has many more reasons for satisfaction for viewers even seen today, being very well written and being filmed in an alert and interesting way. Even outdated elements of technology (phones, airports, cars) are reasons for nostalgia and reflection on changes in our pace and lifestyle. It is probably the best film by director Henri Verneuil, who proves to be a fine professional here.
Three years before Coppola‘s ‘The Godfather‘, Verneuil‘s film introduces us to the world of the Sicilian criminal families spread around the world, with their rules of honor and family traditions combined naturally with murders, burglaries and illicit trades. I’m ready to bet on a VIP invitation to a movie premiere that Marlon Brando saw Jean Gabin as the head of the Sicilian-Parisian clan before playing the role of Don Vito Corleone. Lino Ventura plays here the role of the police commissioner who is on the good side of the law, a role different from those in many of his previous films. Alain Delon is the intruder, a violent and unscrupulous gangster devoid of any trace of respect for the lives of others, except perhaps that of his sister. Family values seem to be the only positive aspects in this world of crime. All the characters are excellently conceived psychologically and impeccably interpreted.
Paris is always the ideal place to film a thriller and the film does not lack car chases and spectacular escapes, as well as one of the most original stories of jewelry robbery. Lovers of technological comparisons will have fun finding out or remembering some of the modernities of the time that are now museum pieces, but in retrospect it can be said that the lives of criminals and policemen were at least as interesting then as now. Cinematography and alert editing are highlighted by the music composed by Ennio Morricone. Even those who have not seen the film have certainly heard the tune of the main musical theme. ‘Le clan des siciliens‘ proves to be, half a century after its making, excellent entertainment. It’s probably also the perfect gangster movie.
‘Gilda‘ was one of the great hits of the 1946 film year. It was screened at the first Cannes Film Festival and even had an atomic bomb named after it (or after it, to be exact). The director of the film was Charles (Karoly) Vidor, one of the Hungarian-born filmmakers who came to Hollywood in the first half of the 20th century and contributed immensely to the progress of the film industry and the formation of the taste of the American and international public. If we agree with the opinion that a film, like any other work of art, is a dialogue between the artistic object and its consumer, then even if the images and sound of ‘Gilda‘ have remained the same, the viewers are completely different, several generations after their grandparents or great-grandparents saw this movie. So what does the new ‘Gilda‘ tell us, the spectators of the year 2020?
The characters and the style of filming, belong to the film noir genre. As in the classic ‘Casablanca‘, the main characters are two men and a woman who meet in a luxurious place (an illegal casino in this case) far from the United States (Buenos Aires in this case). As in Michael Curtiz‘s film, the thriller plot (speculative and illegal tungsten trade during and after World War II) is of secondary importance. The screenwriters’ and the director’s attention is focused on the relationships of the love triangle formed by the charming crook Johnny Farrell (played by Glenn Ford), his friend and boss Ballin Mundson (played by George Macready) and his fascinating wife (played by the formidable Rita Hayworth), the woman who brings the history of a past affair with Johnny between the two men. The police intrigue is trivial and smells more of a pretext. On the other hand, the love and hate story between Gilda and Johnny has a strong and modern ambiguity.
Rita Hayworth is fascinating. Her magnetism, beauty and her dramatic and vocal qualities (although in some of the songs her voice is doubled by that of Anita Ellis) make so that not only the men in the movie but also the whole film revolves around her. This fascination has stood the test of time. Her character has consistency and is revealed to the viewer gradually, gaining empathy and justifying herself psychologically and morally. Glenn Ford matches her in a charming role, which remains a psychological mystery. Inserting off-screen voice does not help. What determines his attitude towards Gilda? Devotion to the boss-friend who saved his life, or maybe it’s an allusion to a homoerotic relationship at a time when the subject was still taboo in Hollywood? It is one of the timid darings of the film that was forced to abide by the Hollywood codes of 1946. And yet, I think that the audiences then understood at least as much as today, and here lies part of the secret of the house success of film at the time. Today, if a remake were made, it would probably be a violent film full of explicit eroticism. But it wouldn’t necessarily be a better movie.
Călătoriile spre Lună se află în aceste săptămâni în centrul atenției. Pare paradoxal, dacă ținem cont de faptul că întreaga planetă este confruntată cu pandemia produsă de virusul COVID-19, dar probabil că nu ar trebui să ne mirăm așa de mult. În primul rând, evenimentele spațiale la care suntem martori sunt activități planificate cu ani în urmă, în care s-au investit deja uriașe resurse materiale și multă inteligență umană. Apoi, așa cum am menționat și în articole precedente ale rubricii CHANGE.WORLD (cel mai recent săptămâna trecută), ultimul deceniu a fost martorul – cel puțin în Statele Unite – al unui proces de diversificare a surselor de tehnologie, proces care permite industriei private să participe în măsură din ce în ce mai mare în activitățile de explorare spațială. În final, tocmai agravarea problemelor pe care umanitatea le are de înfruntat pe Terra este argumentul cel mai bun că avem nevoie de un ‘Plan B’ care înseamnă căutarea unor adăposturi alternative pentru specia noastră. Nu este deloc prea devreme, și aceste activități nu ar trebui suspendate sau amânate. Reluarea călătoriilor spre Lună reprezintă doar prima fază a zborurilor spre alte sisteme stelare, în căutarea unor planete care să-i găzduiască in viitor pe urmașii noștri.
Imaginația umană nu este însă numai tehnică. Scriitorii și cineaștii au visat călătoriile în spațiu și ne-au purtat pe noi, cititori și spectatori de filme, spre Lună, spre alte planete și spre alte stele cu mult înainte ca rachetele adevărate să fi lansat primele misiuni de cercetare și pe primii astronauți. Romanul clasic care inaugurează genul literar este ‘De la Pământ la Lună, traseu direct în 97 de ore și 20 de minute’, publicat de Jules Vernes în 1865, urmat în 1869 de ‘Călătorie în jurul lunii’. Dipticul lui Jules Verne l-a inspirat pe H.G. Wells să publice, în 1901, romanul său ‘Primii oameni pe Lună’, care a fost sursa de inspirație a filmului lui Georges Melies ‘Călătorie spre Lună’ (‘Le voyage dans la lune’) din 1902. Era de fapt un ‘remake’, o a doua încercare a pionierului francez al artei cinematografice de a aborda tema călătoriei spre Lună. Prima, cu același nume, data din 1898, la mai puțin de trei ani de la primele proiecții cu imagini mișcătoare ale fraților Lumiere. Filmul lui Melies era deja o exuberanță fantastică în care pregătirile tehnice pentru construirea și lansarea cu ajutorul unui tun imens a vehiculului spațial erau completate de descrieri pline de imaginație ale creaturilor fantastice și pericolelor care îi așteptau pe îndrăzneții care s-ar aventura spre satelitul natural al Pământului. Astronomi, zei, regi și insecte uriașe se întâlnesc într-o dezlănțuire formidabilă care face din acest film creat în zorii cinematografiei un precursor al epopeelor spațiale de mai târziu.
Filmul clasic cel mai reprezentativ în istoria genului este însă fără îndoială ‘Femeia de pe Lună’ (‘Frau im Mond’), al maestrului școlii cinematografice expresioniste germane, Fritz Lang. Realizat în 1929, filmul lui Lang este o bornă cinematografică, fiind nu numai ultimul mare film de science-fiction al perioadei cinematografului mut, ci și ultimul film nevorbitor din creația lui Lang. Avea să-i urmeze, în 1931, ‘M’, considerat unul dintre vârfurile carierei sale, penultimul film înainte ca regizorul să părăsească Germania unde vor ajunge în 1933 la putere naziștii. Arta cinematografică evoluase enorm în cele trei decenii care despart filmele lui Georges Melies și Fritz Lang, progresând de la stadiul de curiozitate și experiment spre maturitate și divertisment popular. ‘Călătoria spre Lună’ dura 13 minute, în timp ce ‘Femeia de pe Lună’, la două ore și jumătate de proiecție, are o durată astăzi considerată standard doar pentru filmele monumentale ale marilor studiouri. Am revăzut recent versiunea renovată în anul 2000 și experiența cinematografică a fost cât se poate de proaspătă și de consistentă.
‘Femeia de pe Lună’ are și o legătură românească, sau dacă vreți ardelenească. Reîntâlnim pe genericul filmului un nume despre care am discutat cu câteva săptămâni în urmă, într-un articol al rubricii noastre. Este vorba despre controversatul Hermann Oberth, savantul sas de origine română, născut la Sibiu în 1894, considerat ca unul dintre părinții fondatori ai științelor rachetelor și a astronauticii, al cărui nume în istorie este însă întinat de simpatiile naziste și de participarea sa în timpul celui de-al doilea război mondial în programul de construire al rachetelor V-2 care erau lansate spre Anglia și în special Londra de la Peenemunde. După război, a fost recrutat, împreună cu alți savanți care lucraseră pentru Germania nazistă, dintre care cel mai cunoscut a fost Werner von Braun, în programele de rachete și explorări spațiale americane. Pe genericul filmului, numele său este menționat împreună cu cel al orașului Mediaș, unde în anii aceea era profesor la liceul Stephan Ludwig Roth. Contribuția lui Oberth este vizibilă în detaliile care anticipează cu precizie în acest film realizat în 1929 principiile care au stat la baza expedițiilor spre Lună din cadrul programului Apollo în anii ’60 și ’70 ai secolului trecut și mai sunt valabile și astăzi. Lansarea rachetei pe o rampă exterioară hangarului unde a fost asamblată, loc spre care este transportată pe două trenuri care circulă pe șine uriașe, este exact procedeul folosit de NASA la Cape Canaveral. Bazinul de apă pentru răcire și stabilizare de sub rampa de lansare poate fi văzut și astăzi la lansări. Racheta cu trepte multiple este similară celor folosite din anii ’60 încoace, pentru a învinge gravitația terestră și a trimite obiecte în spațiu. Traiectoria dublu eliptică înconjurând Luna și accesând partea sa invizibilă este cea folosită de misiunile Apollo, începând cu Apollo-8. În fapt, detaliile tehnice erau așa de apropiate de realitățile tehnologiei avansate a timpului, încât Germania nazistă a interzis filmul între 1933 și 1945 nu numai din cauza simpatiilor democratice ale lui Lang cât, mai ales, datorită similitudinilor dintre ceea ce poate fi văzut în film și programul secret V-2. De altfel, Oberth chiar plănuia să construiască o rachetă adevărată pentru lansarea din film, dar restricțiile de buget (Fritz Lang și-a produs filmul pe propriile spețe, închiriind facilitățile studiourilor UFA) l-au determinat să se mulțumească cu machete.
Din punctul de vedere al cinematografiei, putem împărți ‘Frau im Mond’ în trei părți. Prima aparține expresionismului german, cu excentricul profesor Manfeldt expunând tânărului antreprenor Wolf Helius rezultatele cercetărilor sale legate de călătoria pe Lună, existența atmosferei respirabile pe partea invizibilă și zăcămintele de aur care îi vor recompensa pe îndrăzneții care vor reuși să ajungă acolo. Partea a doua este o intrigă de spionaj industrial care se petrece în mediul Berlinului contemporan epocii, într-un decor modernist, după criteriile vremii. Urmează lansarea pe care am menționat-o, călătoria în spațiu și aselenizarea. Peisajul lunar creat de Fritz Lang este destul de bine imaginat, cu 40 de ani înainte ca primii astronauți să ajungă pe Lună și să transmită de acolo imagini în direct. Efectele supra-accelerației la decolare și ale imponderabilității în timpul călătoriei sunt descrise corect. Desigur, nu toate detaliile sunt realiste sau credibile din perspectiva experienței acumulate în timpul programelor de explorare spațială. Nu a fost descoperită niciun fel de atmosferă pe Lună și supraviețuirea fără echipamentele de protecție este imposibilă. Forța gravitațională este doar o treime pe Lună din cea de pe Terra. Viziunea globală este însă suficient de corectă și imaginația creatoare a lui Lang deschide drumuri care au fost urmate de alți cineaști ca Stanley Kubrick și George Lucas.
În paralel cu elementele de anticipație, filmul are o intrigă politică și relatează și o frumoasă poveste de dragoste. Inventivitatea inginerilor și curajul exploratorilor sunt confruntate cu scopurile mercantile ale unei bande de capitaliști, care doresc să pună mâna pe zăcămintele de aur de pe Lună. Desigur, aceasta este o reflectare a polarizării între extremele politice ale Republicii de la Weimar (personajul negativ principal are o șuviță de păr a la Hitler), dar astăzi, când antreprenori și investitori privați sunt din ce în ce mai implicați în explorarea spațiului, nu avem de-a face cu o variantă a acestui gen de conflicte? Cercetarea spațială de astăzi este diversă și are și o componentă strategică, însă este nevoie și de o fundamentare economică pentru a-i amplifica atractivitatea. Povestea de dragoste din film se sfârșește cu un happy-end, dar cu unul destul de ciudat. Cei doi îndrăgostiți se regăsesc împreună, singuri, pe Lună. Rivalul curajosului Wolf Helius se întoarce spre Terra, planeta cu problemele și conflictele ei. Îndrăgostiții vor trăi poate împreună până la adânci bătrâneți și au la îndemână și toate comorile pe care și le pot dori. Sunt ei însă condamnați și la singurătate? Sau poate sunt Adam și Eva ai unei noi reîncarnări a omenirii? Merită să vedeți filmul pentru a încerca să răspundeți acestor întrebări.
(Articolul a apărut iniţial in revista culturală ‘Literatura de Azi’ – http://literaturadeazi.ro/)
Anne Fontaine‘s film ‘Coco avant Chanel‘ (the English title is ‘Coco Before Chanel‘) has three serious reasons to be a movie that I like. Their names are Audrey Tautou, Benoît Poelvoorde and Emmanuelle Devos. Two actresses and an actor who, from my point of view, can’t go wrong on screen and who turn every movie they act in into a delight. Here, too, the three did not disappoint me, but still, this story of the becoming the famous fashion designer Coco Chanel from childhood in an orphanage to the launch of her fabulous career was not up to my expectations. It is a very well made and aesthetically beautiful film, it has some interesting ideas, but it lacks something essential: emotion.
The story follows quite faithfully the rules of the biopic genre. For Gabrielle Chanel (the future Coco – Audrey Tautou), abandoned as a child together with her sister in an orphanage, there were not many alternatives to getting out of poverty at the end of the 19th century. The social comment on women’s status is critical and acute, and we know it well from the novels of Emile Zola and other writers of the time. To overcome her status as a worker in a tailor’s shop, Gabrielle will become the mistress of a wealthy horse owner, Etienne Balsan (played by Benoît Poelvoorde), dreaming of becoming a cabaret actress or a singer. Meanwhile, in order to supplement her income, she begins to create hats and especially to look critically at the exuberant but extremely impractical and uncomfortable dresses of the women in high society. The story advances describing in parallel the sentimental life of the heroine involved in a love triangle with Balsan and Boy Capel, a rich Englishman (played by Alessandro Nivola) and the transformation of her side occupation from a simple craft into a creative activity with a personal vision that was to turn tailoring into art and would influence the lives of 20th century women. When the love story ends, the formidable career of Coco Chanel will begin.
Audrey Tautou‘s role in ‘Amélie‘ was so memorable that it is almost inevitable that anything she did afterwards will be compared to that role. Her character in ‘Coco avant Chanel‘ is very different from Amelie. Gabrielle faces social barriers in both her private and professional life, defeating them not by means of kindness but with determination, being endowed with the inner strength of the lonely individuals hit early in life, which will allow her to overcome tragedies and break through to success. This kind of people or characters do not externalize, you have to look deep into their eyes to read their feelings. Benoît Poelvoorde is excellent in the role of Balzan, the wealthy and decadent bourgeois, with a deep superficiality. Emmanuelle Devos appears in a supporting role that she undertakes brilliantly, playing the character of the actress who begins by being the idol of Gabrielle / Coco, then becoming her social mentor, encouraging her talent and gaining her friendship (or maybe more than that). Director Anne Fontaine was very attentive to details and the film looks good and authentic. But the passion is missing, too often the characters behave predictably, they fail to put enough life behind the stereotypes. ‘Coco avant Chanel‘ is not a bad film, but it is positioned too close to the docu-drama and too far from an original artistic vision, which is exactly what characterized the art of Coco Chanel.
Movie about movie making are a cinematic genre that has produced many remarkable creations over time. Filmmakers like to make films about their profession. Many of them are tributes to the great creators of the past, rarer are films that critically address the film-making profession and bring into debate crisis situations or social and professional issues related to the film industry. ‘Irma Vep‘ made in 1996 by Olivier Assayas belongs rather to the second category. This film critically addresses the situation of the French film industry at the end of the last century, the connection with the French New Wave tradition, and its place in a world where commercial cinema and violent international productions were already becoming dominant. ‘Irma Vep‘ was made 35 years after the revolutionary impact of the New French Wave. Another 24 years have passed since then. From the perspective of watching or re-watching it in 2020, the film seems just as fresh and clear in its messages, which are confirmed by the perspective of the time that has passed since its making.
The year is 1996 and the generation of the New Wave was going through the mid-age crisis. Many of its famous directors were beyond the peak of their creativity, their innovations had long since ceased to be surprises, and viewers had left their films attracted by Hollywood productions or violent international co-productions. This is also the case of Rene Vidal (played by Jean-Pierre Léaud) who, perhaps in the absence of original scripts, accepts the proposal to direct a remake of Louis Feuillade‘s vampire films (‘Irma Vep’ is an anagram of the word ‘vampire ‘) and cast in the lead role (a kind of parody of Catwoman) Maggie Cheung he had seen in a martial arts film (actually he had rather seen the stunt that doubled her). The film follows a few days of filming in which the Hong Kong actress faces the culture and mentality shock created by the differences between what she knows about French cinema and reality, and the chaotic way the local team works.
‘Irma Vep‘ is a film about how movies are made and about people who make movies. Maggie Cheung plays her own self, as an actress who uses the method of entering the role, even wearing at night at her hotel the latex costume of her character from the movie and emulating the thefts of the heroine of the adventure movies. In her interactions with the French colleagues many details are lost in translation, but the incipient lesbian idyll with the props girl Zoe (played by Nathalie Richard) gives both actresses the occasion of making sensitive creations and scenes of confusing delicacy. Olivier Assayas matches the cinematography style to the film director in the film, until his hero abandons filming (personal crisis?, drugs? both likely), and then the shoulder-held mobile camera is replaced by fixed frames that his replacement, a more conservative director (played by Lou Castel) prefers. There are a few more memorable scenes including an ending that I will just describe as great and that I recommend you watching along with the whole movie. ‘Irma Vep‘ is a love story and a critical vision of French cinema. We criticize what we love, because we care.
‘La fleur du mal‘ (English title ‘The Flower of Evil‘) made in 2003 by Claude Chabrol opens with a fairly long frame in which the camera takes us from the ground floor to the second floor of a bourgeois villa to stop on a corpse, which we guess is probably the result of a violent death. I don’t think Alfred Hitchcock, the master of suspense that Chabrol so much admired and whom he emulated in the last decades of his career, would have refused to put his signature on this scene. Whose body is it? How did the death happen? These are the questions that ‘La fleur du mal‘ will answer. However, this is not a simple police intrigue, because Chabrol, respecting many of the rules of the genre, is more interested in the social landscape – the wealthy French bourgeoisie with smoldering violence and secrets buried behind good manners and a refined lifestyle.
Most of the film’s characters belong to three generations of a well-doing family, with properties, liberal professions, lucrative businesses and political ambitions. When one of the ladies of the family is running for the position of municipal councilor with good chances to become mayor, an anonymous opponent distributes a printed manifesto (today they would do it on social networks) in which shocking details about the family are reveiled. Behind the good manners, fine dining, and the aesthetics of the objects they surround themselves with, the family seems to have a past and a present haunted by marital infidelity, fathers betraying their sons and sons hating their fathers, incest, and suspicious accidental deaths, possible crimes. The problem is that almost everything that is written in that manifesto is also true. Vice and corruption are passed down from generation to generation. Luis Buñuel described in his famous 1972 film ‘The Discreet Charm of the Bourgeoisie‘, for this film by Claude Chabrol an alternative title could be ‘The Discreet Horror of the Bourgeoisie’.
https://www.youtube.com/watch?v=psF2KGGvcaA
The film is made with care and impeccable cinematic technique. The acting is perfect and Nathalie Baye‘s fans have the opportunity to see her in a consistent mature role. It is one of the late films by Claude Chabrol, and the director of the New Wave period can be found perhaps in the way he treats the love story of the young generation heroes and in the music emphasizing and amplifying the feeling of tension that accumulates. The cinematography is cold, with a lot of attention paid to details. The ending is open to debate by the audiences, but the film’s heroes don’t seem to have much hesitation or scruples. The party goes on.
The life of a cinephile holds surprises and sometimes these surprises are very pleasant. This is the case with the discovery of a film made in 1969 – ‘La fiancée du pirate‘ (in English it was distributed under the title ‘A Very Curious Girl‘) -, made by a very interesting director (Nelly Kaplan) about whom I knew nothing before, and with a remarkable actress (Bernadette Lafont) once considered considered “the face of French New Wave” about whom I should surely have known more in the lead role. These are completely or almost completely forgotten names, an undeserved forgetfulness in my opinion. ‘La fiancée du pirate‘ is a film that should be taken out of the archives and re-released for today’s audiences because it deserves to be seen, known and discussed by film lovers, now, 50 years after its first launching.
After seeing the film, which was a revelation for me, I looked for information about the director. Nelly Kaplan is a writer of fiction and film books, and began her career as an assistant to Abel Gance in the 1950s. A few ‘art’ short films followed in the 1960s. ‘La fiancée du pirate‘ was her first feature film, after which she directed several more films, but none seems to approach its level. A unique career peak? Why? Has she been categorized as a ‘daring’ filmmaker close to soft-porn? ‘La fiancée du pirate‘ has a dose of nudity and eroticism that today seems ‘standard’ but even in 1969, at least in French cinema, I don’t think it was a very shocking film. However, her career as a ‘serious’ writer seems to have overshadowed that of a director. What a pity.
https://www.youtube.com/watch?v=s36p63HQbhs
The story of the film takes place in a French village on the edge of which the main heroine, Marie, lives in a hut, performing the derisive work of a maid, being economically and sexually exploited by many locals, men and women. The shock of her mother’s death and the visit of a friend, an itinerant film projectionist (the excellent Michel Constantin), determine her to decide that it was time for her life to take a turn. She will start charging for sexual services and will take revenge on those who exploited her until then. From the maid without rights she becomes the number one attraction of the gathering of villains who had taken advantage of her until then and the enemy number one of the hypocrites and of the jealous wives. The film can be seen as a social farce, in which a heroine, who reminded me of the unforgettable Giulietta Masina from ‘Nights of Cabiria‘, refuses to continue to be a victim and faces the ridiculousness of evil, taking advantage of the vices and weaknesses of the people populating a world that predicts that of Emir Kusturica‘s films. The lead role is played by Bernadette Lafont, an actress with a rich filmography, an exceptional physique and a talent to match. I also wonder about her, why is she all but forgotten by now? We can see a few more well-known figures from other French films, in a colorful gallery of excellently drawn supporting roles. Georges Moustaki‘s music and Barbara‘s voice are additional reasons to enjoy. The film can now be seen in full on youTube and I recommend you watch it, because director Nelly Kaplan and actress Bernadette Lafont are two artists who do not deserve to be forgotten.
Povestea relatată în filmul american ‘October Sky’ regizat de Joe Johnston începe în noaptea de 4 octombrie 1957. A fost o noapte senină pentru o bună parte din America, inclusiv pentru localitatea Coalwood din statul West Virginia, unde trăia familia lui Homer Hickam, pe atunci un adolescent de 14 ani. Ochii tuturor se îndreptau în acea noapte spre stele, deoarece buletinele de știri anunțaseră cu câteva ore înainte o veste incredibilă pentru majoritatea americanilor. Uniunea Sovietică, supraputerea rivală Statelor Unite din acea perioadă a războiului rece, reușise incredibila performanță de a lansa pentru prima dată în istoria omenirii un obiect în spațiu – satelitul Sputnik.
Merită să acordăm puțină atenție contextului istoric. Rivalitatea dintre SUA și URSS era una ideologică, economică și militară. Avea loc o cursă a înarmărilor acerbă care includea proiectarea și fabricarea de bombe atomice, rachete balistice și a unei incredibile cantități de arme convenționale. Ambele blocuri construiau buncăre și făceau exerciții civile pentru cazurile de bombardamente atomice. Cursa pentru explorarea spațială trebuie privită nu numai ca o aventură științifică în scopul lărgirii domeniului cunoașterii umane, ci și ca un posibil nou câmp de luptă între rivalii de pe Pământ. Lucrurile nu s-au schimbat de altfel prea mult în cei peste 60 de ani de istorie spațială – o parte dintre misiunile de explorare a cosmosului de azi au și aspecte militare, și strategice, din care probabil că doar o mică parte sunt făcute publice. Putem vedea în film cum locuitorii din Coalwood, West Virginia, după ce reușesc să vadă luminița Sputnik-ului plimbându-se printre stele, se întreabă dacă este posibil să fie bombardați de acolo, de sus. Cursa dintre cele două blocuri politice, în care Uniunea Sovietică părea că luase în acele zile un avans semnificativ, avea să continue până la sfârșitul anilor 60, când programul Apollo urma să ducă primii astronauți americani, primii reprezentanți ai omenirii, pe Lună. Dar și acea fază, câștigată de data aceasta de Statele Unite, avea să fie doar o etapă. Aventura omenirii în spațiul extraterestru se află doar la început, și ea continuă astăzi într-o combinație de colaborare și competiție care devine din ce in ce mai interesantă.
Homer Hickam, adolescentul din film, este un personaj real, și filmul se bazează pe cartea sa de memorii. La prima vedere era vorba despre un adolescent obișnuit, puțin zăpăcit, stângaci în relațiile cu fetele, cu note nu prea strălucite în disciplinele științifice, dar care era motivat de visul zborului spre stele. Desprinderea de pământ era pentru el nu numai o ambiție științifică, dar și o metaforă socială. Băiatul provenea dintr-o familie de mineri și destinul său ‘normativ’ ar fi fost să urmeze cariera tatălui, șef de șantier în mina de cărbuni, care reprezenta motorul economic al orășelului. În loc să-și îmbunătățească performanțele la fotbal american sau să se ocupe mai serios de fete, el construia împreună cu prietenii săi rachete, având ca singur sprijin încurajarea lui Miss Riley, o profesoară pasionată de științe. Filmul are tente de melodramă, dar este bine făcut și excelent jucat, oferindu-i în 1999, la numai 19 ani, lui Jake Gyllenhaal, un actor care mie îmi place enorm, unul dintre primele roluri ale unei cariere strălucite, și aducând-o pe ecran în rolul lui Miss Riley pe Laura Denn, una dintre actrițele preferate ale regizorului David Lynch. Este și filmul relației complicate între un tată (Chris Cooper, alt rol excelent) și fiul său, dar este in primul rând filmul unui vis – visul unui adolescent de a lua parte la aventura spațială.
Homer Hickam cel din realitate avea să-și vadă visul împlinit, și viața sa de atunci până astăzi poate fi subiectul altor filme. După medalia obținută la concursul Național Science Fair, au urmat studii de inginerie la prestigioasa Virginia Tech, iar apoi șase ani de serviciu militar activ în Vietnam, între 1964 și 1970. Și-a continuat cariera ca inginer în armată, și în 1981 a ajuns la NASA, participând la proiectarea de vehicule spațiale în cadrul programelor navetelor spațiale americane, a stației spațiale internaționale și a telescopului Hubble, și la pregătirea astronauților americani și japonezi pentru misiunile spațiale. În paralel, a început o carieră literară de succes, scriindu-și memoriile, continuând cu monografii ale orașului natal Coalwood, romane de ficțiune istorică și de science-fiction. Unul dintre romanele sale se numește ‘Back to the Moon’ (‘Înapoi spre Lună’) și titlul este semnificativ pentru visul său și al generațiilor actuale de cercetători americani în domeniul explorării spațiale. În Februarie 2018, Hickam a fost invitat să facă parte din echipa de consilieri a Consiliului Spațial American, agenție reînființată de președintele Trump pentru a propune strategia revenirii Statelor Unite în poziția de lider mondial în explorarea spațială. Desigur, o parte dintre aceste programe au fost afectate sub o formă sau alta de pandemia COVID-19. Unele dintre ele, cum ar fi lansarea sondelor spațiale spre Jupiter și Neptun sau a noului telescop spațial, au fost amânate și vor fi reprogramate. Prioritatea finanțării acestor programe în economia post-Corona este incertă.
Din fericire, industria explorării spațiale a devenit mult mai complexă și mai diversificată în ultimul deceniu, și cel puțin în America o mare parte din inițiativă nu se mai află sub control guvernamental și finanțarea nu se mai face din bugetul federal, ca în anii ’60. Intrarea în ‘coopetiție’ (cooperare și competiție, sau cooperare competitivă, dacă vreți) a unor companii, cum sunt SpaceX a lui Elon Musk, Blue Origine finanțată de întemeietorul și proprietarul firmei Amazon Jeff Bezos, Boeing sau Virgin Galactic, face ca o parte din componentele viitoarelor programe spațiale americane să fie sub-contractate acestor firme particulare. Evenimentul spațial principal al primei jumătăți a lui 2020, care cel puțin până în momentul când scriu acest articol se pare că va avea loc conform planurilor, este lansarea prevăzută pentru 27 mai de către SpaceX în cooperare cu NASA a primilor astronauți americani de pe teritoriul Statelor Unite și cu tehnologie de rachete americană după o pauză de mai bine de un deceniu. Este vorba despre Doug Hurley and Bob Behnken, astronauți veterani, care vor folosi vehiculul spațial Crew Dragon al lui SpaceX, pentru a ajunge la Stația Spațială Internațională. Lansarea va avea loc de la aceeași rampă de la Cape Canaveral de unde în 1969 a fost lansată misiunea Apollo 11 care a transportat primii astronauți americani pe Lună. Va fi prima lansare a unor astronauți de către o firmă privată, din istorie. Companiile participante în programele spațiale au participat de asemenea, în paralel, și la eforturile de combatere a pandemiei COVID-19. NASA însăși a proiectat în laboratoarele sale din Pasadena un model de aparat respirator sub presiune numit VITAL, al cărui prototip a fost omologat de agenția Food and Drug Administration (FDA), pentru folosință în spitalele de campanie din zonele puternic afectate de pandemie. SpaceX a lui Elon Musk a proiectat și pus în fabricație dispozitive similare, folosind tehnologie de printare 3D a materialelor din fibre de carbon folosite pe liniile de producție ale automobilelor Tesla. Tehnologia 3D este utilizată și de Blue Origin, pentru fabricarea în cantități industriale a măștilor de protecție. Trecerea de la cercetarea spațială la aplicații civile și refolosirea tehnologiilor în scopuri terestre este o tradiție veche de jumătate de secol, din vremea programelor Apollo. Acum, în condițiile de urgență impuse de pandemie, aceste procese au loc într-un ritm accelerat.
Încotro? Scopul explorării spațiale este de a salva Pământul și de a asigura supraviețuirea speciei umane. Colonizarea spațiului nu este un lux, ci o necesitate, dar pentru asta trebuie găsite planete cu condiții de climă și atmosferice propice vieții, cu alte cuvinte planete asemănătoare Pământului. Luna și Marte, aflate în planurile de explorare spațială ale viitoarelor decenii, sunt doar stații intermediare. Ultimele săptămâni au adus știri încurajatoare despre rezultatele căutărilor de planete surori ale Terrei. Cercetătorii de la Universitatea din Canterbury au anunțat descoperirea în centrul galaxiei noastre a unei planete care, deși mai grea decât Pământul nostru, este unul dintre puținele corpuri planetare care sunt similare Terrei, în ceea ce privește dimensiunea și orbita. Steaua planetei are aproximativ 1/10 din masa Soarelui nostru. Masa planetei în sine este aproape jumătate din masa Pământului și a Neptunului combinate, potrivit cercetătorilor. Distanța dintre planetă și steaua sa este aproximativ egală cu distanța dintre Soarele nostru și un punct aflat între Venus și Pământ, iar perioada de revoluție (lungimea anului) este de 617 zile. Cu cât mai multe asemenea corpuri cerești vor fi găsite în viitor, cu atât mai multe ținte posibile vor exista pentru expansiunea în cosmos a omenirii. În pofida Coronei, cerul de mai oferă promisiunile sale celor care privesc spre el, la fel ca și cerul lui octombrie de acum 63 de ani.
(Articolul a apărut iniţial in revista culturală ‘Literatura de Azi’ – http://literaturadeazi.ro/)
‘… această carte nu este doar o biografie. Este un roman-document care se bazează pe viaţa reală a familiei mele şi pe vremurile cu adevărat turbulente în care aceasta a trăit şi care au fost, pe nedrept, alungate în uitare. ‘ (pag. 270)
Acestea sunt cuvintele care încheie cartea lui Miriam Wax-Yahil ‘Capitolul lipsă’ apărută în colecția Corint-fiction a editurii Corint, în acest an 2020, an ciudat din punct de vedere editorial și din multe alte puncte de vedere. Pandemiile care au lovit lumea au amânat apariția ediției tipărite și a lansărilor pe care această carte le merită și care sper că vor mai avea loc nu peste multă vreme. Până atunci ediția electronică a cărții este deja disponibilă și poate fi comandată pe net. Traducerea ii aparține lui Dragoș Zetu, bazată pe ediția engleză a cărții scrise în original în limba ebraică – traducere foarte frumoasă de altfel, într-o română literară cursivă, cu foarte puține și minore erori.
Am asistat la lansarea primei ediții a cărții în Israel în decembrie 2017, la Muzeul Diasporei din Tel Aviv, într-o sală aproape plină din campusul Universității celui mai mare oraș israelian. Autoarea este o figură cunoscută în lumea teatrală și culturală israeliană, doctor în dramă de la Universitatea Stanford, dramaturg și autoare de proză și poezie, lector universitar, regizor și director de repertoriu a câtorva dintre cele mai prestigioase teatre din Israel. Cartea aceasta este însă o carte cu totul specială, din multe puncte de vedere. În primul rând este o carte autobiografică, în care personajele principale sunt părinții, bunicii, unchii și verii autoarei, o familie evreiască destul de numeroasă cu un destin zbuciumat în România interbelică și cea din vremea celui de-al doilea război mondial. Este și o carte foarte personală, o carte de dragoste și de dor, de căutare și de reconstituire a portretului și biografiei unui om pe care nu l-a cunoscut niciodată – tatăl ei care a murit la câteva zile după ce ea se născuse, în 1946. Este însă și o carte documentară de o excepțională valoare și voi argumenta imediat de ce.
La lansarea cărții în Israel au participat câteva dintre personalitățile marcante ale comunității evreilor originari din România. Între ei se aflau profesorul Raphael Vago (născut la Cluj tot în 1946), specialist în istoria estului Europei și Miha Harish, unul dintre puținii originari din România care și-a făcut loc în rândul politicienilor importanți ai Israelului. Toată prezentarea și discuțiile se purtau în ebraică. Ascultăndu-i mi-am dat seama imediat că pentru majoritatea publicului din sală, israelieni născuți în Israel sau veniți din toate colțurile lumii, istoria evreilor din România, a doua comunitate evreiască din punct de vedere numeric în Europa interbelică, era practic necunoscută. Acum, citind versiunea românească a ‘Capitolului lipsă’, mi-am dat seama că lipsa de informații funcționează în ambele direcții. Miriam Yahil-Wax cred că greșește în fraza cu care încheie cartea: vremurile la care se referă nu au fost uitate, desigur nu în România unde despre perioada interbelică și cea a celui de-al doilea război mondial s-a scris enorm, istorie și ficțiune, în ultimii 30 de ani. Ceea ce lipsește însă în România este informația detaliată despre viața evreiască și în special a acelei categorii de evrei care s-au activizat politic în perioada interbelică. Mai rău, există în acest domeniu multe legende urbane și dezinformație. Titlul cărții ‘Capitolul lipsa’ se referă la o perioada specifică a biografiei părinților ei și la imensa lacună lăsată în viața ei de absența tatălui. La fel de bine însă cartea s-ar putea intitula și ‘Capitolele lipsă’ căci ea vine să umple goluri de informație, diferite pentru fiecare categorie de cititori, din istoria României și a comunității evreiești care a trăit aici. Din acest motiv cred că romanul documentar scris de Miriam Yahil-Wax va fi interesant și relevant pentru publicul românesc în aceeași măsură în care este este pentru cel israelian.
Cartea poate fi citită și interpretată pe mai multe nivele. Scriitoarea, pe care în carte o cunoaștem ca Viola, născută în România în 1946 și sosită în alia (emigrare în Israel) împreună cu mama sa în 1949 sau 1950, întreprinde de-a lungul anilor o anchetă biografică cu scopul de a reconstitui imaginea și personalitatea tatălui ei absent, Moni Weinstein. Pune întrebări mamei, surorilor acesteia, familiei mai îndepărtate, caută documente și fotografii, descoperă jurnale. Notele căutării sale învăluiesc capitolele în care încetul cu încetul, imaginea tatălui și a mamei sale, povestea lor de dragoste începută în Iași în 1927, capătă contur și culoare. Nu este vorba despre un puzzle complet reconstituit, anumite piese lipsesc sau sunt roase de vreme.
‘Mulțimea detaliilor în aparență lipsite de importanță care s‐au tot adunat timp de ani buni în memoria mea reticentă, refuzând să se estompeze, să dispară, ecourile nedorite, sâcâitoare, rătăcite, neglijate, orfane, par să erupă acum din adâncurile minții mele și își fac loc spre lumină, se întâlnesc cu dovezile reale și se eliberează în pagina albă, se unesc unele cu altele pe tastatură în anumite scene, descrieri ample, grăbite să umple capitolele din viața lui Moni care se revarsă din mine, Moni cel care era mereu întreg, chic, iubitor, și care acum nu mai există. Deși sunt copleșită de acest asalt, deși îmi dau seama că numai moartea lui trăiește în mine, nu pot să nu încerc să îl învii pe pagina goală, așa cum ar fi putut el fi, așa cum ar fi trebuit să fie, așa cum vreau eu să fi fost, pentru ca eu să fiu în stare, de ce nu, să îl iubesc…’ (pag. 61)
Legătura care se înfiripă la Iași între tinerii Moni și Schery este descrisă cu sensibilitate și respect pentru cei care i-au fost părinți. Pare să fi fost dragoste la prima vedere, deși sunt firi diferite: Moni Weinstein este un bărbat șarmant, cult, iubitor și intepret de muzică, sensibil la cele care se petrec în jurul său. Schery Ringler este cea mai mare dintre trei surori, cea care poartă în mare măsură responsabilitatea întreținerii familiei, care își abandonează studiile pentru ca sora ei mai mijlocie să poată continuă să învețe, și cea care îl aduce uneori la realitate pe Moni. În jurul lor o lume în zbucium într-o Românie întregită dar nu și stabilizată, în care minoritățile naționale și în special evreii sunt de multe ori țapii ispășitori ai problemelor politice și ai crizelor economice. Familiile Weinstein și Ringler sunt și ele marcate de scindările familiilor evreiești europene din prima jumătate a secolului 20, cu toate nuanțele diferențelor de opinii și poziții față de tradiție, de la religiozitate ortodoxă, trecând prin toleranță și liberalism relaxat până la ateism și încercarea de a nega apartenența religioasă și de a ignora propria origine etnică. Societatea românească a anilor ’20 și ’30 ai secolului trecut nu permite însă ignorarea și nu acceptă asimilarea.
‘… fratele ei cel inteligent devenise un student nemaipomenit şi câştigase o bursă care, în momentul în care se dusese să o încaseze, îi fusese refuzată. „Îmi pare rău, domnule Weinstein, bursele sunt numai pentru români, nu şi pentru străini!” Furioasă, Lina îl imită pe decan şi politeţea lui falsă. „Străin? Moni? Era un cetăţean bona fide! Faptul că familia noastră avea cetăţenie nu a fost niciodată pus la îndoială, dragă Viola, niciodată! Toată familia Weinstein era născută în România încă dinainte ca ţara să se cheme «România»! Bunicul nostru patern, Savian, a fost voluntar în Războiul de Independenţă! Tatăl nostru, Leon, a luptat în cavaleria română în timpul Primului Război Mondial! Moni nu era străin!” ‘ (pag. 18)
Populația evreiască își câștigase drepturi cetățenești depline doar cu prilejul adoptării Constituției din 1923, dar în multe zone ale României și în special în Iași (unde cam o treime din populație era de origine evreiască) se aplicau politici discriminatorii între care limitarea numărului evreilor în universități. Faptul că familia Weinstein primise cetățenie imediat după Războiul de Independența din 1877 datorită contribuției bunicului, că tatăl său luptase în armata română în timpul primului război mondial nu contau. În cele din urmă Moni își va termina studiile la Iași, dar este și momentul în care este atras în mișcarea de rezistență anti-naționalistă și anti-fascistă, și apoi în mișcarea politică de stânga, sub influență lui Marcel Pauker, militantul comunist și soțul Anei Pauker (executat de Stalin perioada epurărilor și proceselor din URSS din anii 1936-1938). Vor urma câțiva ani de despărțire, căci Moni pleacă la București, devine din ce în ce mai implicat în politică, participă la mitologica grevă a ceferiștilor din 1933, este arestat, torturat și întemnițat împreună cu alți militanți comuniști. Cei doi se vor regăsi după câțiva ani, se vor căsători si vor trăi în București până în 1940.
Agravarea situației politice din România este treptată. Persecuțiile și discriminările antisemite cu caracter cultural și economic se agravează după 1937, când libertățile politice sunt treptat anulate și încep să fie promulgate legi rasiale, după modelul celor din Germania nazistă:
‘Mama mea şi-a pierdut slujba. Licenţa pentru vânzarea tutunului, acordată în mod tradiţional evreilor, a fost anulată. Prăvălia în care lucra a fost una din cele şapte sute şaizeci şi şase de tutungerii deţinute de evrei care au fost închise. A început să vândă ţigări noaptea. Mi-a spus asta fără să menţioneze persecuţiile politice care au dus la această situaţie. Mi-am imaginat-o ca pe un personaj dintr-un film de Chaplin, ducând de colo-colo, într-o cafenea slab luminată, o tavă cu ţigări legată de gât cu o curea ţesută la războiul său de către Moni. În realitate, munca asta era nu doar ilegală, ci şi periculoasă. Cafenelele din Bucureşti erau pline de comisari de poliţie care ar fi putut-o identifica drept evreică şi ar fi putu s-o aresteze. Alte licenţe care li se acordau în mod tradiţional evreilor, cum ar fi cea pentru comerţul cu alcool, au fost şi ele anulate. Toate organizaţiile au fost obligate să înainteze liste cu angajaţii „venetici”, accesul negustorilor evrei în pieţe a fost interzis, evreii fiind excluşi şi din anumite domenii, printre care medicina, arhitectura, filmul, teatrul, jurnalismul. Gina şi părinţii ei au fost deportaţi. Erau printre cei o mie o sută de nou-veniţi în România pe care prim-ministrul Goga i-a catalogat drept „evrei sălbatici ale căror feţe sunt largi şi turtite” şi care au devenit victime ale „re-examinării” cetăţeniei. Într-un interviu din Paris Soir, el a sugerat că ar putea să îi trimită „pe o insulă de unde să nu poată fugi… iar vase de război ale tuturor ţărilor să încercuiască această insulă… de pildă, în Madagascar.” În fapt, toţi cei şapte sute cinci zeci de mii de evrei din România erau ameninţaţi.’ (pag. 120-121)
Pentru cititorii români peisajul Bucureștilor acelui deceniu este bine cunoscut, din relatări istorice și din literatură. Și totuși, este vorba despre o perspectiva diferită de cea din proza românească descriind perioada interbelică și chiar de cea din romanele sau amintirile lui Mihail Sebastian sau din proza lui Isac Pelz, pentru a menționa doi dintre scriitorii evrei care și-au lăsat amprenta în caleidoscopul literar al Capitalei. Lumea pe care o cunoaște Moni și căreia i se va alătură după câțiva ani Schery este populată de figuri cunoscute din cercul intelectual al lui Nae Ionescu (care se va orienta peste câțiva ani spre extrema dreaptă devenind ideologul legionarilor) cu Eugen Ionesco (în a cărui apartament cei doi tineri vor locui câțiva ani după plecarea acestuia la Paris), Mircea Eliade, Mihail Sebastian, dar și militanți comuniști cum erau soții Ana și Marcel Pauker și chiar și proletarul Dej, viitorul dictator din anii ’50 și ’60. Perspectiva aceasta este mai puțin cunoscută cititorilor români. Istoria PCR a fost subiect de adulare și cult al personalităților în perioada comunistă, pentru a deveni după 1990 obiect de studiu istoric, însă cu mai puține reflecții în literatură. Evreii care s-au alăturat mișcării comuniste au fost puțini la număr, o infimă minoritate din totalul populației evreiești, dar cu o influență imensă în partidul comunist. Miriam Yahil-Wax nu relatează nimic despre asocierea politică cu URSS și poziția anti-națională a comuniștilor în perioada interbelică, care a determinat marginalizarea acestora până în 1944. Nici pactul Ribbentrop – Molotov și deruta pe care acesta l-a stârnit în rândul comuniștilor europeni și desigur și a celor români nu este amintit decât în treacăt. Pe scriitoare, aflată în căutarea imaginii tatălui, o interesează mai degrabă mecanismele psihologice care fac ca un tânăr evreu să se alăture comuniștilor. Este o altă schismă care trece prin această familie și prin întreagă comunitate evreiască. Evreii erau supuși unor discriminări nedrepte. Unde se află soluția? În sionismul care propunea crearea unei țări a evreilor în Palestina sau in marxismul internaționalist? Moni alege a două soluție:
‘… la fel ca mulţi alţii ca el, Moni găsea că politica ţării era respingătoare. Revoluţia comunistă nu urmăreşte puterea politică, scria tânărul Marx. Scopul ei este crearea unui climat care să faciliteze „împlinirea esenţei umane”. Într-un asemenea climat, fenomenele sociale negative cum ar fi exploa- tarea, corupţia şi antisemitismul vor fi marginalizate. Tânărul Marx vorbea despre politici apolitice, despre o identitate umană universală care este nonpartizană, non-naţională şi non-rasială. Moni putea adopta fără rezerve această identitate de cetăţean al lumii. Dacă revoluţia socialistă va avea succes, el va fi eliberat atât de evreitatea, cât şi de românitatea sa. „Sunt un social-democrat şi nimic altceva”, a răspuns Lev Troţki la întrebarea dacă se simţea rus sau evreu.’ (pag. 44)
Îmi imaginez că procesul de documentare pentru această recuperare a imaginii tatălui și a biografiei părinților s-a desfășurat timp de decenii. Autoarea pleacă de la amintiri legate de frânturi de discuții și relatări reținute ale mamei și rudelor în perioada copilăriei, pentru a-și extinde scopul cercetării și a formula întrebările dificile pe măsură ce se maturizează. Se întâlnește în Israel cu membrii familiei și le înregistrează mărturiile, uneori incomplete, auto-cenzurate sau contradictorii. Discută cu un fost lider comunist, evreu de origine, emigrat pentru o vreme în Israel după ce fusese înlăturat din cercul lui Ceaușescu, pentru a înțelege detaliile muncii conspirative a comuniștilor. Călătorește la Paris pentru a asculta mărturiile vărului ei și ale unui diplomat-spion francez pentru care Moni culesese și tradusese materiale în perioada dinainte de 1938. Informația cea mai consistentă o primește însă din jurnalul mamei, care conține amintirile acesteia despre perioada 1940-1944, perioada în care cei doi soți decid (la inițiativa lui Moni) să plece în URSS și trăiesc acolo, în toată intensitatea lui, războiul. Pe de-o parte sunt scutiți de persecuțiile și moartea probabilă în Holocaust. Pe de altă parte suferă soarta refugiaților și privațiile și suferințele războiului, sunt martori ai luptelor de la Stalingrad și a asediului Leningradului. Li se naște și le moare un copil, Toni, fratele Violei pe care nu avea să-l cunoască vreodată. Mai presus de orice însă, chiar și idealistul Moni cunoaște direct realitățile comunismului. Trezirea este dură dar completă. La plecare:
‘De abia când am văzut graniţa, am realizat că plecam cu adevărat. Era înspăimântător. În curând, avea să fie imposibil să ne mai întoarcem, să ne răzgândim. Ne-am ascuns spaimele unul de celălalt şi speram amândoi într-o minune care să întoarcă timpul înapoi: România să redevină respirabilă, cum fusese înainte de apariţia Mişcării Legionare, înainte de fascişti, înainte de pogromuri şi, astfel, să nu mai fim nevoiţi să fugim. L-am privit înmărmurită pe funcţionarul care controla paşapoartele. Bărbia lui pătrată, ochii lui apatici, până şi coşul de pe obraz îmi umpleau inima cu tristeţe. Era ca şi cum priveam o hartă veche a ţării pe care nu voiam cu niciun chip să o părăsesc.’ (pag. 150-151)
După întoarcerea din 1946:
‘Acolo tatăl meu i-a spus Linei: „Nici celui mai mare duşman al meu nu îi doresc să cunoască paradisul comunist. Ai un singur fiu, trimite-l cât mai departe de noi şi cât mai repede!” Vorbea cu ea în franceză „ca să nu înţeleagă informatorii care mişunau peste tot”. Cunoscând bine dinamica totalitarismului, care îi eliberează pe oameni numai pentru ca apoi să îi înrobească, se pare că nu se mai identifica pe atunci cu el. Deşi a mai durat un an până ce România a devenit o ţară comunistă, el a anticipat viitorul şi, după spusele nepotului său parizian, a avertizat-o pe sora lui în legătură cu ce avea să se întâmple. ‘ (pag. 234)
Este, după câte știu eu, prima reflectare în literatura publicată in limba română a experiențelor traumatice ale acelor tineri din România, evrei și ne-evrei, care s-au lăsat amăgiți de mirajul propagandei sovietice sau au fugit de persecuții, și pe care cele văzute în ‘țara comunismului biruitor’ i-a lămurit și le-a schimbat destinul. Mulți de altfel nu au supraviețuit războiului și unii au ajuns în Gulag. Trebuie remarcat faptul că deși el fusese comunist, Moni și Schery au ales să nu folosească statutul lui de ‘ilegalist’ sau relațiile cu Ana Pauker pentru a primi beneficii de la noua putere din România. Cred că pentru cititorii din România este importantă cunoașterea unor astfel de biografii, alternative ale legendei urbane a ‘evreilor care s-au întors pe tancurile sovietice și au impus comunismul’.
Destinul le-a jucat în 1946 lui Moni și Schery o ultima și crudă festă. Întors bolnav din URSS, marcat de război dar și de anii dinainte cu detenția și torturile în beciurile Siguranței, Moni era grav bolnav. Moare la câteva zile după nașterea fetiței care avea să devină Viola. Talentul de prozatoare al autoarei, vizibil în multe pasaje anterioare (descrierea întâlnirilor dintre tineri, tragediile refugiului și ale asediului Stalingradului), este evident și în paginile finale ale cărții și voi menționa doar un alt roman autobiografic cu efect similar – ‘La promesse de l’aube’ a lui Romain Gary, deoarece se întâmplă în final ceva oarecum asemănător. Merită să ajungeți aici cu lectura.
Istoria adevărată este unul dintre trecuturile alternative. A reușit Viola să-și cunoască tatăl așa cum a fost el cu adevărat, să recupereze trăirile părinților ei, să înțeleagă dramele prin care a trecut familia, toate în contextul a două decenii zbuciumate din istoria României și a evreilor ei în secolul 20? Întrebările acestea cred că își găsesc răspunsul în carte și cei care vor citi ‘Capitolul lipsă’ vor avea satisfacția nu numai de a parcurge un roman documentar pasionant și excelent scris, dar și de a completa capitole lipsa din propria înțelegere a unei perioade complexe, care a marcat generațiile părinților și bunicilor și ne-a format și pe noi în ceea ce și cum suntem astăzi. Deși scrisă în ebraică și publicată inițial în Israel această carte are șanse să devină o parte din dezbaterea publică, istorică și literară care are loc în România în jurul perioadei interbelice.
Amnesia and hypnosis – these are two phenomena that have been the starting point for many thrillers, some of them classic successes of this film genre. ‘Trance‘ made in 2013 by Danny Boyle combines them in a sophisticated story, with several layers and narrative perspectives, which plays with the audiences and makes them constantly wonder how much of what they see on screen is true and how much are subjective experiences of the characters, and to what extent the actions of the heroes are the result of their own decisions or commands insinuated by hypnosis. I am not a professional and I have too little knowledge in the field of hypnosis to be able to confirm if and how much of what we see on the screen is scientifically correct and plausible in reality. As a film spectator, however, I can say that the scheme works well as a pretext and as an engine of an ambitious film, which captivates and provides copious surprises from the first to the last frame.
There are many interesting ideas in ‘Trance‘ even if not all are completed to the same extent. I will avoid writing anything more about the story, because it’s one of those movies where almost anything I can tell risks being a spoiler. I will only reveal that it begins as a art heist film, and continues as a psychological and erotic thriller, in which the lead characters are an expert in a large auction house (James McAvoy), a gang of robbers whose boss (Vincent Cassel) can be both violent and charming, and a beautiful psychotherapist (Rosario Dawson) who uses hypnosis as her preferred method of treatment. 100 minutes of guaranteed entertainment for intelligent thrillers enthusiasts.
I like this combination of cinematic genres, but I confess that sometimes, no matter how passionate I am about the complicated intrigues that mix reality with the subjective feelings of the heroes, I sometimes lose the logical thread that clarifies what I’ve seen so far, and from here to the loss of interest in the whole film the time interval is quite short. Luckily, in the case of ‘Trance‘, this only happens very close towards the end. Psychological games and upheavals follow one another at a fast pace, which is good for an action movie, but on the other hand they do not allow viewers to become emotionally attached to any of the heroes, because too quickly there is a change of perspective that makes us to doubt everything we have seen and felt a minute before. The actors do their job very well, but they also seem confused by the too many personality changes. Cinematography envelops us in the best tradition of ‘film noir’. ‘Trance‘, I believe squeezes out almost everything possible, but also demonstrates the limits of the genre. Slightly simplified, I think the story would have worked even better. Danny Boyle likes the memory games, playing with reality and imagination that he generously introduces in his films. This time I think the game is just a bit too complicated.